Un Guerrero muy Gonzalo

Por Mariana Jano

Sitúese usted a principios de 1500, y un día cualquiera de la época actual, donde un gimnasio se

convierte en el escenario de un barco, el Santa María de la Barca donde dos protagonistas

españoles deseosos de llegar a Santo Domingo viven un loco camino en el que cualquiera puede

Gonzalo Guerrero fue un marino español, uno de los primeros europeos en asentarse en el seno

de una cultura indígena ¿Quién pensaría que llegó a ser jefe maya durante la conquista de

Yucatán? Los cronistas lo presentan como un ser raro, extraño e inquietante.

Y así aparece bajo la pluma del imprescindible dramaturgo michoacano Wilebaldo López, el autor

de más de 50 obras, entre otras Teresa y Leopoldina, Cosas de muchachos o Vine vi y mejor me fui

¿quién no las recuerda?

El montaje cobijado por la asesoría escénica e iluminación de Félida Medina, resulta  propio y

acogedor vistiendo al Teatro Coyoacán, en Héroes del 47 No.122, donde estará la obra por breve

temporada más.

Pero definitivamente esta farsa histórica no podría ser lo redonda que es sin el gran esfuerzo

creativo que desarrollan en una muy buena actuación de los dos protagonistas Ortos Soyus

(Gonzalo Guerrero) y Gerson Martínez (Jerónimo de Aguilar) dirigidos por el propio Wilebaldo

López quienes recibieron el apoyo escénico de José E. Carmona y  Rosy Luna.

Pase una agradable velada con esta obra Un guerrero muy Gonzalo, y recuerde que sólo le queda

una breve temporada.

 Una metamorfosis en el camino: Edipo                                                                  



          

Por Mariana Jano


Buscando en la memoria colectiva se hallará un crimen: el que padeció Edipo en manos de Sófocles, la tragedia por excelencia.


“Yo soy Yocasta, la que no tiene voz en la historia, la niña buena del colegio a la que prometen un marido espléndido…” y cae hasta el fondo para no levantarse jamás.


Esta versión de Edipo, de Olivier Kemeid, se estrenó hace un año en Europa y aunque no lo parezca está un tanto apegada a la versión original con la peculiaridad de hablar nuestro lenguaje actual. Se sitúa en un lugar en el que se usa traje y corbata, hoy y 2,400 años atrás, cuando sentenció el oráculo: asesinará a su padre y será esposo de su madre… Edipo indaga, busca, pero su ceguera fue tal que se saca los ojos, el meollo no para ahí…


Un video minimalista hace que las nubes anuncien la tragedia haciendo que se ensombrezca el cielo justo cuando “el alma de un viejo se va”. La estética hace juego en la danza y la música que expresan la violencia fatal que exige el momento del todo depurado hasta el último movimiento e intencionalidad.


No en vano el director José Besprosvany fue bailarín clásico, honrosamente mexicano, del 59, está considerado como coreógrafo reformador de la danza contemporánea, desde principios de los años 80ta y a él y a su compañía le aplaudimos no sólo como uno de los innovadores de la danza contemporánea en Bélgica sino por este Edipo cervantino contemporáneo y clásico, en francés con subtítulos, tan bien logrado, sin duda una metamorfosis exitosa. No la pierda. En el Juan Ruiz de Alarcón de la UNAM el próximo 19 y 20 de octubre.

 La última sesión de Freud



 

Por Mariana Jano


 Foto Alex Bernal


Sí, 33 operaciones. Los últimos 16 años de la vida de Freud estuvieron marcados por el dolor físico, debido a su cáncer de maxilar; incluso hizo prometer a su médico que cuando le llegara el momento final le ayudaría a morir. Freud  como judío y además ateo, salió de Austria bajo muchas complicaciones y sobornos, llega a Londres en junio de 1938 bajo su fuerte deseo de “morir en libertad”y apenas un 23 de septiembre de 1939 su doctor le aplicó inyecciones de morfina con lo que cumplió su promesa


A pocos días de que muriera el padre del psicoanálisis se desarrolla esta obra, La última sesión de Freud donde el dramaturgo Mark St. Germain hace que Freud  invite hipotéticamente a C.S Lewis a hablar sobre la existencia de Dios; él es un intelectual contrario a Freud, en sus creencias pero al que respeta por su inteligencia y trayectoria.


 Sólo hay luz artificial, suena la alarma, se agitan, empieza a ladrar un perro, prenden el radio ¿qué pasa? En cualquier momento les puede caer una bomba. Se encuentran en Londres justo el día en que Inglaterra entra en la 2da guerra mundial.


Aun así, charlan, discuten, se acaloran, ¡Cómo que si Dios existe! Bastante probado está, Lewis habla hasta del sentido de la existencia del hombre, Freud de la incertidumbre, de la muerte de un hijo, de la de un nieto, del sufrimiento y hasta del sexo, son perseverantes, necios, apasionados, no es tema para discutir, se trata de un dogma de fe.


A pesar de todo quieren descifrarlo ¿lo puede creer? Quieren llegar a las profundidades de la vida en un estudio, donde un video, que nos pareció gratuito por cierto, es mudo acompañante. Amén de la iluminación que parece nocturna y saludan con un buenos días y al rato se asoman a una ventana… las actuaciones son estupendas, con Darío T. Pié y en un papel que el propio Sergio Klainer como Freud, lo ejerce al detalle con gran profesionalismo y soltura, simplemente se lució.


La última sesión de Freud, en el Teatro Helénico basada en The question of God (La interrogante de Dios), bajo la dirección de José Caballero, no es tan seria como la discusión o los trajes, tiene humor, tan fino y bien llevado que hace tome bando y disfrute el montaje.


                                                     El juego de Yalta

 

Por Mariana Jano


Soplan los vientos de la Rusia de 1900 en Yalta, Crimea. El, la vio en el malecón con su perrito. Ella tendrá la mitad de su edad, unos 20 años. Pero él menosprecia a las mujeres “Hay algo en ella que inspira lástima”.  Ambos están casados.


Dice Chéjov   Pasó una semana. “Era día de fiesta. En las habitaciones había una atmósfera sofocante, y por las calles el viento, arrebatando sombreros, levantaba remolinos de polvo…”


Todo viene de una de las obras más conocidas de Chéjov: La dama del perrito (1899), quizá es famosa también por haber tenido dos adaptaciones  al cine, una de ellas, premiada en el festival de Cannes. Chéjov la escribió cuando fue a Yalta  tratando de sobreponerse a una tuberculosis avanzada que lo acompañó hasta su muerte.


Junto a Pushkin y Tolstoi, se trata de uno de los escritores más traducidos y adaptados aunque con esto arriesgaran su obra a grandes peligros… Brian Frield,  dramaturgo irlandés toma el cuento y lo adapta, convirtiéndolo en  El juego de Yalta, que bajo la dirección de Ignacio Escárcega florece en un ambiente íntimo y delicioso en el  Teatro Santa Catarina en Coyoacán


Y qué mejor pretexto escenográfico que un café que podría ser de aquellos años en donde inmensas tarjetas postales se sostienen con una soga en el techo y se entre dibujan en el piso. La diseñadora escenográfica y de vestuario, Anabel Altamirano, crea el ambiente perfecto que completa la violinista Martha Moreyra.


Gurov  (Rodolfo Arias) y Yael Albores  (Ana), hacen una excelente pareja en la que transmiten hasta “el frío de las manos”…


Es muy cierto lo que dice Olga Chesnokova  y que se puede aplicar  aquí: Lo esencial  del argumento de este relato chejoviano no se encuentra en una banal historia de infidelidad conyugal, sino en la constante e inacabada búsqueda de la felicidad, el descubrimiento de sí mismo.


El juego de Yalta, sólo hasta el 7 de septiembre,  nos obliga a  ir y a  leer o releer La dama del perrito, pero sobre todo nos trae a una actualidad donde la infidelidad y la infelicidad son cosa de todos los días, y no por eso son menos importantes.

Palimpsesto

Por Mariana Jano

Empapado de tristeza y desolación Malaquías primero, vive en un ropero, la situación es un tanto extraña, pero no más que el propio Malaquías, un niño deforme de cuerpo pero no de alma, a quien le da miedo salir incluso de ese pequeño espacio.

Original de Itzel Lara ensayista y dramaturga la autora subraya valores de amor, solidaridad y esperanza ante la vida por complicada que esta parezca.

Bajo la dirección de Carlos Corona, la obra se presenta en el teatro Santa Catarina de la UNAM en Coyoacán, dentro del Ciclo Dramaturgia Mexicana hasta el 6 de julio con Carlos Orozco, Carmen Ramos y Sara Pinet.

Cerebro y motor de estos montajes.
Cerebro y motor de estos montajes.

 Broadway por amor… al cine

 

Por Mariana Jano

 

Broadway por amor… al cine, segunda parte es un espectáculo que en escena hace homenaje al cine, no en una de las calles más famosas de Manhattan, la cual alberga en apenas unas manzanas 19 teatros, sino en la ciudad de México, justo en el Teatro Jorge Negrete, ataviado en su interior por murales de Siqueiros, junto al semillero de actores, sí, la ANDA y sólo por dos únicas fechas el 10 y el 17 de junio.

 

La Compañía de Teatro Musical Broadway México ha presentado este espectáculo de forma ininterrumpida durante 12 años, pero tiene 16 formando jóvenes, en una iniciativa de Ana María Collado, directora de la escuela

 

El espectáculo es un recorrido por clásicos de la cinematografía como “Pippin”, “Casablanca”, “Cantando bajo la lluvia”,  ”Anastasia” o “Gran hotel” y tiene un sinfín de aciertos como buena dicción, un impecable sonido, una alegre y profesional iluminación, vestuario a la altura, coreografías vistosas, pero sobre todo dinamismo que se refleja por su sensación de brevedad y agilidad en el transcurso, además está sostenida por profesionales en canto, baile y actuación.

 

Pero si bien podemos ver esos bailes de tap que a todos nos encantan, no todos los números son de igual estatura o igualmente conocidas las canciones que se eligieron, algo que también sugeriríamos aquí que tomaran en cuenta es el formar un hilo dramatúrgico, es decir una historia, por sencilla que esta sea y quitar a la dama de ceremonias, de esta forma se formaría  un evento del todo profesional, lejos de señalar que se trata de una escuela pero esto es pecata minuta para quien quiere divertirse y pasarla bien.

 

Erase una vez… Oc Ye Nechca

 

Por Mariana Jano

 

Algunas contraindicaciones del autor Jaime Chabaud

                                                          no sé dónde ocurre

                                   no sé quién o quiénes hablan exactamente

                                     no sé si es una obra coral o unipersonal

                                               son voces de mujeres y hombres

                                                          o de hombres solos

                                                          o de mujeres solas

                                                                 lo ignoro

 

                                                           (Continúa el poema)

Inicio de la obra

“-Han disparado…

-Debajo de nosotros…

-Un cohete antitanque…

-Siento que se me cocinan los güevos

-Que me estallan…

-Y los oídos…

-Que me estallan…

-Y los dientes…

-Que me estallan…”

Lo que dicen que no es

“No es un ensayo social sobre el tema de la guerra, no es anécdota, no es estadística”

Certeza

Es lo que hay de espeluznante en esta obra, es el migrante herido, muerto de sed, de hambre, es el dolor, es la lejanía, es la soledad, es peligro, es el horror de la guerra que por más que se repite y repite no para y a pesar de todo una voz que se acerca…

Es la voz de un conjunto de artistas de primera línea encabezados por el dramaturgo Jaime Chabaud, el director Marco Vieyra, el grupo Carretera 45 Teatro A.C y entre otros el escenógrafo  e iluminador Philippe Amand, extraordinario conjunto.

¿De qué hablan? De un migrante que se fue de Michoacán, México a Estados Unidos, lo atraparon y reclutaron en el ejército norteamericano para que peleara contra Irak durante la presidencia de Bush, como única forma de obtener su libertad y la nacionalidad norteamericana.

Jaime incorpora elementos poéticos, Marco Vieyra hace su mejor esfuerzo, únicamente utiliza 6 tablones con los que pega y se apoya fuerte y logra una dirección pulcra haciendo hasta bajar a alguien del techo… Carretera 45 demuestra una estupenda disciplina actoral y muestra sus tablas (ellos son Margarita Lozano, Christian Cortés, Hasam Díaz, Leonardo Zamudio, Gustavo Linares y Antonio Zúñiga también director de este grupo)

¿El teatro? Por supuesto de la UNAM hoy y hasta el 29  de junio el Foro Sor Juana Inés de la Cruz (Insurgentes Sur 3000)  no le digo más véala.

 

                                                     Simulacro de idilio

 

Por Mariana Jano

 

Avioncitos de papel, pupitres y sillas forman parte de la escuela a la que asiste Palacios para solicitar trabajo de maestro a nivel preparatoria, lo atiende el director del colegio y hasta ahí todo va bien, pero, ¿qué necesita hacer para conseguirlo?

 

Simulacro de idilio se escribió en el 2011 por el autor y director David Gaitán, muy joven por cierto (nació en el 84), egresado del INBA,  lleva paso firme como dramaturgo y director con obras como Ricardo lll, Beisbol o Escurrimiento y anticuagulantes. En esta ocasión nos conmueve con una serie de planteamientos alrededor de los valores que nos rodean, en la familia, en la escuela, en el trabajo, en la sociedad en general. La obra nos recuerda La excepción y la regla de Bertolt Brecht escrita en 1930, pero que ahora se trae a la realidad de nuestros días, sí  debemos  condenar en bloque todo  sistema social que  prepara y justifica los antivalores porque si usted no está de acuerdo y lucha por un ideal al parecer inexistente se quedará solo y segregado.

 

El inicio de toda está tremenda fotografía social es interesante pero un tanto lento, sin embargo pasando esos primeros cinco minutos, en los que parecería que la obra se estanca, despues todo fluye y capta la atención del espectador a lo que un video de animación y musicalización de Salvador Ruíz aportan un plus extra a la obra que sin duda el Teatro Santa  Catarina en Coyoacán le da la bienvenida pero sólo hasta principios de junio

 

Son tan radicales los valores y la falta de éstos que Simulacro de idilio deja tarea para la reflexión.

quizá su obra más famosa...
quizá su obra más famosa...

   Drácula Gay

 

Por Mariana Jano

¿Se imagina a Drácula sin colmillos? ¡Cómo va a comer el pobrecito! Es ahora además un tanto tímido y tiene hambre, viste camisa y moño rosas lo que enfatiza sus grandes ojos con los que coquetea con algunos galanes…

¿Qué tanto dices Drácula? Hoy desterrando tu pasado, todos sabemos que eres gay; por supuesto no tienes el carácter, que te hizo el más famoso de todos los vampiros, el que te dio tu primer padre: Bram Stoker, en la célebre novela que después llegó al cine dirigida con gran éxito por Francis Ford Coppola.

Tu presente está bajo las ordenes de la autoría de Tomás Urtusástegui, célebre dramaturgo contemporáneo y fuiste escrito específicamente para la escena, precisamente para la Compañía Arte y Teatro (CAT) quien toma este personaje de leyenda y entre lo onírico y romántico te saca el lado más jocoso del Drácula de Transilvania;  de esta forma nos cuentas por qué te volviste gay y lo que has sufrido en este mundo moderno donde no puedes comer… ya escuchamos tus lloriqueos “Me voy a morir de hambre… es más ya me estoy muriendo”

¡Paf! Se murió. Y usted puede ver cosa tan espeluznante, un sábado a las 8:30 en la Carpa Geodésica en San Angel, donde se da un encuentro de este vampiro con una mujer libidinosa, un muerto que se queja por estar solo en un velatorio y todo como una breve introducción donde también aparece El atascadero del mismo Urtusástegui.

Querido Drácula, llegaste a la Carpa, te acordaste de tus ancestros y reviviste desde 1991, hoy gracias  a la sangre de Jorge Ignacio, quien te interpreta muy vívidamente., claro esperaste a los antecesores José Velazco y Gerardo Carbajal y el propio dinamismo en la dirección de Olga Consuelo Mejía, también actriz en la obra con gran trayectoria también en cine y en televisión.

Es cierto, nos hubiera gustado ver la escenografía que Tomás describe como un lugar mágico con telas brillantes, blancas iluminadas de rojo, grandes candelabros con velas encendidas, el diván, los cojines y un aparato de música moderna. Sin embargo la pasamos bien y nada fue tétrico  al contrario fue todo divertido y simpático.

 

                                                       Cómo escribir teatro

                                                       Historia y reglas de dramaturgia

 

 

                                                                                 De Edgar Ceballos

                                                                               

Por Mariana Jano

 

La historia del teatro está plagada de obras que no lo son y a decir de Edgar Ceballos que “pertenecen a otro género” “un género híbrido que no tiene nada que ver, con la realidad teatral” y así sin vergüenza se exhiben como novedosas o grandes creaciones.

 

Si esos asaltantes de la escena, leyeran libros como el que hoy comentamos Cómo escribir Teatro, Historia y reglas de dramaturgia, de Edgar Ceballos, se darían cuenta por lo menos de que “la dramaturgia se basa en un conflicto que cambia el orden de las cosas”. “Escribir una obra de teatro, continúa Ceballos, no es un repentino impulso creativo. Primero debe motivarle cierta causa y ésta tendrá siempre un mismo efecto. La causística es una ley dramática, no la casualidad y el accidente, se requiere recorrer todo un camino antes de poder escribir una historia”.

Edgar Ceballos, el erudito, ha sido investigador por más de tres décadas. No dudo que desde entonces empezara a guardar notas para formar el presente libro, rico en análisis e información. El escritor, director, pedagogo, editor, actor, dramaturgo de origen yucateco, tiene sólida trayectoria. A decir del director del OdinTeatret, Eugenio Barba, Ceballos “Ha creado un gran teatro de papel; un teatro hecho de múltiples palabras, de historias y búsquedas, de documentos pescados en el mar del pasado y en los lagos de la contemporaneidad”

 

Se trata del 3er libro de la colección Memoria y Creación que Escenología  (su editorial) edita con el apoyo del estímulo a la producción de libros de CONACULTA-INBA. El libro incluye antecedentes históricos, en una revisión profunda de casi 200 páginas de las 390 que tiene, y luego viene el plato fuerte: construcción dramática.

 

No es fortuito encontrar  interesantes anécdotas de los primeros dramaturgos que existieron como tales, como una multa impuesta a Phrynichos cuando “durante la representación de ´La toma de Mileto’ el pánico se apodera del público al ver con demasiado realismo un espectáculo sobre la derrota griega en Asia Menor ocurrida diez años atrás, el cual creyeron era auténtico. Al autor se le impuso una multa  por mil dracmas por haber deprimido el espíritu ciudadano”.

 

Ni es tampoco una casualidad pasar por inmensidad de autores, que van de los clásicos de la tragedia  como  Esquilo, Sófocles o Eurípides  a los contemporáneos como Sor Juana, Usigli o Azar.

 

Desde luego, dice Leñero en el prólogo, su libro no pretende dar fórmulas fáciles, ni promete a nadie convertirlo en dramaturgo o en crítico experto. Es un libro para captar mejor el fenómeno de la creación, en sus aspectos más básicos y en sus aplicaciones más prácticas. Un libro de reflexión, de amplia documentación, de intenso pensar y repensar las claves de la dramaturgia. Un libro que discurre y que enseña, pero que felizmente no impone caminos únicos ni recetas garantizadas…”

 

Consígalo. Cómo escribir teatro Historia y reglas de dramaturgia de Edgar Ceballos es un libro imprescindible para la gente de teatro. Forma, informa, propone, analiza de manera coloquial, entretenida  y por demás erudita.

XXVI Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro

 

Por Mariana Jano
Foto de archivo: Mariana Jano

 

Como cada año el Teatro Jiménez Rueda, en Plaza de la República No.154, a un costado 

del monumento a la Revolución, en la Cd. de México, abre sus puertas a este encuentro,  

en esta ocasión del 10 de enero al 2 de febrero del 2014, bajo la batuta de Isabel Quintanar.

 

Comentaremos aquí, muy brevemente, algunas de las obras que se presentarán. 

 

Empecemos pues.

 

 Un rencor vivo… Pedro Páramo

 

Entre muertos que aparecen y desaparecen, el hijo de Pedro Páramo, llega a Comala. 

 

Acaba de perder a su madre y está dispuesto a encontrarla.

 

Inspirado en Rulfo, René Pereyra, autor y director de Un rencor vivo…Pedro Páramo,  crea un argumento poético dentro de una estética perfecta: Papel picado, como el que se acostumbra el día de muertos, cuelga del techo, al igual que del escenario, hay veladoras, incienso, máscaras, calaveras, flores, música en vivo, logrando una atmósfera en la que se juntan vivos y “muertos”, de cara blanca, ropas humildes y hambre legendaria.

 

Hace ya muchos años me enamoré del teatro de René Pereyra con obras como Cruce de  vías. El fundador de la escuela de El Método en México desde 1985, ha recibido becas y reconocimientos, y hoy nos vuelve a seducir con este trabajo donde por momentos la música no permite escuchar del todo, la voz de los actores y en donde sugerimos acortar un poco más el tiempo de presentación, por todo lo demás un muy buen inicio en el 

 encuentro que lucio teatro lleno.

 

 El sacrificio de Isaac

 

La belleza del sonido del toque de un caracol así como el perfume de muchos, muchos pétalos de rosa invita a asistir.

El sacrificio de Isaac llegó desde Tlaxcala. Es una buena oportunidad para escuchar lengua náhuatl. Es una obra breve, donde se hace necesario leer el programa de mano para averiguar lo que sucede. Se trata de un drama bíblico donde un patriarca engendra un hijo con una esclava y otro poco después con su esposa…

 

La dirección está a cargo de la emprendedora Graciela Orozco, actriz, directora y productora, egresada del INBA quien se ha distinguido por su preocupación sobre el teatro evangelizador.

 

Al final se hace la aclaración de que en el elenco participan pocos actores, el resto es parte de la comunidad, así que no debe de extrañarle si acude, que en el coro encuentre angelicales niñas de secundaria que resultan hacer buen equipo.

 

N. de la R. No dejan tomar fotos, por eso no las tenemos.

Juan Rulfo en teatro
Juan Rulfo en teatro

Final del XXVI Encuentro Nacional de los Amantes de Teatro

 

 

                                                                       Rent

 

A su novia le escribió: Tengo sida y tú también. Por eso la vida es ahora.

Compuesto por Jonathan Larson, Rent es un musical basado en la ópera La Bohéme de Puccini  donde unos artistas tratan de sobrevivir en el Nueva York de los años 90.

Rent fue una de las primeras obras que presentó abiertamente personajes homosexuales y bisexuales, cuando este tipo de obras más bien eran rechazadas. El álbum de canciones que formaron se convirtió en  uno de los más famosos de la música estadunidense, incluyendo una canción junto al cantante  Steve Wonder.

La acción se ubica en la víspera de una navidad, cuando varios artistas, entre ellos músicos, reciben la amenaza de ser desalojados si no pagan la renta, problema que se agrava copn la pobreza y enfermedad bajo la sombra del sida.

El trabajo para el director Jorge Tejeda de la Compañía de la Escuela de Danza de la Ciudad de México, es titánico: coreografía, canto, actuación, entre suponemos (suponemos porque no sabemos si lo resolvió él) como el vestuario o la resolución escenográfica.

Los jóvenes le inyectan gran entusiasmo a la obra y hasta una chica vestida de Santa Claus, baila en tacones (perdón, no damos su crédito porque no sabemos quién es). Sin embargo la función que vimos tuvo un gran problema, se les averió una bocina, y aunque el origen del percance al parecer fue provocado por la función de otra obra previa a ellos, esto les afectó mucho debido al ruido insoportable que provocó, a pesar de esto, es preciso decirlo, la gran mayoría del público se quedó hasta el final.

Les sugeriría, como bien dijo el maestro Mario Ficachi canten ellos mismos. Porque si se dieron a la tarea de hacer sus propias pistas y en algunos momentos cantar realmente pueden hacerlo. De cualquier forma, honestidad y buen trabajo, (de la única compañía que presentó comedia musical de todo el  Encuentro) es lo que prevaleció.

 

                                                               Los actoreses

 

A los actoreses les crece la nariz, pero la verdad es que a la gente que miente no, por eso hay tantos mentirosos y este grupo de Reynosa Tamaulipas pretende desenmascararlos.

Dos actores, dos payasos, así es como se lo planteó el autor: Rafael Pimentel Pérez, quien por momentos, salta, camina o brinca en un argumento donde la espontaneidad es vital.

Es una farsa, que dirige Eduardo Calderón en 60 minutos y en la que muchos niños y adultos caen, ja ja ja, el pensamiento es recóndito y ellos lo saben abordar. Un grupo, un rato, una sinfonía con toques de verdad.

                                                      

El Llano en Llamas

                                                

Una narraturgia arbitraria

 

Los aventó el viento hacia la miseria absoluta,  la sed insoportable, la sequedad de la tierra, están solos y perdidos ante la fatalidad.

El Llano en llamas, como usted sabe, es una serie de cuentos que Rulfo desarrolló, con gran maestría poética  hace 60 años. Transitando escenarios simbólicos, llenos de pobreza y ruindad la obra hace una crítica social ante el desencanto postrevolucionario  de muchos campesinos

Hoy en versión teatral de la compañía Personare, Lulú Avila, (nada menos y nada más que la estupenda Tereza Panza de un pasado Encuentro) y dos actores extraordinarios: Hernán Castellot y Daniel Lares,  logran una versión a la altura eligiendo cinco cuentos. Un anciano apenas puede con las desgracias de su hijo,  quien decidido a cruzar la frontera en la mayor de las pobrezas regresó peor,  para encontrar en mayor desgracia a su familia, se perdió la casa, se fugó la esposa, a sus cinco niños los mantiene el anciano quien ahora carga con gran dificultad el cuerpo del hijo que se le muere...

Un hermosísimo árbol viejo, fuerte y desnudo es proyectado sobre el escenario… el montaje se enriquece con las imágenes de un proyector. Terriblemente actual, el trabajo se perfiló sin duda como la mejor obra de la muestra.  El montaje regresará al estado de Campeche y muy posiblemente estará en el Foro Luces de Bohemia en el DF. No pierda la oportunidad de verla.

 

Y hasta aquí finalizamos con el XXVI Encuentro de los Amantes del Teatro, donde elegimos para escribir sobre unas pocas obras debido a la gran cantidad, 54, que se presentaron en tan solo tres fines de semana, por eso también y por esto me disculpo, la brevedad y rapidez de los comentarios.

 

                                                                   El árbol

 

Por Mariana Jano

 (Encuentro Amantes del Teatro)

¿Dónde está “la llave de las guitarras y las mandolinas” para un ex convicto? Luisa acaba de salir de la cárcel, no tiene un peso ni lugar donde la esperen, se le ocurre entonces visitar a Marta, una dama de la clase alta quien la mirará con desprecio…

El árbol es una obra poética y evocadora que plantea varias cuestiones detrás de la marginación. Originalmente,  fue  un cuento publicado por la gran escritora en el Suplemento México en la Cultura de Novedades en la época que dirigía dicha sección Fernando Benitez en 1958, titulado El árbol, o fragmento de un árbol, el cuento surgió de una experiencia particular de Elena Garro cuando se involucró en la defensa de los campesinos en Morelia hacia 1954, unos años más tarde se convertiría en la pieza teatral (1963)  que todos conocemos.

He visto esta obra varias veces, algunas con impactantes resultados como un montaje en la biblioteca de Balderas en la Cd. de México. En este encuentro de la delegación Iztapalapa esta obra se presenta bajo la dirección de Giovanni Jiménez, sin duda trataron de cuidar todos los detalles. Bajo un árbol un cellista le da una riqueza infinita gracias al músico Iván Torres. Se agradece también el trazo escenográfico que incluye el árbol, un sillón, una cómoda y una mesita para el teléfono.

La tensión dramática se  debe iniciar desde el primer timbrazo, según acotaciones de la propia obra, y esa tensión no debe de parar, lo que le es difícil mantener a la Cía. Luna Llena Artes Escénicas, hay pausas y oscuros larguísimos, sin embargo se pueden quitar. Es muy bueno que el grupo utilice el manejo de la iluminación y en la actuación se debe pulir un poco más  Diana Bastida (Marta), por ejemplo debe mostrarse más despreciativa, ya que es así como se marca en el texto original, Cecilia Muñoz (Luisa) en un momento hace que su voz pegue un brinco y grita, debe ser proporcional con los sentimientos este grito.

En fin que a pesar de todo y puliendo más esta obra la compañía alcanzaría un buen nivel, que por el momento aplaudimos.

 

¿Y tú qué harías?..

                                             

  Para dejar de ser esclavo

 

Teniendo interés y decisión, con una simple escoba usted puede enseñar a sus hijos a usar un condón.

¿Atrevido? No. Fundamental, necesario. La Compañía  Teatral Minotauro nos da todo una cátedra de por lo menos un par de cosas, que usted como padre y sus hijos deben saber.

Su hija no debe formar parte de las estadísticas de legrados, ni iniciar su vida sexual a los 13 años, por eso aplíquese parece gritar la obra ¿Y tú qué harías? De Juan Carlos Tolentino, también actor y director,  el montaje habla de sexo, drogas y entre otras cosas de dinero fácil. Sí es una especie de “escuela para padres” que ilustra de forma amena el cómo decir las cosas tal cual son.

Todo ocurre en un ensayo, donde no se requieren grandes escenografías ni oropel en el vestuario. Bien escrita dirigida y actuada y por supuesto del todo recomendable.

Lo único que recomendamos es que separen la obra de la otra titulada Para dejar de ser esclavos que presenta la misma compañía en el espacio que le correspondía a una sola obra.

Basada en el Best seller “El esclavo” de Francisco  J, Del Angel  Real, el mismo Juan Carlos Tolentino, director y suponemos adaptador,  nos presentan esta segunda obra Para dejar de ser esclavo.

Debido a la droga y el alcohol, un joven tiene un fuerte accidente que lo deja en coma. Acostado en una cama de hospital, el joven escucha y siente lo que pasa alrededor, sin perder la posición del coma por supuesto, donde escucha por supuesto que quieren traficar con sus órganos…

Por demás interesante,  el argumento atrapa y si a esto le agregamos un buen montaje, resulta también una obra recomendable.

 

                                                         Juventud y experiencia acumulada

 

¿Cuántas personas de la tercera edad viven deprimidos? Enfermedades,  soledad,  hijos ingratos, poco dinero… y ya se quieren morir.

Juventud y experiencia acumulada, bajo la autoría de Anaraceli Alvarado, nos habla bajo otra actitud, una actitud positiva llena de recompensas para los adultos mayores

Margarita (Lucero Elvira) nos invita a acompañarla un día cualquiera. Sacude la pereza con ejercicio y salta de la cama para empezar un nuevo día.

Juventud y experiencia acumulada, trata de la actitud positiva que todos deberíamos seguir a cualquier edad y en todo momento por difícil que éste sea.

Tuve  la oportunidad de ver esta obra actuada por la misma Anaraceli Alvarado, una actuación que enriquecía mucho su propia obra. Desafortunadamente no fue el caso esta ocasión, al parecer la actriz olvidó algunas partes de la obra y le faltaba voz, aunque no actitud.

Recomendamos a la autora y directora de la Compañía Creatividad Artística Toxahue, A C. piense en actuarla nuevamente le aseguramos obtendrá mejores resultados

Curva peligrosa

“¿Mordidas peligrosas a la libertad?”

A los 15 años se empiezan a tener las primeras experiencias: con la bebida, con el tabaco, el sexo… y hasta se empiezan a definir las preferencias sexuales.

Adrián, Carlos y Corina son tres jóvenes muy unidos, dispuestos a “devorar la vida” por lo que manejan toda clase de curvas y por peligrosas que sean les parece normal ¿hasta dónde pueden? De Edeberto Pilo Galindo, este melodrama de la delegación Tlalpan dura apenas 50 minutos bajo la dirección de Benjamín López, el interés por la obra es creciente y los 3 actores: Griselda Flores, Taynari Martínez y Adrián Gutiérrrez ponen todo su empeño; con el trabajo en conjunto y parafraseando a Emile Zola estos jovencitos, no parecen actuar sino vivir entre el público.

 

 A Diario

 

A Diario, nos dice el programa de mano, es la historia de una joven mexicana que deja su país por  estudiar en el extranjero. Ella se ve obligada a trabajar siendo explotada en una fábrica en una fábrica de reciclaje de periódicos donde sueña y se da cuenta que hay miles de situaciones como la suya. 

El montaje, un monólogo en el que se interactúa en inglés y francés breve y claro, no es accesible sin embargo para todo tipo de público, quien si no habla estos idiomas o no lee antes el programa de mano, no entenderá nada.

Bien dicen que la teatralidad moderna consiste en utilizar la expresividad, no en frenarla u

ocultarla. A Diario, está llena de expresividad corporal, como le dicen a la actriz, su cuerpo es fuerte y flexible pero nos hace falta por momentos la comunicación y expresividad del lenguaje.

 

Por otra parte Alaide Ibarra cargó con todo el peso de ser la autora, directora y actriz de la compañía que lleva su nombre, algunas escenas son largas, si recortara el montaje que dura apenas una hora tal vez mejorarían las escenas estéticas que tiene. Tal vez trabajando con más creativos obtendría mejores resultados.

 

Un misterioso pacto

 

Autor de obras como Los negros pájaros del adiós, Camino rojo a Sabaiba o La Infamia, entre por lo menos 30 obras más siempre es emotivo ver alguna obra de Oscar Liera, quien fuera destacado como integrante de la Nueva Dramaturgia Mexicana, no en vano estudió en lugares como el INBA

 

De Las dulces compañías (premio Juan Ruiz de Alarcón 1988) Oscar Blancarte realizó una película y ahí encaja la obra a al que hoy nos dedicamos: Un misterioso pacto. En esta última un drogadicto se vende en los parques y Samuel lo invita a su casa para tener relaciones sexuales con él…

 

Oscar Liera voltea hacia los seres marginales, el instinto y la violencia parecen caerse sobre alguno de sus personajes. ¿Qué ocurre en cuanto a las violaciones hacia los gays no son denunciadas?

 

¿Qué estadísticas hay?

 

El grupo Alux, se dio a la tarea de montar a este monstruo cuando las proporciones de Oscar Liera, quien muriera de sida poco después de los 40, exigen casi perfección.

Una tarea muy difícil que desafortunadamente no logra este grupo de Iztapalapa bajo la dirección de Eduardo Rivera. Lamentablemente hubo público que abandonó la sala casi al principio, no por falta de interés en el argumento sino porque simplemente ni en las primera filas se escuchaba a los actores, amén de otros males como las pausas gratuitas y largas y el amaneramiento no de esa.

 

La carretera de don Matías

 

Don Matías “es un viejo con más años que un conejo” pero debe estar dormido, muy dormido porque no aparece, por lo que Tronco, un duende se aprovecha y hace travesuras primero provocando que dos marionetas despierten y decidan empezar la función aún sin don Matáis, su La carreta de don Matías de la delegación Coyoacán, nos atrae desde el inicio, cuando todos ven una gran carreta con un teatrino en el centro del escenario.

 

Comedia clown de aprox. 50 minutos de la compañía Raspberry theatre tuvo muy atentos a niños y adultos, en el escenario juegan, cantan y bailan, con una delicada selección musical y una guitarra que también tocanDe Silvina Patrignoni, la obra sale de los juegos y cuentos tradiconales que a todos nos aburren, bien también por los actores: Manuel Gallo (Clavito), Eugenia García (Tuerca y Daniela Serrino)

 

 

Tres alfas para un omega

 

Dios castiga el suicidio, dice Mozart en la Flauta Mágica. Tres chicas trataron de suicidarse y  mientras se determina siu están vivas o muertas aparecen en una especie de limbo donde empieza ¿Por qué lo hicieron? ¿Qué les ocurre? José G. Domínguez, el autor, explora el campo, la agonía que muestra es estética aunque no siempre placentera, no por eso desagradable ante un público cautivo sobre el tema.

 

Nos dice el programa de mano que Aguascalientes es uno de los estados con mayor índice de suicidios de adolescentes en todo el país. Esta obra, pertenece a un programa de Prevención del Suicidio Adolescente a través del Teatro, bien por la obra que cumple más allá del programa. Dicen que algunos suicidas no pasan sus últimos días en estados depresivos, por lo contrario, se les nota animosos, no es el caso de estos tres personajes, pero sí del director que los ilustra: Juan Antonio Jiménez, él incorpora danza, lienzos, que pecata minuta yo haría más cortos esos momentos aunque la obra de la compañía Furgón grupo teatral apenas dure 55 minutos, por todo lo demás me resulta interesante y estética.

Xochitl de la Concha
Xochitl de la Concha

Dos mujeres un siglo

Por Mariana Jano

 

Bajo una aparente decencia una dama se asusta ante la posibilidad de un beso en público,

estamos a principios de siglo, todo puede pasar, incluso que la dama hable en verso.

De Merino Límbano Correa y Mario Ficachi, éste último también director, se presentó

dos mujeres un siglo, monólogo en comedia que a medio camino da una fuerte vuelta en

valores y preferencias.

 

Confieso no conocer al primer autor citado, un tabasqueño ya desaparecido que escribió

la obra a principios del siglo pasado. El otro autor, Mario Ficachi, es conocido como

director, autor y dramaturgo de aproximadamente 20 obras; entre ellas podemos citar El

cuidador, # 50 cosas sobre Newton, a estrenarse el próximo 10 de febrero, Sin espíritu,

Fridísima ó de Atar, por último no olvidemos a Ficachi como uno de los fundadores de

Contigo América, que dejó en alto nombre al Teatro Independiente.

 

A mitad de la obra Dos mujeres un siglo, aparece una joven contemporánea, quien está

muy lejos de ruborizarse a la hora de prevenir y pedir condiciones como el uso del condón

ante el galán.

 

Xochitl de la Concha, es la actriz que presentó el monólogo, su trabajo es por demás

profesional, logra un público más que atento, jocoso y participativo. El aplauso inundó

esa tarde el Jiménez Rueda que estuvo hasta el tope.

 

Comedia de equivocaciones

 

La violencia, la pasión, la sangre de teatro isabelino, por hoy dan vuelta para pasar a la

genialidad del enredo cómico, sin duda los clásicos son los clásicos y garantizan una buena

velada cuando la compañía pone todo su empeño.

 

La comedia de las equivocaciones de William Shakespeare, es por demás simpática, a

partir de los enredos que se hacen cuando aparecen dos pares de gemelos provocando

una gran confusión en la ciudad de Efeso.

 

Son apenas 12 actores, vestidos de supuesta época, todos ellos aportan riqueza y matizan

venciendo las dificultades de la obra, bajo la dirección de Emilio Urióstegui de la compañía

Teatro ABC didáctico de la delegación Cuauhtémoc. A todos ellos los felicitamos, no sólo

por su buena participación sino por la elección de teatro clásico.

 

 Cosas de muchachos

 

¿Qué es lo que los muchachos creen? Que cumplen 14 y ¡paf! Tienen toda la experiencia y

sofisticación?

 

Wilebaldo López con sus Cosas de muchachos, ilustra lo que les pasa a miles y miles de

jovencitos desorientados que no saben actuar en sus primeras experiencias sexuales, por

lo cual pueden caer hasta el fondo.

 

La elección de la obra, por parte del grupo Zero de la Universidad Autónoma de Nayarit,

bajo la dirección de Luis Méndez Hernández es buena por vigente y aterradora, esos

pobres jovencitos, representados por los prometedores Soyanne González y Fernando

Flores, dan frío. Cobíjese y no la pierda.

 

 

 Princesas desesperadas

 

“Las princesas más famosas del mundo no pueden llegar a ser reinas” ¿quién les dijo que

sólo por ser princesas serían felices por el resto de su vida?

 

Necesitaron 20 años de matrimonio con sus príncipes y una reunión entre ellas para dar

la gran queja. Blanca Nieves tiene que trabajar para sus enanos, Cenicienta es anoréxica

pero “botijona”; Aurora no encuentra el amor de aquel beso que la despertó por ninguna

parte y Bella ¡Ay bella! Te casaste con una bestia…

 

Bien conocido es que excelente humorista es Tomás Urtusástegui, todos lo saben y

excelente fue la comedia que llegó desde Reynosa Tamaulipas bajo la dirección de Daniela

Espinoza. Vayan y escuchen incluso los chismes de la realidad de la Caperucita roja.

 

 

 Los negros pájaros del adiós

 

No hay un corte en lo más profundo de la garganta con un cuchillo tipo psicosis y sin

embargo hay una víctima

 

Los negros pájaros del adiós de Oscar Liera, cuentan con delicadeza lo que sucede en las

tranquilas playas de Mazatlán donde llega una francesa a darles clases.

 

Es el amor que fluye bestial, son los pájaros que “pregonan la fatalidad”. Se trata de una

obra muy bella, cuyos montajes siempre se recuerdan como el que se hizo con Diana

Bracho en el teatro El Granero…

 

No desmerece esta obra de Aguascalientes, Aguascalientes, con la Cía. Formación Actoral

 

Al Trote y la dirección de José Claro.

 

La música, el vestuario, los actores, todo en buen ritmo nos hace seguir los detalles y

querer adentrarnos cada vez más. ¡Bien muchachos!

 

 Abriendo el regalo

 

La alegría de la escena se transmite, hay globos que inundan el cuadro, todo el teatro

Jiménez Rueda espera la fiesta. Se ven los juegos a los que los niños juegan, que si te jalo

una oreja y me escondo, el tronido de un globo, el chillido de un globo que hacen volar…

Lino cumple 11 años y su hermana y abuela le preparan la fiesta.

 

La compañía teatral Reno de Coyoacán, busca en el juego la catarsis, sin ignorar los

problemas que enfrenta un niño.

 

Ray Nolasco, autor, director y actor, ampliamente conocido en estas Muestras ha

presentado muy buenas obras, por hoy logra un buen trabajo junto a sus compañeros

actores, entre ellos, Adriana Resendiz y Mauricio Moreno.

 

 El secreto de Gorco

 

Gorko está enamorado y tres brujas tratan de que lo olvide. Una de ellas tiene 700 años,

es la más vieja así que aconseja a la de 600 y a la de nueve. Ellas unirán sus conocimientos

¿se saldrán con la suya?

 

De Toluca llega este original argumento de Alberto Chimal, bajo la dirección de Roberto

Moreno él viaja junto a su compañía Valija Teatro. Las brujas son estupendas pero al

cantar se las come la música, bailan y aunque tienen un esbozo coreográfico, no lo tienen

escenográfico en fin que con trabajo podría ser una obra muy exitosa

 

 Inagada la vida

 

La fortaleza de espíritu ante la decadencia inevitable que trae la vejez, es abordada por

Alejandro Licona quien pone a un escritor solo, enfermo y desamparado a luchar hasta

con sus hijos para que no lo metan al manicomio. . .

 

Tiene olvidos, no sabe por ejemplo dónde perdió las llaves, sin embargo no ha olvidado

qué es una llave, descubre a su gato tanto tiempo buscado en el baúl, ¡cómo olvidarlo si

el mismo lo metió! El actor y director Fernando López Hernández es quien presenta el

monólogo en forma por demás jocosa y divertida ¿pero de qué se ríe tanto la gente? Eso

es lo que todos se preguntan sobre la impactante tragicomedia.

 

La obra que vino de Aguascalientes, Aguascalientes tuvo el honor de contar con la

presencia del autor quien se mostró satisfecho con ella ¿Por qué no habría de estarlo? Sí,

fue todo un acierto.

 

 La que hubiera amado tanto

 

“Es chingón sentirse amado, no le hace que sea de a mentiritas” Un producto único en el

mercado vende mujeres desechables en lata y también, para los que no tengan mucho

dinero pueden comprar saldos, el protagonista escoge uno abollado…

 

La fealdad psicológica trata de hacer pareja con la fealdad física ¿qué cree que resulte de

este encuentro? Se presentó La que hubiera amado tanto, del mismo Alejandro Licona,

una comedia que pasó al tono de farsa, bajo la dirección de Noé Nolasco

 

He conocido por lo menos una muy buena versión de “La que hubiera amado tanto”,

la montó el desaparecido Jorge Ramos Zepeda hace algunos años en su foro de Xola, la

obra por naturaleza impactante requiere de tacto y delicadeza lo que a bien se logró en

aquella ocasión.

 

Desafortunadamente no podemos decir lo mismo de esta versión de la compañía Toputshi

teatro, porque tan peligrosos es mover el argumento de la obra, como el género de

la misma, porque el autor, el público o incluso la misma compañía se pueden sentir

defraudados… es así como me sentí, defraudada, las carcajadas del público contrastaron

con este sentimiento lo sé, habría que ir más al fondo y sacar lo encontrado de lo

perdido en todo este embrollo que por demás me resultó sórdido al mover también los

sentimientos más bajos del espectador.

 

 Así nos volvemos todos ¿no?

 

 Seis jóvenes de secundaria se van presentando y contando algunos de sus secretos y

habilidades, en cierto momento el camino se entrelaza y algunos se encontraran en medio

de embrollos. Se trata de la adaptación a una obra de Miguel Angel Tenorio que hace

la compañía Puro Bolillo Teatro que vino de la delegación Venustiano Carranza bajo la

dirección que asumió toda la compañía.

 

El autor presente en la sala, quien recién cumple 60 años de los cuales 44 son como

escritor, se mostró satisfecho y agradecido. No vimos la misma reacción en el público

que sin duda esperaba más como la que escribe que sintió monotonía y lentitud… Esta

compañía no nos resulta extraña, y tiene capacidad para dar más, ojalá retomen su buen

paso para la próxima.

Collage Ionesquiana
Collage Ionesquiana

Esencialmente teatro

 Mozarteando a Ionesco

 

Mozarlequin, con creación de lenguaje corporal y acompañamiento de aro, música e iluminación

desarticula la realidad sin pizca de pereza mental y con gratitud danza por el diminuto escenario

del Foro Luces de Bohemia ubicado en Orizaba 193 en la colonia Roma. ¿Roberto Cuevas es acaso

la cereza antes del pastel? Ya veremos

 

Las notas de piano danzan extraordinarias, Jefferson Storn-mesa revive minuetos mozartianos, en

un piano que existe pero que no se ve ¿estamos aún en la cereza?

 

¡Inconcebible! Escena para cuatro personajes, nos muestra a 3 hombres que visten las mismas

ropas, y se conducen con los mismos gestos, juegan al juego de lo absurdo, porque a Ionesco, el

autor francés, nacido en Rumanía, la realidad le parece insoportable, indecente.

 

Para Eugene Ionesco la verdad de la ficción es más profunda, más cargada de significación que la

realidad cotidiana… pero ¿qué es todo esto? Sí, es el pastel.

 

Autor entre otras de La cantante calva, Las sillas, El rinoceronte o El rey se muere, hoy se puede

ver en cartelera La lección y El nuevo inquilino en el mismo montaje bajo la limpieza de dirección

 

Desde las actuaciones hasta la utilería, todo el trabajo está más que cuidado, pulido, no en vano

la compañía de los RenaTentistas han trabajado desde 1988 con un elenco estable, han tenido

obras en cartelera como Dos Mundos de Tomás Urtusásteguii, A mordidas o cómo se inventó la

pornografía de Antonio González Caballero y entre otras, Impresiones del mismo Rento de la Riva.

Con Ricardo Brust, Gabriela Bermúdez, Manuel Castillo, Marcela Morett, Geno Sánchez, Nacho

Rodríguez, Diego Estrada y Pablo Montemayor entre otros.

 

Surgido en Paris en los 40’s y principios de los 50´s el teatro del absurdo elige como a algunos de

sus representantes a Jean Genet, Samuel Beckett, Arthur Adamov, Jean Tardiev y Eugene Ionesco

¿fuentes? Antonin Artaud con El teatro y su doble y entre otros los existencialistas Albert Camus y

 

Ciertamente, como dicen los eruditos, este tipo de teatro toca temas muy importantes

relacionados por ejemplo con cuán suceptible se encontraba la civilización después de una gran

batalla como la fue la Guerra Mundial. Se percibe a través de sus personajes la desorganización

que existía en la manera de comunicarse unos a otros, donde muchas veces no había un punto

de acuerdo entre todas las partes, pero sí un abuso de poder donde los ricos y poderosos

atropellaban a los más débiles y a los que menos posibilidades tenían entre tanto caos y confusión.

 

No espere sin embargo que Ionesco le haga la tarea, la respuesta, interpretación y análisis se los

lleva a casa o a merendar después de la función, que es espléndida, no la pierda. (Buscar en internet, Foro Luces de Bohemia)

Ocar Liera (DEP)
Ocar Liera (DEP)
Isabel Quintanar, Benjamin Bernal, Rueda de Prensa
Isabel Quintanar, Benjamin Bernal, Rueda de Prensa

Historias a la luz de la tumba

 

Un joven toca su flauta ante su amada quien se encuentra sepultada, bajo la luz de la luna. No hay mano helada y sin embargo está presente el poeta como Amado Nervo. De Emilio Urióstegui, autor y director se presentó Historias a la Luz de la tumba, obra seleccionada en el pasado Encuentro Nacional de los Amantes de Teatro, y que por hoy se presentó en lugar de Antígona la cual no se exhibió por causas de fuerza mayor.

 

Con el teatro lleno el público parecía molesto, pero al correr la presente obra se fue relajando hasta el disfrute total. “¿Llorar? ¡Para qué!” Del poético momento del flautista, la obra sorprendió dando vuelta total con dos historias más. Todo con una simulada tumba por escenografía y dos estupendos actores: Sergio Cuéllar y Julio Escartín, quienes demostraron que para hacer buen teatro no se necesita más.

 

Sucedió en Belén

 

Con la gran transformación que han sufrido los autos sacramentales, que derivaron haia la pastorela, no es raro que de éstas sólo quede la esencia: Lucifer que trata de impedir a los pastores que adoren al niño Jesús. Por lo que nuestras pastorelas, que algún día fueron instrumento para evangelizar, allá por el siglo XVI, hoy son motivo de entretenimiento como parte de las festividades navideñas. Lucifer ya no huele a azufre y los pastores visten como les viene en gana, en esta pastorela de Antonio Gómez Yebra, hay pastorcitos que visten clásico y dos modernos que saben usar hasta el face-book.

 

Lucifer viste de traje con su cola rematada con pico brillante y su ayudante de diablo que se distingue a leguas, Al ángel sólo le desentonan un poquito Se agradece el telón como escenografía, éste nos presenta un Belén lleno de árboles y flores. Todo corre en un ritmo ágil bajo la dirección de Jorge Tejeda, quien no permite que se caiga el trabajo ni por un momento. El público estuvo muy divertido