BAJO RESERVA
¿EXISTEN LÍMITES PARA EL PODER?
 
 
Eugenia Galeano Inclán
12 de diciembre de 2014
 
 
Vivimos en un mundo que no es perfecto.  Quisiéramos que no hubiera guerras, injusticias, desapariciones, secuestros, robos, abusos, inseguridad ni violencia, pero no podemos evitarlo.  En México, estamos atravesando momentos difíciles, reprobamos firmemente lo ocurrido en Atyozinapa, caso que ha provocado la indignación de la población de todo el país.  El arte no es ajeno a estos asuntos.  El escritor, dramaturgo, director y docente Pere Riera, de Barcelona, España, escribió la obra Desclasificados. misma que para su puesta en escena en México ha sido re-intitulada comoBAJO RESERVA.  Es probable que con el título original el autor tratara de describir a sus personajes, seres que se mueven en las altas esferas, poderosos, únicos, que no se ajustan a clasificación alguna, pero el nuevo título también resulta muy adecuado.
 
En BAJO RESERVA, Pere Riera muestra un retrato al desnudo -sin retoque alguno- de la gran maraña que está detrás del mundo de la política.  Una obra bien estructurada sobre un tema fuerte que refleja lo que ocurre en los altos niveles y las múltiples posibilidades que existen cuando se detenta el poder.  Con lenguaje fluido narra lo que ocurre cuando en las manos de la prestigiada periodista Silvia Galván caen unas fotografías comprometedoras del señor Presidente.  El interés del público se mantiene en vilo a lo largo de toda la función.
 
Arturo Barba, actor con trayectoria en teatro, cine y televisión que ahora se dedica también a producir obras teatrales, realizó la adaptación para el montaje de BAJO RESERVA en nuestro país.  La acción comienza cuando la periodista llega a la cita para entrevistar al señor Presidente.  Ella va preparada, lleva consigo las fotografías, está dispuesta a que él diga la verdad.  Lo confrontará en forma directa para saber si él reconoce ser quien aparece en las imágenes.  Le costó trabajo conseguir la entrevista, recuerda que la anterior fue hace años cuando él ocupaba el cargo de Secretario de Gobernación.  La entrevista será transmitida en vivo, los camarógrafos están por llegar.  La representación es tan auténtica que, mientras la señora Galván, el mandatario y su subalterno deambulan por el despacho presidencial, la magia teatral se da en forma natural.  El espectador se siente al lado de ellos y está tan inmerso en la trama, que sólo podrá volverlo a la realidad un "Corte", término que comúnmente se utiliza en la cinematografía para marcar los cambios entre cuadro y cuadro.
 
Enrique Singer realiza una labor de dirección escénica espléndida.  Los parlamentos y las pausas están perfectamente administrados.  Son también muy acertados el desplazamiento actoral y el aprovechamiento del espacio.  Como asistente de dirección funge Gabriela Guraieb. 
 
La labor histriónica de los tres protagonistas es realmente extraordinaria.  Cecilia Suárez,  Álvaro Guerrero  y   Arturo Barba  no sólo hicieron un análisis profundo de las particularidades de cada uno de sus personajes para interpretarlos en forma fiel, sino que aprovechan sus propios atributos físicos para aderezar la caracterización.  Cecilia Suárez es la afamada periodista Silvia Galván, mujer de carácter, segura de sí misma, con gran personalidad y presencia física.  Álvaro Guerrero es el señor Presidente, recio, firme, todopoderoso.  Arturo Barba, joven metrosexual, es el secretario del Presidente, lee su mente y sabe cómo proceder antes de que él gire alguna instrucción, es muy astuto y, consciente de la atracción que ejerce, la utiliza para sus fines.  Participan también, Abraham Alcalá como el camarógrafo  y Gilary Negrete como la maquillista. 
 
La producción de BAJO RESERVA es de Bh5 Group,  La Rama Teatro  y  Llamas Producciones.  Focus, empresa productora de teatro en Barcelona, a través de Tania Brenlle, se sumó al esfuerzo de En Llamas Producciones.  Los productores son Rodrigo Trujillo,  Arturo Barba  y  Jacobo Nazar.  El productor ejecutivo es Abraham Alcalá.  La escenografía, que consiste en un amplio despacho, pleno de distinción, sobriedad y pulcritud fue diseñada por Erica Krayer.  Patricia Gutiérrez es quien provee la bien impartida iluminación.  El responsable de la música original que coadyuvante para tener el entorno idóneo es creación de Edher Corte.  El elegante vestuario es diseño de Miriam Guerrero.
 
Teatro de calidad hecho en México que puede presentarse con orgullo en cualquier parte del mundo. BAJO RESERVA es una historia interesante sobre un tema escabroso, en un montaje formidable, con actuaciones memorables y una excelente dirección.  BAJO RESERVA es la mejor opción teatral para estos momentos de consternación.
 
 
BAJO RESERVA
se presenta los viernes a las 20:45 horas,  los sábados a las 18:00  y  20:00 horas
y  los domingos a las 17:30 horas
en el Teatro SALA CHOPIN
ubicado en Álvaro Obregón N° 302
colonia Roma
Ciudad de México


EL LOCO Y LA CAMISA
 
Eugenia Galeano Inclán
10 de diciembre de 2014
 
Es fácil tildar a alguien de loco, lo difícil -aún para los psicoterapeutas- es determinar si alguien padece de una enfermedad mental o no, toda vez que el cerebro humano es el centro de operaciones del cuerpo y cualquier falla en este complicado sistema puede dar paso a una discapacidad física o mental.  Según el diccionario, la locura es "privación del juicio o del uso de la razón".  Sin embargo, la definición no es tan exacta, pues las manifestaciones de locura son muy variadas.  Aquellos que padecen una enfermedad mental, pueden actuar fuera de lo normal, perder el control, ausentarse de la realidad, pero tal vez no en forma permanente, sino sólo en períodos de crisis o cuando algo les afecta en forma determinada.  Es curioso, pero hay enfermos mentales que tienen un razonamiento más acertado que aquellos que se presume están cuerdos.  En lo coloquial, se dice que todos tenemos un poco de músico, poeta y loco.
 
Al actor, director, dramaturgo y docente argentino Nelson Valente se le ocurrió escribir EL LOCO Y LA CAMISA, en la cual hace un análisis profundo de la mente de un joven y la de su familia.  El bien estructurado texto narra un pasaje en la vida de Beto, un joven que sufre un desequilibrio mental.  Está en una constante fluctuación de conducta.  De comportarse como niño travieso, pasa a sostener una conversación congruente.  A ratos, cree ser invisible y se dedica a observa lo que su familia hace, pero igual puede dar un buen consejo.  El padre es el clásico hombre -como miles de mexicanos- que manda en su casa, acostumbrado a que se haga lo que él dispone.  La dócil madre se dedica al hogar y se la pasa lavando, planchando, limpiando, haciendo la comida.  Ama entrañablemente a sus hijos.  A Beto lo trata con singular ternura, como si aún fuera pequeño, consintiéndolo y procurando no contrariarlo.  María -la hermana de Beto- es una joven emprendedora, concluyó sus estudios y tiene un empleo.  La mayor aspiración de María es tener una mejor vida, alejarse de su familia, del barrio en que vive y, sin confesarlo, quisiera desparecer a Beto, pues lo considera una vergüenza.
 
Desde hace tiempo María sostiene un noviazgo con su "príncipe azul", un joven empresario, guapo, distinguido, de la alta sociedad.  María y su novio se aman y han decidido vivir juntos.  Él la convence de que ambos deben avisar a los padres de familia sobre su decisión.  Es así como María organiza una cena en su casa, diciendo a sus padres que quiere que conozcan a su novio, omitiendo el motivo real.  A María le incomoda bastante esta presentación, sobre todo, por su hermano, a quien pide se encierre en su habitación.  Su gran preocupación es que todo salga perfecto.  Pregunta a su madre qué cocinó-  La respuesta es: "preparé lo que más te gusta" ... ¿qué será?.   Si usted desea conocer todo lo que sucederá en esta reunión tan importante para María, tiene que ir a ver EL LOCO Y LA CAMISA.
 
Sebastián Sánchez Amunategui e Ignacio Riva Palacio son los productores de este montaje.  Alan García es el productor ejecutivo  y  Eugenia Llaguno es la productora asociada.  Sebastián Sánchez Amunategui, productor y director, residente en México desde hace tiempo se ha especializado en dar a conocer el teatro latinoamericano y tiene en su haber obras tan exitosas como "Nuestras vidas privadas" y "La lechuga", entre otras.   En el caso de EL LOCO Y LA CAMISA, además de productor, asume la dirección escénica, ofreciendo un trabajo muy atinado al retratar fielmente a los personajes creados por Nelson Valente. 
 
El elenco está conformado por Ignacio Riva Palacio (Beto),  Emilio Guerrero (el padre),  Verónica Langer o Mercedes Olea (alternan el papel de la madre), Sonia Couoh (María)  y  Manuel Balbi (el novio de María).  Todos ellos logran una excelente labor histriónica, dando los matices necesarios para encarnar a sus personajes, destacando Ignacio Riva Palacio por su corporalidad y por los abruptos cambios de carácter que le toca interpretar.
 
La escenografía consiste en el mobiliario de una casa modesta, propia de una familia de clase media.  La bien distribuida iluminación es producto de Xóchitl González.  El combate escénico fue impartido por José Carriedo y Américo del Río..  El maquillaje es aportado por MAC Cosmetics.  El vestuario de Manuel Balbi es patrocinado por Tommy Hilfiger México.  De la difusión se encarga Edmundo Luján.  La fotografía fue encomendada a Paulina Chávez.
 
En EL LOCO Y LA CAMISA usted encontrará una historia interesante, donde no faltan las sorpresas, convincentes actuaciones, un excelente montaje y una acertada dirección escénica.  Usted se entretendrá, pero también habrá de reflexionar sobre el comportamiento humano.
 
EL LOCO Y LA CAMISA
se presenta viernes a las 21.00 horas, sábados a las 19:00 horas
y domingos a las 18:00 horas
en el FORO LUCERNA
ubicado en la esquina que forman las cales Milán y Lucerna
colonia Juárez, Ciudad de México
La temporada concluye el 21 de diciembre de 2014.
EMOTIVO HOMENAJE SE RINDIÓ A MAURICIO DAVISON
A TRAVÉS DE MINETTI
 
Eugenia Galeano Inclán
9 de diciembre de 2014
 
 
Los mejores homenajes son los que se hacen en vida y, más aún, cuando se realizan dentro del entorno que más familiar es para el homenajeado.  A instancias del Teatro EL MILAGRO, con el apoyo  Eduardo Ruíz Saviñón y la participación de algunos actores, se hizo posible llevar a escenaMINETTI  de la autoría del polémico Thomas Bernhard, autor y dramaturgo austriaco-
 
MINETTI es por sí misma una obra homenaje, toda vez que fue escrita con dedicación a Bernhard Minetti, un grandioso actor alemán.  El texto, con un lenguaje muy teatral, expone el sentir íntimo de un histrión, lo que tiene que dar al público mediante sus caracterizaciones y la utilización de máscaras.  Su propia despersonalización para poder encarnar a personajes ajenos a él.  La narrativa versa sobre los últimos días de un actor que ha sido reconocido como grandioso y cuyo mayor anhelo es interpretar al rey Lear, para cuyo efecto, lleva consigo una máscara hecha especialmente para él por James Ensor -pintor belga que participó en movimientos de vanguardia a principios del siglo XX y, a quien se considera gran influyente en el expresionismo y el surrealismo, destacando por la originalidad de su obra-. 
 
Con frases tan contundentes como:  "El mundo quiere que lo entretengan, pero hay que perturbarlo",  "El arte dramático como objeto de la existencia, ¡qué monstruosidad!",  "el artista no es un verdadero artista hasta que está perfectamente loco, hasta que se ha precipitado en la locura y ha hecho de ella su método", así como confesiones tan enternecedoras, como:  "'llevo treinta años con miedo, con el miedo constante de perder mi texto, de no poder interpretar Lear". 
 
El montaje de MINETTI fue realizado única y exclusivamente para el homenaje  a Mauricio Davison, hombre ligado al teatro toda su vida, quien al sufrir el destierro se vio precisado a abandonar su natal Chile, pero llevando consigo su oficio, dispuesto a hacer teatro adonde fuera que llegara.  Trabajador incansable ha logrado a lo largo de su existencia una larga y nutrida trayectoria, siempre dando lo mejor de sí sobre el escenario.
 
En MINETTI -una obra con varios personajes, pero un solo protagonista- Mauricio Davison, como de costumbre, ofrece una actuación excepcional, muy a su estilo.  MINETTI da inicio cuando el famoso actor llega a Ostende en plena celebración de Carnaval.  Está en espera de un director que le ha ofrecido una puesta en escena del Rey Lear.  Mientras espera, expresará sus pensamientos y reflexiones, ante una mujer hospedada en el mismo hotel y evitará, a toda costa, que el encargado lo separe de su maleta, en la cual guarda su preciado tesoro, la máscara de Lear.  Breves incursiones de gente que se está divirtiendo en el Carnaval y, finalmente, conversará con una chiquilla plena de vida, de alrededor de diecisiete años que, sin saberlo, hace que Minetti se sienta confrontado con la juventud plena de ilusiones que a él se le ha ido hace mucho tiempo.
 
El resto del elenco está conformado por Elena de Haro, de gran presencia, como la dama huésped del hotel, dispuesta a tomarse una botella de champaña, o dos, si es necesario.   Guillermo Henry, como conserje del hotel.  Eugenia Arriola, actriz egresada de CasAzul, como la graciosa y expresiva jovencita.  Como personajes de Carnaval, participan  Gabriel Pingarrón,  Lucero Elvira y Fernanda Delgado.
 
Eduardo Ruíz Saviñón aportó su labor como director escénico, diseñador de audio y de iluminación.  El arte fue impartido por Liliana Mercenario Pomeroy y Priscilla Pomeroy.  La asistencia fue provista por Elena de Haro, Lucero Elvira y Ramón Balbuena.
 
Al final de la función, David Olguín tomó la palabra.  A modo de que el acto fuera tan solemne, comenzó con una anécdota sobre el momento en que se comunicó a se rindió un homenaje a Alí Chumacero, quien preguntó en qué consistía el homenaje.  Al responderle, que se trataba de un diploma y un cheque, dijo: "se pueden quedar con el diploma".  Tras lo cual, lamentó no poder ofrecerle un cheque a Mauricio Davison, provocando la risa de los presentes, aclarando que lo que sí había era mucho corazón en este homenaje.  Acto seguido, Eduardo Ruíz Saviñón y Vicente Quirarte hablaron sobre la labor histriónica de Davison, para después proceder Vicente Quirarte a develar una placa conmemorativa de MINETTI.  Gabriel Pingarrón también dedicó al reconocido actor un fragmento de una obra de su autoría.
 
La noche concluyó en un grato convivio con mojitos, cortesía del Bar Milán y deliciosos bocadillos.  Entre las personalidades que acudieron al evento se encontraban Laura Almela, Blanca Guerra, Carmen Vera, Esmirna Barrios e Isabel Benet.  Sintiéndose feliz y conmovido, Mauricio Davison departió y charló con varios de los asistentes.
QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE
 
Eugenia Galeano Inclán
8 de diciembre de 2014
 
Los tropiezos, las desilusiones, las adversidades y los problemas pueden llevar a alguien a sentirse acorralado.  Mientras más se busca una solución, menos se encuentra.  ¿Qué hacer en una situación así?  Algunos se refugien en la fe, mientras que otros se enfrascarán en actividades que les distraigan a tal grado que no tengan tiempo de pensar en aquello que les agobia, sin embargo, también habrá a quienes esto no les funcione y que opten por salir de su mala racha por lo que se conoce como "la puerta falsa", es decir, el suicidio.  Lamentablemente una joven bella, rubia, con hermosos ojos claros, se encuentra en esta situación.  Ha tomado la decisión de matarse en QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE.
 
Una vez que lo ha decidido, analiza diferentes formas de llevar a cabo su cometido, para luego dejar una nota suicida con la tradicional frase QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE, lo cual no le convence mucho porque en realidad sí existen varias personas a quienes cargaría con algo de culpa de su difícil decisión.  De hecho, podría enumerar a los culpables, de la "A" a la "Z".  Poco a poco irá recordando todo aquello que la ha llevado a planear su propia muerte mediante un recuento de lo que lo mucho que le han afectado ciertos comentarios y determinadas situaciones nada gratas que ha tenido que pasar al lado de su hermana Lesvia, su madre Inga, su abuela, la doctora Segis, la monjita Raymunda, algunas amistades heteroflexibles, o su actual novio, el desobligado Elio Gabalo que nunca la llama por teléfono a la hora en que queda .  Para las mujeres, la presunción es importante, así que para esta ocasión tan única, fue a una conocida tienda a comprarse el vestido más bonito que encontró.
 
El texto de QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE, de la autoría de Humberto Robles es un relato muy entretenido y divertido de todas las desventuras de la atribulada joven que está a punto de quitarse la vida.  La labor de dirección por parte de Andrés Tena es muy fluida, acentúa lo divertido, dejando de lado lo trágico de la situación e imprime un buen ritmo entre acciones y pausas.  José Manuel Majul funge como asistente en la dirección.
 
El punto clave de la sencilla escenografía es una baúl de cuyo interior saldrán muchos elementos que propician la dinámica de la puesta en escena.
 
En cuanto a la labor histriónica, Valeria Vera hace todo un despliegue de su versatilidad y de las habilidades que tiene para cambiar el tono y las inflexiones de su voz, además de sacar provecho de su corte de cabello que le permite lucir diferentes peinados.  El caso es que a través de un excelente trabajo corporal y de expresión facial, cambia de personalidad en forma instantánea.  Si bien se trata de un monólogo, por el escenario desfilarán aquellas personas a quienes ella alude en su momento. 
 
El resto del equipo creativo de QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE está conformado por: Luis Tena en la producción ejecutiva,  Felipe Septién en las relaciones públicas,  Mmozu Miguel en diseño gráfico.  La producción es de Teatro al Viento y Vera Producciones.  El patrocinador oficial es Mezcal Mi Chingón.
 
Si usted quiere ver una comedia ligera, con un tema fuerte, lenguaje ocurrente, con una gran actriz, en un montaje ágil y juvenil, donde se divertirá de principio a fin, no deje de ver QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE. Además, para pasar el mal trago de saber que una linda chica desea matarse, le darán un mezcal de cortesía al inicio de la función.
 
QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE
se presenta los jueves, a las 21:30 horas en
UN TEATRO
ubicado en Nuevo León N° 46,-frente al Parque España-
colonia Condesa, Ciudad de México.
La temporada concluye el jueves 18 de diciembre de 2014.


EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA
 
Eugenia Galeano Inclán
2 de diciembre de 2014
 
Entre las relaciones humanas que todo individuo tiene a lo largo de su vida, dos de las más trascendentales son las que establece con sus padres y con sus maestros.  Luego de su nacimiento, el primer contacto con el mundo son la madre y el padre.  A medida que el bebé va creciendo, irá relacionándose con sus demás familiares, sean hermanos, abuelos, tíos,  primos y algunas amistades de los padres.  Más adelante, cuando comienza a acudir a la escuela y da inicio su vida independiente fuera de casa, habrá de convivir con maestros y compañeros. 
 
Se podría decir que el hogar y el colegio son los dos ámbitos que más contribuyen a la formación y al desarrollo de todo ser humano   Estos temas yacen en la trama de EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA, obra escrita por Juan Mayorga --Juan Antonio Mayorga Ruano--, uno de los dramaturgos españoles más representativos de la generación actual, mismo que ha trascendido fronteras y cuya obra ha sido traducida a diversos idiomas.  A pesar de que EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA versa sobre asuntos cotidianos, la narrativa de Mayorga es tan fluida que capta el interés de principio a fin, es de esos textos que atrapan.
 
Hace dos años, el emblemático cineasta francés François Ozon obtuvo el galardón La Concha de Oro en el Festival San Sebastián con la adaptación cinematográfica que realizó de EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA, a la cual intituló "Dans la maison" ("En la casa"). 
 
José María Mantilla, joven creativo que divide su arte entre el teatro y la cinematografía, desconocía el texto de Mayorga, pero, tan pronto leyó EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA  se entusiasmó tanto que se impuso como objetivo llevarla a escena en México.
 
La acción comienza cuando Germán, un profesor de lengua y literatura, está revisando las tareas de sus alumnos.  Se le ve entre frustrado y divertido, no da crédito de que los chicos hayan escrito tanta tontería y, para colmo, con faltas ortográficas y gramaticales. Las calificaciones que anota fluctúan entre el cero y el tres, hasta que, de pronto, tropieza con un trabajo que llama su atención y provoca su interés, la misma termina con la palabra "continuará".  Es de Claudio, trata de recordarlo y lo ubica como un jovencito tímido y callado que se sienta en la última fila.  Le merece una calificación de siete,  A partir de ese momento, estará a la expectativa de los siguientes trabajos de Claudio.
 
¿De qué se trataba el trabajo de Claudio?  Era sobre la vida cotidiana de su compañero Rafa.  Claudio y Rafa habían hecho un pacto para mejorar en sus estudios.  Mientras que Claudio no entendía nada de filosofía, Rafa era pésimo en Matemáticas, así que acordaron que uno a otro se ayudarían en las materias para las cuales no se sentían aptos.  Después de clases, Claudio iba a casa de Rafa y ahí procedían al intercambio.  Lo que Rafa no sabe es que Claudio, además de cumplir con el pacto, se dedica a observar detenidamente todo el entorno familiar de Rafa y, sobre esto, hace sus tareas para lengua y literatura.  Es evidente que si lo supiera se sentiría bastante molesto, en virtud de que a nadie le gusta ser observado, analizado y revelado.  Si usted desea saber en qué termina esta historia, la cita es en EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA.
 
La puesta en escena de José María Mantilla es brillante.  Su labor de dirección es impecable, tanto el desplazamiento de los actores como el aprovechamiento del espacio son acertados.  Su manejo del ritmo escénico es formidable.  No bien termina un cuadro cuando ya está comenzando el siguiente. 
 
El elenco está conformado por actores y actrices de amplia trayectoria y por dos nuevos valores.  El trabajo histriónico es de primer nivel, todos encarnan en forma convincente a sus personajes.  Ana Ciocchetti es Ester, la madre de Rafa.  Carlos Corona es Rafa padre.  Luis Miguel Lombana es el maestro Germán.  Paloma Woolrich es Juana, esposa de Germán.  Jorge Caballero es Claudio  y  Mauro Sánchez Navarro es Rafa hijo.
 
La escenografía, diseñada por Carolina Jiménez, es sencilla, peor funcional.  Aparentemente es un solo departamento, con comedor, sala y estudio, pero igual representarán la casa de Rafa, el estudio del profesor Germán o el colegio.  Un trabajo atinado y bien planeado.  Así mismo, el diseño de vestuario por parte de Lissette Barrios es adecuado.  La iluminación, a cargo de Francisco Álvarez está bien impartida coadyuvando al cambio entre cuadro y cuadro.  La escenofonía está a cargo de Pedro de Tavira Egurrola.  Adrián El Potro Aguirre brindó la asesoría de Combate Escénico.  El maquillaje fue encomendado a Brenda Castro Rodea.  Para peinados y cortes los encargados fueron Julieta Pichardo Blanco y Fernanda García Trejo.  Eugenia Llaguno es la responsable de promoción y relaciones públicas.  Difusión y medios son manejados por Edmundo Luján.
 
Usted encontrará en EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA una historia sobre padres e hijos, maestros y discípulos, confianza y desconfianza, lo permitido y lo que no debe hacerse, como el aprovecharse de los demás para fines propios.  Temas que lo mantendrán al filo de su asiento, en suspenso.  Además de que verá un excelente montaje con actuaciones entrañables y una dirección precisa y acertada. 
 
EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA
se presenta los lunes a las 8:30 p.m.
en la SALA CHOPIN
ubicada en Álvaro Obregón N° 302
colonia Roma
Ciudad de México
--  La temporada concluye el lunes 15 de diciembre de 2014.


NO QUEDA NADA QUE DECIR
 
Eugenia Galeano Inclán
18 de noviembre de 2014
 
Enrique Singer, quien actualmente se desempeña como Director de Teatro UNAM -Universidad Nacional Autónoma de México-, ha dedicado la mayor parte de su vida al teatro desde cualquier trinchera, como actor, director, creador, docente y funcionario.  El maestro Singer cuenta con una mente ágil que siempre está generando ideas.  Entre lo más reciente que se le ha ocurrido es un proyecto tan ambicioso como arriesgado: Hacer un montaje con obras cortas de Samuel Beckett, convocando a cinco directores de las nuevas generaciones, a fin de que cada uno de ellos plasmara su propia visión sobre el teatro beckettiano, así como a un director reconocido, con mayor trayectoria y experiencia, para fungir como coordinador general.
 
Para la puesta en escena del proyecto,  los convocados fueron:  como coordinador, Martín Acosta  y, para dirigir cada una de las cinco obras que lo conforman, Juan Carrillo, Damián Cervantes, Mariana Gándara,  Mónica Jasso  y  David Jiménez.  Enrique Singer utilizó como criterio para su elección que tuvieran una poética teatral bien definida, que ejercieran su labor con total libertad, sin restringirse a cánones o normas, para crear el teatro que ellos desean, desde su muy particular visión y que a pesar de sus aún cortas trayectorias en su haber contaran con, por lo menos, una producción que hubiera impactado al público, tal vez, incluso, generado cierta polémica en relación con su estilo fuera de lo común. 
 
Paralelamente, se encomendó a Alberto Lomnitz la traducción de ciertas dramaturgias de Beckett.  El primer paso para la mesa de trabajo, fue que los convocados leyeran varias obras cortas de la autoría de Samuel Beckett, a fin de que cada uno eligiera cuál deseaba dirigir.  Contrario a lo que se pudiera pensar, el proyecto fluyó de principio a fin, cada quien eligió una obra distinta y luego procedió a planear el montaje de la misma.  Las obras elegidas fueron: "Impromptu de Ohio",  "Pisadas",  "Juego",  "Arrullo"  y  "Catástrofe".   Una vez seleccionadas las cinco obras, los participantes sometieron a votación cómo se intitularía el proyecto, tras varias sugerencias, el resultado fue: NO QUEDA NADA QUE DECIR.
 
(1) "Impromptu de Ohio" con la participación de Harif Ovalle y Sergio Ramos Ruíz, bajo la dirección de David Jiménez.  Se trata de una obra donde sólo uno de los actores (Harif ) habla, mientras que el otro (Sergio) se limita a escuchar y a hacer uno que otro gesto y/o movimiento.  David concibió este montaje colocando a sus actores sobre altas plataformas, una más que la otra, a modo de dar relevancia a quien lleva la voz.
 
(2)  En "Pisadas" quienes actúan son Nailea Norvind y Georgina Tábora, bajo la dirección de Mariana Gándara.  Las protagonistas son una hija (Nailea) y una madre enferma (Georgina), a quien debe cuidar y atender, estando al pendiente de que tome sus medicamentos, mientras que ella deambula por la casa, pisada tras pisada, víctima del encierro y la responsabilidad que la agobia y le impide vivir su propia vida.  Ambas mujeres denotan su sufrimiento. Mariana visualiza  a la hija en un primer plano, mientras que la madre vaga fuera del foco escénico. 
 
(3)  "Juego" ("Play"), donde  aparecen Nailea Norvind, Harif Ovalle, Sergio Ramos Ruíz y Georgina Tábora, bajo la dirección de Juan Carrillo.  El género de "Juego" es teatro del absurdo.  Una metáfora sobre un triángulo amoroso esposa/esposo/amante.  Se supone que los personajes han muerto y están enterrados, pero continúan reflexionando sobre hechos que vivieron.  Son sólo tres cabezas que asoman y no hacen sino hablar y hablar, en forma desencarnada, cual si fueran máquinas.  En su interior a lo único que aspiran es al reposo eterno ... al silencio, pero mientras sientan luz no pueden alcanzarlo.     Juan impone a tres de sus actores -los parlantes- (Nailea, Harif y Georgina) una forma de hablar vertiginosa, lo cual implica un enorme reto para cualquier histrión, del cual los tres salen airosos gracias a su excelente dicción y a la intención que ponen a cada palabra.
 
(4)  "Arrullo", estelarizada por Georgina Tábora, bajo la dirección de Mónica Jasso.  A través de un monólogo, una madre rememora a su hija cuando ésta era pequeña.  Mónica incluyó sonidos guturales en medio de la narrativa, a fin de dar un enfoque diferente.  La hija aparece en escena, representada por una niña, sin embargo, el programa de mano omite su nombre.
 
(5)  "Catástrofe" es llevada a escena con Harif Ovalle, Nailea Norvind  y  Sergio Ramos Ruíz, bajo la dirección de Damián Cervantes.  Es teatro dentro del teatro.  Versa sobre cómo quiere un director escénico (Harif) que se vea su actor (Sergio), para lo cual da indicaciones precisas a su asistente (Nailea).  Damián opta por mostrar con crudeza la forma catastrófica en que se puede despersonalizar a un histrión.
 
Difícil para cualquier actor someterse a las órdenes de cinco directores distintos para un solo montaje, sin embargo, todo el elenco integrado por Nailea Norvind, Georgina Tábora,  Harif Ovalle  y  Sergio Ramos Ruíz sacan la casta y ofrecen al espectador trabajos impecables dentro del entorno de cada una de las obras.  La labor histriónica de cada uno de ellos en NO QUEDA NADA QUE DECIR es de inmejorable nivel. 
 
La labor de dirección escénica por parte de los cinco directores participantes es extraordinaria, aun cuando cada uno impone su particular estilo, respeta la esencia de la dramaturgia, dotándola de la frescura de la miradas joven y contemporánea. 
 
Por su parte, Martín Acosta hace una labor magistral en la coordinación, toda vez que hilvana las obras en forma tal que éstas se suceden una a otra tan ágilmente que logra la unificación precisa de un proyecto integral.   En cuanto a la escenografía, también es muy acertado el diseño por parte de Martín, mismo que resulta idóneo para representar al emblemático autor, utilizando la tecnología moderna y marcando una referencia a un montaje de hace muchos años de "Los Días Felices", también de Beckett, a través de un cuadro con arena. 
 
Parte fundamental de este montaje son el diseño de iluminación a cargo de Matías Gorlero  y  el diseño sonoro, por parte de Joaquín López "Chas", así como el vestuario encomendado a Ricardo Loyola.  Los claroscuros y proyección de sombras diseñados por Matías, la sonoridad retumbante y el vestuario idóneo sitúan al espectador en el mundo sombrío donde yace el sufrimiento que padecen los personajes.  El resto del equipo creativo está conformado por: Ximena Sánchez de la Cruz, en Asistencia de Coordinación;  Laura Loredo, en Asistencia de Producción;   Natalia Sedano, en Asistencia de
Escenografía;   Alejandro Gama, en Asistencia de Vestuario;  Miriam Romero,  en Asistencia de Dirección para¨ "Pisadas";   Antonio Pérez, en Realización de Escenografía;  Maricela Montoya, en Realización de Vestuario,  y  Cuauhtémoc Durán, en Realización de los zapatos de yeso que usa Nailea en "Pisadas".
 
A partir de una genial idea de Enrique Singer para recordar a Samuel Beckett, dramaturgo, escritor y poeta irlandés, desde la perspectiva joven de los nuevos talentos mexicanos, surge una joya teatral, un montaje soberbio.  En NO QUEDA NADA QUE DECIR se conjunta la tradición de uno de los más grandes autores teatrales del siglo XX, con la contemporaneidad del teatro en nuestro país, gracias a un equipo comprometido y entregado, cual si fuera una maquinaria donde todo el engranaje funciona a la perfección.  Entrañables actuaciones, originales formas de dirección escénica, entorno bien logrado, utilización de nuevas técnicas de iluminación y sonoridad, y magnífica integración.
 
NO QUEDA NADA QUE DECIR
se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, 
sábados a las 19:00 horas,  y  domingos  a las 18:00 horas,
en el TEATRO SANTA CATARINA,
ubicado en Jardín Santa Catarina N° 10 -frente a la Plaza de Santa Catarina-,
en Coyoacán, Ciudad de México.
La temporada concluye el día 6 de diciembre de 2014.


¿CÓMO SE LLAMA?
 
Eugenia Galeano Inclán
15 de noviembre de 2014
 
Ante la pérdida de un ser querido, pareciera que el mundo se derrumba.  Es un golpe tan fuerte que es difícil de asimilar.  La mente divaga, cuesta trabajo hacer lo de siempre, incluso, lo más sencillo o rutinario.  Los psicólogos han dividido el duelo en cinco fases.  La primera es de negación, la segunda puede ser de enfado, indiferencia o ira, la tercera es de negociación con uno mismo, la cuarta es la de sentir dolor emocional y la quinta es de aceptación.  El tiempo que dura este proceso es impredecible, depende de cada individuo.
 
Un joven acaba de perder a un ser a quien no sólo amaba, sino que era trascendental para su existencia.  Se siente confundido, olvida dónde ha dejado las cosas que tiene que utilizar.  Lo abruma, además, una fuerte opresión en el pecho.  No relaciona su pérdida con lo que siente y sólo se concreta a pensar ¿CÓMO SE LLAMA? este malestar.
 
Este es el tema elegido por Leonardo Ortizgris como su idea original para iniciar su aventura como dramaturgo y director.  Leonardo Ortizgris es un destacado histrión que ha pisado todo tipo de escenarios y siempre ha desempeñado su labor con gran responsabilidad que han dado como resultado trabajos entrañables.  Su larga trayectoria lo avala.  Ahora, concibe su primer texto, pleno de sensibilidad, a través del cual no sólo capta el interés del espectador sino que también se roba su corazón.
 
En el programa de mano se lee:  "¿CÓMO SE LLAMA? no es teatro únicamente para niños, tampoco es teatro solamente para adultos. Es una historia que pretende vincular a los seres humanos, que busca crear un espacio de convivencia sin importar la edad." ... y lo logra.
 
Sólo hay un personaje en ¿CÓMO SE LLAMA?, pero el mismo es interpretado por dos actores:  Alfonso Borbolla  y  Leonardo Ortizgris.  Uno es el alter ego del otro.  Esta dualidad hace que la obra sea mucho más amena que si fuera un monólogo, al diversificar la acción teatral.  Uno al otro se complementan en forma dinámica con gran coordinación.  La labor histriónica de Leonardo y Alfonso es excelente tanto en sus expresiones como en su movimiento corporal.
 
La dirección por parte de Leonardo Ortizgris, con la asistencia de Romina Coccio, es muy acertada, aprovechan bien todo el espacio escénico e imprimen gran agilidad en el desplazamiento actoral en sincronía con la historia.
 
A falta de recursos para una gran producción, la escenografía, diseñada por Georgina Coca y Ariana Canales, está conformada por múltiples cajas de cartón, aparentemente apiladas al azar, sin embargo, cada una tiene una función específica y a lo largo de la representación se irán convirtiendo en bancas, parques, edificios, casas ... en fin, en lo que sea.
 
La música original y el diseño sonoro creados por Pablo Chemor proveen a ¿CÓMO SE LLAMA? del entorno adecuado.
 
El diseño gráfico es de Mónica Nieto, mientras que los dibujos que aparecen en algunos cuadros fueron realizados por el pequeño artista plástico Lucas Tamariz Ortizgris.
 
Ana María Benítez C. se encarga de la producción general y la inversionista es Marissa Herrán.
 
A niños, jóvenes, adultos y ancianos les encantará ¿CÓMO SE LLAMA?.  Un texto interesante que toca fibras sensibles del ser humano, una puesta en escena entretenida, magníficas actuaciones, bella música y alegres dibujos.  Un regalo para el alma.
 
¿CÓMO SE LLAMA?
se presenta sábados y domingos a las 13:00 horas
en el Foro El Bicho, ubicado en Colima número 268
-casi esquina con Avenida Insurgentes-
colonia Roma, Ciudad de México.
La temporada concluye el 4 de diciembre de 2014


ESCENAS PARA UNA CONVERSACIÓN DESPUÉS DEL
VISIONADO DE UNA PELÍCULA DE MICHAEL HANEKE
 
Eugenia Galeano Inclán
10 de noviembre de 2014
 
 
Al parecer, una de las tendencias que en la actualidad es de las más populares entre los jóvenes europeos es la de crear teatro con muy escasos recursos.  Esto es entendible, toda vez que la crisis económica se padece en la gran mayoría de los países del orbe.  Es evidente que para hacer buen teatro no siempre se requiere de un enorme presupuesto, pero presentar algo digno sin contar con recursos implica que se tiene que echar andar la creatividad a todo lo que da.  Esto no sólo en lo que se refiere al productor y/o al dramaturgo, sino a todos los integrantes que intervienen en el proyecto. 
 
Es por ello que las generaciones contemporáneas están en la búsqueda de nuevos lenguajes teatrales e innovaciones escénicas.  La compañía El Conde de Torrefiel con sede en Barcelona, España, fue fundada en Barcelona por Pablo Gisbert y Tanya Beyeler.  Uno de sus principales objetivos es trabajar en escena una forma de investigación que se extienda en el tiempo.  Una vez que analizan el entorno, proceden a hacer sus creaciones escénicas.  Los principales elementos que utilizan para sus producciones son las artes plásticas, la danza, la literatura y el performance. Las dos preguntas que pretenden resolver son:  ¿Cómo se materializa artísticamente la contemporaneidad y cómo traducir en arte la realidad contemporánea?.
 
Su proyecto más reciente ESCENAS PARA UNA CONVERSACIÓN DESPUÉS DEL VISIONADO DE UNA PELÍCULA DE MICHAEL HANEKE surge a partir de que los integrantes de la compañía El Conde de Torrefiel van a ver al cine a ver "Melancolía" del cineasta austriaco Michael Haneke, después de la cual comienzan a intercambiar ideas sobre lo que acaban de ver.  Luego de escuchar los diversos enfoques, hacen un análisis preliminar y poco a poco van dando forma a su creación escénica.
 
El resultado es ESCENAS PARA UNA CONVERSACIÓN DESPUÉS DEL VISIONADO DE UNA PELÍCULA DE MICHAEL HANEKE, una composición coreográfica respaldada por una narrativa a través de la cual dan cuenta de diversas situaciones individuales e independientes.  Si bien las escenas o cuadros no tienen que ver unos con otros, se mantiene una unidad a través de las distintas coreografías que utilizan para ilustrarlas.
 
Lo más sorprendente en ESCENAS PARA UNA CONVERSACIÓN DESPUÉS DEL VISIONADO DE UNA PELÍCULA DE MICHAEL HANEKE es que carece de diálogos entre los intérpretes.  La vestimenta que utilizan es totalmente casual.  El texto de cada cuadro es dicho por uno de ellos en un micrófono, de espaldas al público, al tiempo que los demás se encargan de las acciones y movimientos coreografiados.  En alguno de los cuadros prescinden del micrófono y de la voz para dar paso a multimedia con textos previamente grabados, al igual que los que se utilizan para traducir las producciones en idioma extranjero.
 
Todos los cuadros narran situaciones contemporáneas, incluyendo alguna vivencia personal de los integrantes del grupo.  A manera de recuento, los temas a que aluden los distintos cuadros son los siguientes.  Un joven cuyo anhelo es vivir la experiencia de estar en un cuarto oscuro y ser poseído por varios hombres que son y serán desconocidos para él.  Está consciente de los riesgos, pero esto sólo eleva su adrenalina por situarse ahí, bajo la convicción de que "las ideas no materializadas se convierten en fantasmas de uno mismo.  Un jovencito que se encuentra bailando en una gran fiesta, mientras su madre fallece.  Lo mejor que le había sucedido esa noche era conocer a Pedro Almodóvar y tener la oportunidad de conversar con él.  Las horas se le van y no es sino hasta el día siguiente que su familia logra localizarlo.  El breve encuentro entre un chico y una chica en el parque, mientras pasean a sus perros.  El viaje de un grupo de amigos a Sevilla para sentir de cerca la Semana Santa y los festejos que año cono año se realizan en esa ciudad.  El apocalipsis en el que vivimos y la influencia de los blogs, las redes sociales y la tecnología actual.  Con un fluorescente verde narran la historia de amor entre los padres de Tanya Beyeler,-integrante y fundadora del Conde de Torrefiel, de padre suizo y madre española.  Unos chicos estudiantes de Bellas Artes en Barcelona que viajan a Madrid a la Feria Internacional de Artes Arco, su visita a un museo y la forma en que analizan las obras plásticas que se exhiben.  Algunos de los cuadros tienen un cierto grado de erotismo, incluyendo varios desnudos masculinos. 
 
La idea y la creación de ESCENAS PARA UNA CONVERSACIÓN DESPUÉS DEL VISIONADO DE UNA PELÍCULA DE MICHAEL HANEKE es de El conde de Torrefiel.  La dirección, la dramaturgia y el texto corresponden a Pablo Gisbert.  Los intérpretes son:  Quim Bigas,  Tanya Beyeler,  David Mallois,  Mario Pons-Maciá  e  Isaac Forteza.  El diseño de iluminación es de Marcela Prado.  El Asesor de Movimiento es Marcos Morau.
 
Teatro UNAM -Universidad Nacional Autónoma de México- es la institución que invitó a este grupo a nuestro país para que presentaran ESCENAS PARA UNA CONVERSACIÓN DESPUÉS DEL VISIONADO DE UNA PELÍCULA DE MICHAEL HANEKE, pero sólo lo harán dos fines de semana. 
 
Al finalizar la función de estreno, los jóvenes del Conde de Torrefiel tuvieron un gran detalle hacia México de comprensión y solidaridad ante la tragedia que estamos afrontando.  En la pantalla los asistentes pudieron leer el siguiente texto:  "Debido a los recientes acontecimientos, hoy no es noche de aplausos, guardemos silencio por los 43 jóvenes normalistas de Ayotzinapa que fueron asesinados".. 
 
Una gran oportunidad de ver teatro creado por las nuevas generaciones de España, con un texto bien estructurado sobre situaciones cotidianas de la vida actual, a partir de una perspectiva consciente, fresca y juvenil, a través de una expresión escénica distinta, en la que el imaginario teatral se construye con la palabra.
 
ESCENAS PARA UNA CONVERSACIÓN DESPUÉS DEL
VISIONADO DE UNA PELÍCULA DE MICHAEL HANEKE
se presenta los días 14, 15 y 16 de noviembre de 2014
--viernes 14. a las 20:00 horas,  sábado 15, a las 19:00 horas, y domingo 16, a las 18:00 horas--
en el Foro del Dinosaurio, dentro del Museo Universitario del Chopo
ubicado en Enrique González Martínez número 10, colonia Santa María la Ribera, Ciudad de México.


MENELAO RAPSODIA
 
 
Eugenia Galeano Inclán
28 de octubre de 2014
 
 
Las historias preponderantes de la mitología griega, así como sus personajes, continúan vigentes al ser retomados por dramaturgos contemporáneos.  Algunos respetan la mayor parte del texto y hacen un montaje de teatro clásico.  Otros toman el relato y lo trasladan al tiempo presente. Hay quienes sólo toman a los personajes y los recrean en obras de creación propia. 
 
Simon Abkarian actor, director y dramaturgo francés, de ascendencia armenia, se ha dado a la tarea de desmitificar a los grandes héroes griegos para que aflore su lado humano, a fin de que se les conozca por sus pensamientos y su sentir propio.   En este sentido, uno de sus primeros textos fue "Penélope y Ulises", mismo que lo hizo merecedor a obtener el galardón de mejor obra literaria escrita en francés.  Tiempo después de este triunfo, escribió MENELAO RAPSODIA, la cual está siendo representada por el propio autor en Europa.  
 
El actor francés Nicolas Sotnikoff, amigo personal de Simon Abkarian, tras conocer el texto deMENELAO RAPSODIA pidió al autor su autorización para traer la obra a nuestro país.  La trayectoria de Nicolas Sotnikoff incluye el haber sido integrante durante varios años de Le Théâtre du Soleil (El Teatro del Sol), cuya sede es París, teatro de vanguardia fundado en 1964 por el conjunto teatral de Ariane Mnouchkine, Philippe Léotard y otros compañeros de la L'École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq -lugar donde conoció a Simon Abkarian-, mientras que en México ha trabajado bajo las órdenes de Luis de Tavira y de Lorena Maza. 
 
Es así como MENELAO RAPSODIA llega a nuestros escenarios, traducida por César Maurel.  Menelao es prominente tanto en la Ilíada como en la Odisea.  Según la mitología, Menelao era rey de Esparta micénica, esposo de Helena de Troya y figura central en la guerra de Troya, hijo de Atreo y Aérope, hermano de Micenas.  Se atribuye a Menelao haber sido líder del contingente espartano del ejército griego durante la guerra, papel fundamental en el conflicto bélico de Troya, lo cual le dio el carácter de héroe.
 
En MENELAO RAPSODIA no vemos al excelso rey, héroe de batallas, sino a un hombre de carne y hueso que sufre por haber perdido a Helena, su gran amor, su apoyo, su razón de vida.  Culpa a Paris por haberle robado a Helena, pero a ella -a pesar suyo- no puede repudiarla, sigue amándola, venerándola.  Aun cuando se repite a sí mismo una y otra vez que es rey y poderoso, no logra alejar el dolor, la rabia ni la desesperación.  Se cuestiona:  "no sé si me pesa más la corona o la venganza".   La nostalgia lo embriaga, se enfrasca en los sentimientos más violentos y contradictorios.  Su enorme amor desborda su razón. Se martiriza imaginando a Helena y París en la intimidad.  Es presa de la impotencia.  Lo asalta la culpabilidad al pensar que no lo vio venir y que lo último que dijo a Helena fue: "atiende al huésped" y partió para Creta.
 
Con emoción recuerda cuando Helena dijo "Quiero a Menelao", como la primera vez que su propio nombre le atravesó el corazón.  Ahora, piensa que ninguna luz puede alumbrar la oscuridad de su alma.  Ha perdido la capacidad de dormir y se siente una pobre bestia abandonada, preguntándose: "¿quién vendrá a liberarme?". Por momentos, quisiera ver muerta a Helena, pero tiene claro que "el que ama no castiga al ser amado".
 
El texto de Simon Abkarian es fluido, de buena estructura e interesante.  Atrapa al espectador de principio a fin.  Nicolas Sotnikoff realiza en forma acertada sus dos encomiendas.  Como director, su montaje es ágil, aprovecha bien todo el espacio a su alcance, elimina la rutina natural del monólogo mediante simbolismos, incorporando música ambiental acorde con los diversos cuadros, dándole un toque de romanticismo al esparcir pétalos de rosa sobre el piso, además de aderezarlo con un poco de técnica kabuki.  En su parte histriónica, brinda cuerpo, alma y corazón al servicio del personaje, resultando en una actuación convincente y desgarradora del doliente Menelao.
 
El resto del equipo creativo de MENELAO RAPSODIA lo conforman Isaac Ramdia, como asistente de dirección y como ejecutante de la música electrónica durante la escenificación.  La escenofonía e iluminación son provistos por Nicolas Sotnikoff e Isaac Ramdia.  El diseño de vestuario fue  concebido por Nicolas Sotnikoff.  De la coordinación se hace cargo Gabriela Aguirre.  La producción es de la compañía "Los Ellos".
 
MENELAO RAPSODIA cubrió dos temporadas en la Ciudad de México.  Primero estuvo en La Alianza Francesa de la colonia Polanco y después en Teatro Lúcido, un nuevo espacio en la colonia Santa María la Ribera.  La producción estima que para el próximo año de 2015 repondrán MENELAO RAPSODIA, por lo cual le sugerimos estar pendiente de la cartelera teatral.
WHAT THE BODY DOES NOT REMEMBER
de WIM VANDEKEYBUS
 
Eugenia Galeano Inclán  
18 de octubre de 2014
 
Wim Vandeeybus nació en un área rural de Bélgica.  El campo y la vida al aire libre, le hicieron comprender la estrecha relación que existe entre la naturaleza y los seres vivos.  Por ser su padre veterinario, Vandekeybus estuvo siempre en contacto con animales y se dedicó a observar sus instintos, su gracilidad y fortaleza física.  Su admiración por los caballos es contundente.  En aquel entonces, nadie tenía idea del gran talento que Vandekeybus desarrollaría con el tiempo, sin embargo, todo lo que vivió en su niñez dejó una marca indeleble de emotividad en su espíritu.
 
Una vez que tuvo que elegir a qué dedicarse, Vandekeybus optó por la danza, pero también estudió actuación, fotografía y cinematografía.  Tras una exitosa gira que realizó como actor con la compañía de Jan Fabre, durante la cual conoció al pintor y fotógrafo Octavio Iturbe en Madrid -quien después se convertiría en uno de sus más importantes colaboradores, optó por retirarse algunos meses de los escenarios en 1986.   Con una idea clara de lo que quería hacer, juntó a un grupo de bailarines jóvenes poco experimentados y con ellos fundó su grupo Ultima vez. 
 
Fue en 1987 cuando presentó con Ultima vez su primera producción coreográfica, WHAT THE BODY DOES NOT REMEMBER (LO QUE NO RECUERDA EL CUERPO), con la cual conmocionó al mundo de la danza contemporánea.
 
Pocos saben que el nombre del grupo surge de su grito de batalla, toda vez que para cada ensayo y cada función pide a los integrantes de su grupo que lo entreguen todo en el escenario como si fuera la última vez que bailaran.  A partir de su primera presentación, los éxitos de Ultima vez se han sucedido uno al otro y actualmente Vandekeybus es reconocido como uno de los exponentes más importantes en el ámbito dancístico.
 
Vandekeybus no se ajusta a cánones tradicionales ni apuesta por la uniformidad, sino que crea coreografías extraordinarias, donde la diversidad prevalece.  En forma magistral fusiona la danza con el teatro y la música, a fin de reflejar acciones de la vida real.  A través de los años, Ultima vez ha ido renovando sus elencos con integrantes de distintas nacionalidades.
 
Para su más reciente gira mundial que incluyó a nuestro país, Vandekeybus eligió aquella producción que hace un poco más de un cuarto de siglo fuera la primera en su trayectoria.  En WHAT THE BODY DOES NOT REMEMBER se pueden apreciar distintos cuadros.  Cada uno con base en algún elemento fundamental.  Al inicio, los ejecutantes se deslizan por el piso, para después utilizar bloques de cemento, luego, dos sillas que pueden quedar en vilo, a continuación, intercambiarán coloridas toallas, tras lo cual correrán en forma tempestuosa sobre el escenario, o bien, por momentos se mantendrán estáticos cual si posaran para una fotografía.  La secuencia de movimientos es cronométrica y precisa. Lo cierto es que Vandekeybus refleja lo cotidiano bajo su propia percepción, logrando una belleza plástica inusitada con una fuerza energética indescriptible que el espectador no puede dejar de sentir y compartir.
 
Aprovechando sus conocimientos de fotografía y cinematografía, además de los foros escénicos, Vandekeybus ha explayado su creatividad a la video danza, filmando coreografías especialmente concebidas para tal efecto .  En la actualidad, es fácil encontrar en internet las películas que ha realizado.
 
Para la presentación de WHAT THE BODY DOES NOT REMEMBER en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris del Distrito Federal, bajo la dirección, coreografía y escenografía de Wim Vandekeybus, participaron, como intérpretes, Jorge Jáuregui Allue,  Zebastián Méndez Marín,  Aymara Patrola,  Maria Kolegova,  Livia Balazoya,  Eddie Oroyan,  Pavel Masek,  Germán Jáuregui Allue  y  Revé Terborg.  La música original es creación de Thierry De Mey y Peter Vermeersch.  Como Director de Ensayos fungió Eduardo Torroja.  El estilo fue impartido por Isabelle Lhoas y la asistencia de estilo por Frederick Denis.  El encargado de la coordinación fue Davy Deschepper.   El diseño de iluminación lo realizó Francis Gahide.  El iluminador en giras es Davy Deschepper, mientras que el sonido en giras está a cargo de Davy Deschepper, Bram Moriau y Antoine Delagoutte.  La producción es de Ultima vez y la Co-producción de KVS.
 
Un espectáculo digno de ser visto que fue acogido por el público mexicano con un caluroso aplauso.
DOS MUJERES

 
Eugenia Galeano Inclán
9 de octubre de 2014
Una de las características que distingue la dramaturgia de Alejandro Román es el clamar justicia.  A través de su escritura Alejandro se especializa en dar voz a las víctimas y en varias ocasiones su narrativa parte de sucesos de la vida real.  Es algo muy loable que un autor cuyas obras se escenifican en forma constante a lo largo de nuestro país y fuera de éste, haya tomado como estandarte la labor social de dar a conocer actos de violencia e injusticia que lamentablemente ocurren, no sólo aquí sino en todo el mundo.  Con mucho talento y gran sensibilidad habla de acontecimientos nefastos aplicándoles su poética personal mediante diálogos fundamentados, emotivos y congruentes que conducen a la reflexión. y devienen en toma de conciencia  El dramaturgo ha recibido muchos galardones, entre sus obras más destacadas están: De Sangre Caliente, Aullido de mariposas,  El Cruce,  Línea de Fuego,  La Misa de Gallo,  La Paz Violenta, Cielo Rojo, Red Label, Rose Garden, Coppertone, Coca light, Perlas para los Cerdos, Tiradero a Cielo Abierto, Ánima Sola y Cuerpo Caído.
 
Para el texto de PERLAS PARA LOS CERDOS, Alejandro Román se inspiró en una noticia periodística que, en su momento, fue ampliamente difundida.  En agosto de 2008 Rubí Marisol Frayre Escobedo fue golpeada salvajemente por Sergio Rafael Barraza Bocanegra, su pareja sentimental.  Después de la golpiza, le dio un tiro de gracia, la cortó en pedazos, le prendió fuego y la arrojó en un páramo.  Al ser detenido, Sergio Rafael alegó que la había encontrado teniendo relaciones sexuales con otro hombre, algo totalmente fuera de la realidad.  Rubí apenas tenía 17 años de edad, era una chica inocente, con principios morales y educación, cuyo único error fue haberse enamorado de Sergio Rafael y haber huido con él. 
 
Al principio, se le declaró culpable de asesinato, pero durante el juicio hubo algunas irregularidades, por ejemplo, que el forense no logró determinar la causa de la muerte, o que los jueces titulares estaban en receso cuando Sergio Rafael declaró.  Para sorpresa de muchos, en una de las instancias se le exoneró de toda culpa.   Ante esto, la doliente madre de Rubí, Marisela Escobedo Ortiz, trató por todos los medios de clamar justicia, a fin de que el asesino de su hija fuera castigado con todo rigor.  Cansada de recibir evasivas por parte de las autoridades, se dio a la tarea de dar con el paradero de Sergio Rafael y casi dos años después, fue ella quien logró ubicarlo y así lo informó a las autoridades. 
 
Para entonces, Sergio Rafael pertenecía al grupo de "Los Zetas" y, como cabecilla de una de sus células, era uno de los hombres más buscados de Chihuahua, por quien se llegaron a ofrecer hasta cinco millones de pesos de recompensa.  Poco podía hacer Marisela frente a semejante truhán.  Por su parte, Sergio Rafael, molesto por el ruido que habían provocado en la sociedad las noticias sobre la muerte de Rubí y la incansable pugna de Marisela por tratar de que se le castigara. optó por tomar cartas en el asunto y la mandó matar.
 
Ofelia Medina, siempre preocupada por las causas sociales, decidió llevar a escena esta desgarradora historia, para lo cual se alió con el maestro Raúl Zermeño, y juntos adaptaron el texto original y lo intitularon DOS MUJERES.  Aun cuando la adaptación se queda un poco corta, toda vez que sólo tomaron una parte del fluido texto de PERLAS PARA LOS CERDOS, se cuenta bien la historia.  La labor de dirección es acertada, sobre todo, tomando en cuenta que el encargado de la misma era el maestro Zermeño y, por motivos de salud, tuvo que alejarse del proyecto, para ser retomada y continuada por Ofelia Medica, con la asistencia de Arturo Nahúm.  La escenografía de creación colectiva es sencilla pero con plasticidad, básicamente son dos enormes lienzos, uno sobre el suelo, otro en el ciclorama con un árbol delineado para darle simbolismo.  El vestuario diseñado por Ofelia Medina y Víctor Carpinteiro, consistente en ropa campesina muy estilizada resultaría más acorde para una novela de Juan Rulfo que para una historia actual que transcurre en una ciudad.

En cuanto a la labor histriónica, siempre es grato ver en escena a Ofelia Medina, poseedora de un talento nato, mismo que aunado a su larga trayectoria resulta en garantía de excelente interpretación.  Ofelia encarna a la atribulada Marisela, madre de Rubí, con una fuerza impresionante, dejando conmocionado al público.  La personificación de Rubí queda a cargo de Paola Medina, joven agraciada, quien pone todo su empeño en salir avante, pero no logra la catarsis necesaria, o bien, ante tan majestuosa alternante, su trabajo no luce tanto..
 
Usted encontrará en DOS MUJERES una historia real y conmovedora en un buen montaje, además de la entrañable actuación de Ofelia Medina.  Para que no vayan a quedarse con el amargo sabor de la impunidad, les comentamos que en este caso no se impartió la justicia humana, pero sí hubo justicia divina.  A unos cuantos meses del asesinato de Marisela Escobedo, Sergio Rafael Barraza fue abatido a tiros en un enfrentamiento entre su grupo y el ejército.
 
DOS MUJERES
se presenta los sábados a las 19:00 horas  y  los domingos a las 20:00 horas en
EL CÍRCULO TEATRAL,
ubicado en la calle de Veracruz N° 107, colonia Condesa (cerca del Parque España),
Ciudad de México.
 



 
VASELINA

Eugenia Galeano Inclán
29 de septiembre de 2014
 
Cuando se comienza a planear un montaje de una obra de teatro o de un musical, resulta prácticamente imposible predecir si tendrá éxito o no.  Desde luego, este es uno de los objetivos a alcanzar y cada participante hará su mejor esfuerzo para lograrlo.  Sin embargo, la forma en que el público acoge el producto terminado no siempre depende del esmero.  Existen casos en que un proyecto cimentado y bien elaborado no obtiene el resultado anhelado y, por el contrario, algo regular capta una gran asistencia.  En efecto, nadie conoce la fórmula perfecta.
 
Muy de vez en cuando surge una obra o un musical que puede ser etiquetado como un garbanzo de a libra, es decir, un proyecto que desde su estreno cause expectativa y a lo largo de toda su temporada mantenga las localidades agotadas.  Tal es el caso del musical VASELINA, original de Jim Jacobs y Warren Cassey, que llegó a México gracias a Julissa, quien compró los derechos para representarla en nuestro país.  Julissa, mujer admirable en todos los aspectos, talentosa actriz en cine, teatro y televisión y excelente productora, mostró sus dotes de visionaria al adquirir esos derechos. Es probable que ni Julissa se imaginara en aquel momento lo trascendental que llegaría a serVASELINA, misma que a través de los años se ha convertido en un icono de los musicales.  Actualmente, en los anuncios promocionales y programas de mano, con toda justicia, se agregan las palabras "un espectáculo de Julissa".
 
Para hacer el primer montaje de VASELINA, Julissa abrazó en tal forma el proyecto que no sólo adaptó y tradujo ella misma el texto, sino que realizó la nada fácil tarea de poner en español la letra de las canciones, lo cual, aparte de una simple traducción, implica armonización con los compases de la música y un cierto toque de nacionalización.  Sus esfuerzos rindieron fruto y VASELINA fue un éxito rotundo.  Esto sucedió hace 41 años y en el primer elenco de VASELINA participaron la propia Julissa,  Benny Ibarra (entonces su esposo),  Sylvia Pasquel,  Macaria,  Alma Muriel -q.e.p.d.-,  Luis Torner y Héctor Ortiz, entre otros.
 
Desde aquel gran acierto, VASELINA se ha ido reponiendo bajo distintas producciones, todas las cuales han sido minuciosamente cuidadas por Julissa, siempre con elencos atractivos.  Además de la primera versión, otras destacables fueron la que se realizó con Timbiriche, la que lanzó a la fama a la Onda Vaselina y la que protagonizaron Alex Ibarra y Angélica Vale. 
 
VASELINA es una obra grata que cubre el gusto de todo público.  La trama se ubica en una preparatoria y trata sobre compañerismo, solidaridad, atracción física, búsqueda de un amor sublime, inocencia, curiosidad, anhelos, responsabilidades, travesuras, envidias, alardes, música, peinados, atuendos, en fin, todo aquello que interesa a los adolescentes.  El eje central es el amor que surge entre Dany Seco y Sandy Tontales.
 
El primer musical donde se incluyó el popular Rock & Roll fue VASELINA.  Es una obra que ha trascendido tiempo y espacio hasta convertirse en icono de los musicales.  Cada una de sus producciones ofrece ciertas variantes para renovarse.  En la temporada actual que es el décimo cuarto montaje, se ha integrado el multimedia, en donde aparecen majestuosos entornos y se puede ver a tres de los artistas más afamados:  Elvis Presley, Marilyn Monroe y James Dean moviendo los labios en forma cibernética, aplicando así los adelantos electrónicos de esta época.  En escenografía, incorpora un encantador auto eléctrico.  Así mismo, en cada función aparece un invitado especial.  En las siempre armónicas coreografías, se incluyen acrobacias, a fin de aprovechar las nuevas técnicas que se aprenden en las escuelas de actuación hoy en día.  En el aspecto musical, Benny Ibarra creó nuevos arreglos para dar frescura y actualización a las ya tan conocidas canciones "Noches de verano", "Iremos juntos", "Freddy, mi amor", "Rayo rebelde", "Flechado estoy" y "Vuelve a la escuela".
 
Los protagonistas de esta versión son  Alex Ibarra (Dany Seco)  e Irán Castillo (Sandy Tontales),  acompañados por:  Oscar Schoebel (Kiko),  Radamés de Jesús (Tacho),  Marisol del Olmo (Sonia),  M'Balia Marichal (Chiquis),  Roxana Puente (Licha),  Alejandro Speitzer (Lalo),  Minnie West (Frenchy),  Jerry Velázquez (Memo),  Edna Alcocer (Paty),  Fergio (Eugenio / el Ángel),  Jaime Flores (Ricky Rockero),  Haydeé Navarra (Chacha Di Gregorio),  Lilia Navarro (la seño Torres),  Ángel Santoyo (Johnny Casino),  Berenice Girón (Bere),  Andrés Estrella (Andrés),  Adrián Estrella (Adrián),  Cristina Martínez (Cris -acróbata),  y  Mario Morelos (8A -acróbata).  En la función de fin de temporada fungió como invitada Roxana Castellanos, con su personaje de Deyanira Rubí. 
 
El equipo creativo está conformado por:  Ari Borovoy  y  Jack Borovoy (Productores), Benny Ibarra De Llano (Productor Musical),  Alex Ibarra (Productor y Director de Escena),   Jaime Flores (Productor Ejecutivo),   Alejandro Lobo Sánchez (Productor Coreográfico)  y  Mía Muñoz Michel (Coreógrafa).  En el área de música participan:  José Damián (batería),  Mauro Muñoz (bajo),  Santiago Ojeda (guitarra y producción adicional),  César Miranda (guitarra),  Vico Gutiérrez (teclados y producción adicional),  Diego Maroto (saxofón),  y  Benny Ibarra De Llano (arreglos, guitarra, grabación y mezcla).  La responsable de la traducción de letras y textos es Julissa.
 
Tras casi un año de representaciones, VASELINA acaba de cerrar el telón para culminar su décima cuarta temporada, con estruendoso y cálido aplauso del público.   VASELINA es y continuará siendo un musical icónico y trascendental, que todo mundo debe de ir a ver.  El equipo se tomará un merecido descanso, para luego reanudar la temporada el próximo mes de noviembre en el Teatro Nextel del Parque Interlomas, ubicado en Avenida Jesús del Monte No. 41, colonia Ex Hacienda de Jesús del Monte, en Huixquilucan, Estado de México.  Consulte cartelera.


 

DINOSAURIOS

 

Encuentro inesperado

 

 

Eugenia Galeano Inclán

18 de septiembre de 2014

 

 

Desde el momento en que un escritor o un dramaturgo conciben la idea de narrar una historia, comienzan a pensar en cómo intitularla.  Los autores deben detenerse a pensar qué nombre utilizar pues es su primer punto de presentación.  No existe regla alguna, los títulos podrán estar estrechamente ligados a la historia o no tener nada que ver con ésta.  Pueden ser nombres propios, el lugar de algún suceso o simplemente una fecha.  De cualquier modo van cobrando su propia importancia porque pueden resultar atrayentes o banales para quien va a adquirir un libro o un boleto para el teatro.

 

Al ver en cartelera la obra DINOSAURIOS es difícil conjeturar sobre qué trata.  Lo más común sería pensar en animales prehistóricos, o irse por lo coloquial: en la política mexicana así se llama a ciertos dirigentes políticos –en forma despectiva-, por sus ancestrales ideas–.  Sin embargo, lo que el dramaturgo argentino pensaba al intitular su obra es que al igual que los extintos dinosaurios continúan existiendo especies en extinción y ampliando aún más el panorama, considera que esto también se da en la raza humana.

 

En DINOSAURIOS los protagonistas son Silvina y Nicolás.  Dos personas que acaban de rebasar los treinta años de edad, sanas, de buen corazón, pero no muy comunes en cuanto a sus vivencias o forma de ser.  Ahí es donde el autor les adjudica el peligro de extinguirse, quizá teniendo en mente que hoy en día los jóvenes son cada vez más avezados, tienen mucha más información a su alcance, están conscientes de los peligros, actúan a la defensiva y viven la vida como les place  –la inocencia ha desaparecido. 

 

Silvina es una mujer que no pudo concluir sus estudios, nunca ha trabajado y siempre ha estado al cuidado de su madre, por lo tanto, está sumida en la monotonía.  Incluso, le cuesta trabajo salir sola a la calle.  Por su parte, Nicolás permitió que su esposa lo dominara desde que se casaron y ella se acostumbró a abusar cada vez más, de modo que la situación se ha tornado intolerable.  Nicolás quisiera escapar a su destino, mientras que Silvina ha optado por salir sola, por vez primera.  Lo peor es que es plena madrugada.  Su madre está seriamente enferma en el hospital y a Silvina le da mucho miedo pasar la noche en casa sin compañía alguna en casa.  Ha salido del hospital y, sin pensar en los riesgos que pudieran acecharle, en lugar de ir a su hogar, entra a una terminal.

 

Silvina y Nicolás habrán conocerse en una estación de tren.  Es un encuentro totalmente inesperado para ambos.  Por lo avanzado de la noche, no hay trenes que lleguen ni gente esperando partir.  ¿Qué pasará entre estos dos seres?  No tienen similitudes, cada uno vive la vida a su propio entender.  

 

El espacio escénico está prácticamente vacío.  La fotografía de una antigua estación amplificada mediante la técnica plotter colocada a manera de ciclorama basta para ubicar el lugar del encuentro. Una banca bien aprovechada por la directora para que sus actores la utilicen en forma variada e imaginativa. 

 

El bien estructurado texto de DINOSAURIOS le valió al autor el premio a la mejor obra original en un circuito teatral de su natal Buenos Aires hace tiempo.  Capta el interés del espectador de principio a fin.  Yulleni Pérez Vertti con gran sensibilidad determina las expresiones y movimientos de los actores en forma que provocan ternura sin caer jamás en exageraciones ni anormalidades, logrando un trabajo de dirección impecable.   Karina Díaz López  y  Luis Maya muestran sus capacidades histriónicas y corporales al dar vida a una Silvina graciosa y tierna y a un Nicolás agobiado y decidido al cambio.  La música que da el entorno apropiado a DINOSAURIOS fue compuesta por Alberto Rosas.

 

Se trata de una obra grata que se ha presentado en diversas ocasiones.  Fue el primer montaje de la compañía Días de Lluvia, por lo que puede decirse que empezaron con el pie derecho.  Un texto atractivo, buena dirección, personajes entrañables y bella música ¿qué más se puede pedir?

 

DINOSAURIOS

se presenta los

jueves a las ocho y media de la noche

en el Foro La Gruta

del Centro Cultural Helénico,
ubicado en Avenida Revolución N° 1500
Colonia Guadalupe Inn
(Metro Barranca del Muerto)
Ciudad de México

 

Su temporada termina el jueves 27 de noviembre de 2014


UNA MENTIRA
 
 
Eugenia Galeano Inclán
8 de septiembre de 2014
 
 
Es loable que tanto Jennifer Clement como Ximena Escalante elijan como protagonista a una empleada doméstica, toda vez que en el trabajo de éstas muchas veces reside el buen funcionamiento logístico de un hogar.  Para la creación de UNA MENTIRA, la dramaturga Ximena Escalante tomó como base la novela "Una historia verdadera basada en mentiras", de la autoría de Jennifer Clement. en la que se narra en forma poética y documental el romance entre el patrón -un burgués extranjero- y su sirvienta adolescente, recién salida de un colegio de monjas.
 
En su propia versión, Ximena Escalante se queda con algo de lo documental, pero suprime lo poético, para dar paso a la crudeza y, de este modo, resaltar el abuso de poder que ejerce el señor de la casa en contra de la inocente joven.  Lamentablemente, no se trata de un caso aislado, es un lugar común que se ha vivido en muchos hogares.   Ximena elige para su obra una estructura lineal, a través de la cual da un enfoque particular al sentir de la trabajadora doméstica, a cómo se le van acumulando mental y físicamente las heridas infringidas y a las huellas que éstas van dejando en su ser.
 
En forma acertada, Ximena formula diálogos apropiados, de contenido fuerte y claro, para brindar al espectador un retrato nítido de la situación que priva en la residencia de la familia O'Connor, sin embargo, es probable que al tratar de dar un toque de suspenso a la trama, cae de lleno en la parsimonia, de la cual Mauricio García Lozano no puede escapar al diseñar su montaje, mismo que corre con más lentitud de la que el público desearía.  La trama es interesante, pero el ritmo es tan sosegado y pausado que, por momentos, resulta desesperante.  Fuera de esto, como director de escena, Mauricio realiza una labor formidable.  Aplicando su capacidad y experiencia, aprovecha bien todo el espacio y logra un excelente desplazamiento actoral, además de la extraordinaria plasticidad que imprime a las escenas eróticas y de desnudez.
 
Aun cuando no cambia los apellidos extranjeros, podría decirse que Mauricio mexicaniza la puesta en escena, al incluir programas de radio tradicionales y, aprovechando que la historia transcurre entre los años 1957 y 1968, hace alusiones al terremoto ocurrido en México en el 57 y a las Olimpiadas del 68.   En esta ocasión, Mauricio también se encarga, junto con Miguel Santa Rita, del diseño sonoro, el cual da realce al montaje, no sólo por la música original creada por Zbigniew Paleta sino por la inclusión de boleros y canciones populares interpretadas por aquellos tríos que son parte fundamental de la historia musical de nuestro país
 
Para la escenografía, Dulce Zamarripa diseñó una cocina integral que igual sirve para la cocción de alimentos que para sentarse a comer algún refrigerio, para planchar y para el amor.  El atrezzo de los implementos propios de una cocina, luce escaso, sobre todo, si se toma en cuenta que se trata de una casa de personas adineradas.   La iluminación, diseñada por Ingrid SAC coadyuva perfectamente para prodigar el entorno adecuado a las escenas.   Al diseñar el vestuario, Mario Marín del Río capta en forma precisa los cambios que ocurren en cuanto a confección, telas, fibras, texturas, colores y estampados en los once años que transcurren.  Maricela Estrada es la responsable del maquillaje y la peluquería.
 
Como es costumbre en integrantes del elenco estable de la CNT -Compañía Nacional de Teatro-, el cuerpo actoral conformado por:  Ana Ligia García (Josefa),  Mariana Giménez (señora O'Connor),  la primera actriz Ana Ofelia Murguía (Sofía),  Gabriela Núñez (Leonora),  Andrés Weiss (señor O'Connor),  y  la actriz invitada Olivia Lagunas (Olivia/"Mosca"), realiza una labor histriónica entrañable y admirable.
 
Si usted desea conocer los avatares que esperan a Leonora desde el momento en que llega a trabajar a casa de la familia O'Connor y lo que sucederá durante los once años siguientes, tendrá que acudir a ver UNA MENTIRA.
 
Dentro del Sexto Ciclo en el rubro de Teatro Mexicano, se presenta UNA MENTIRA, una historia común, pero vista desde la perspectiva de quien sufre las agresiones, con buen desarrollo escénico y actuaciones dignas de elogio.
 
UNA MENTIRA
se presenta los jueves y viernes a las 20:00 horas, los sábados a las19:00 horas  y  los domingos a las 18:00 horas
 en la  SALA HÉCTOR MENDOZA dentro de la sede de la Compañía Nacional de Teatro,
ubicada en Francisco Sosa N° 159. Barrio de Santa Catarina, Coyoacán, Ciudad de México.
La entrada es libre, pero es conveniente hacer reservación previa al correo:  publicos.cnteatro@inba.gob.mx
La temporada concluye el día 12 de octubre de 2014.
 
LAS PEPENADORAS
 
 
Eugenia Galeano Inclán
27 de agosto de 2014
 
 
Bajo la premisa de que una reflexión sobre cómo la ficción se vuelve la única forma de hablar de lo real, Alaciel Molas, actriz, directora y dramaturga, concibió la idea de crear LAS PEPENADORAS, obra que versa sobre la vida de dos hermanas que viven extrayendo de la basura ropa y objetos, a fin de limpiarlos, arreglarlos para venderlos, para obtener ingresos que les permitan un medio de vida.
 
El texto de LAS PEPENADORAS capta el interés del espectador de principio a fin. La historia maneja diversas dualidades:  la forma de pensar de Ramona y Francisca, su comportamiento ante los sucesos que viven, mientras que Ramona es adusta, Francisca, con tan solo 17 años de edad es mitad niña, mitad mujer,  la ausencia/presencia de padre de ambas, el sacar provecho de lo que los demás han desechado, los anhelos truncados y la capacidad no sólo por sobrevivir sino por salir adelante,  a la vez que expone lo que acontece en el interior de una casa de lo que podría llamarse una ciudad perdida, que no es sino un área demarcada dentro de la gran ciudad, donde viven personas de escasos recursos.
 
Con toda crudeza, Alaciel expone la vida cotidiana de estos dos seres inocentes.  Durante años, una de las hermanas ha padecido el abuso del padre, tomando este hecho con resignación.  No se queja ni protesta, pues piensa que si lo hiciera, el padre voltearía su mirada hacia la hija pequeña, a quien ella trata de proteger a toda costa.  La tragedia en la que viven, el esfuerzo cotidiano por ganarse unos pesos para conseguir algo que llevarse a la boca, el desamparo, la carencia de cariño y protección están presentes a lo largo de todo el montaje. 
 
La labor de dirección por parte de Alaciel es loable, con gran pericia distribuye en forma muy acertada los parlamentos, desplazamientos, sonidos y pausas.  Las actrices Verónica Merchant y Lorena Glinz se embarcan en un verdadero duelo de actuación, que permite apreciar a gran capacidad histriónica de ambas y el gran compromiso con el que abrazaron este proyecto.  Su expresión facial, su corporalidad, su excelente dicción y los impresionantes sonidos guturales de animal herido hacen que el espectador quede impactado tanto por su desempeño como por la historia.   Participa también José Manuel Velasco como aquello que permanece oculto
 
La escenografía diseñada por Sebastián Solórzano capta la esencia de la temática en forma contundente.  Telones fragmentados elaborados a base de prendas de vestir usadas crean el entorno idóneo.  Sebastián también se hace cargo de la iluminación, misma que está estratégicamente distribuida.  Adriana Ruíz, además de encargarse de la producción ejecutiva, también diseñó el muy apropiado vestuario que aparenta estar hecho con retazos.
 
El proyecto de LAS PEPENADORAS es auspiciado por Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.  Itzel Pedroza se encarga del registro y realización de fotografías y video.  Elizabeth Pedroza funge como asistente de dirección y producción.  Arturo Cruz tiene a su cargo la asistencia de  producción, escenografía e iluminación.   Se encomendó la realización de escenografía a Antonio Pérez,  la de vestuario a Elda Alicia Mar,  y  la de telonería a Cenobia Cervantes
 
Una prueba más de que las nuevas generaciones tienen una nueva forma de hacer teatro se puede constatar en LAS PEPENADORAS.  Una tragedia relatada con talento y precisión, una mirada hacia lo sombrío desde la poética de Alaciel Molas, plena de plasticidad e impacto escénico, con un elenco que ida vida a sus personajes con sudor y lágrimas propias para lograr interpretaciones realmente memorables.
 
LAS PEPENADORAS
e presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas en el
TEATRO BENITO JUÁREZ,
ubicado en Villalongín N° 15, colonia Cuauhtémoc (Metrobús Reforma), Ciudad de México.   
La temporada concluye el 31 de agosto de 2014.

 
BAMBIS DIENTES DE LECHE
 
Eugenia Galeano Inclán
20 de agosto de 2014
 
 
Entre los géneros teatrales, uno de los más difíciles es el monólogo.  Para el actor o actriz que lo interprete representa una prueba de fuego que no todos logran superar.  Estar solos en un escenario frente al público, sin apoyo de compañeros, sin nadie que les dé un pie -como se dice coloquialmente a las palabras claves que marcan los momentos en que a él o a ella le toque iniciar su parlamento, es como lanzarse al vacío.  Para los asiduos al teatro se sabe que, por lo general, eligen una producción donde puedan ver a varios actores en lugar de ver a uno solo.  Podría decirse que son pocos los que deben su triunfo a un monólogo.
 
Sin embargo, cada cabeza es un mundo y hay quienes sueñan con hacer un monólogo.  Para Antón Araiza, éste era uno de sus grandes anhelos y durante algún tiempo anduvo en busca de un monólogo para él. Escuchó recomendaciones, leyó varios monólogos y ninguno lo convenció del todo.  Al no hallar lo que buscaba, optó por emprender la aventura desde su origen y fue así como comenzó a escribir BAMBIS DIENTES DE LECHE.
 
Antón Araiza es un hombre enteramente dedicado al teatro.  En su aún corta trayectoria se ha desempeñado en casi todas las áreas que tienen que ver con el arte teatral y, por lo tanto, ha acumulado una amplia experiencia.  Entre lo más destacado que ha realizado, citaremos algunos ejemplos.  En su faceta como actor, hizo una entrañable interpretación, al lado de Aldo González, en la obra "Ella" de Susana Torres Molina, bajo la dirección de David Jiménez.  Hace unos siete años, Antón fue uno de los alternantes de la eximia actriz Adriana Roel en "Lou, la sibila de Hainberg" -obra que formó parte de los festejos del quincuagésimo aniversario de carrera de Adriana-.  Más adelante, Antón sorprendió a muchos y tuvo un gran éxito con "Café des-k-feinado", de su autoría y bajo su dirección, que conjuntaba ocho monólogos breves que tenían lugar en cualquier cafetería, donde cada personaje conversaba sobre algún hecho trascendental en su vida. En MicroTeatro México, Antón ha participado en múltiples ocasiones y en diversas facetas, siempre con éxito.  Su ingenio para crear espacios escénicos se puede constatar con el insólito espacio creado para "Un pancito pa'l susto" presentada en MicroTeatro, así como con el que creó para "Veneno sabroso con sabor a sal" -a base de unicel y pet-, obra que recientemente se presentó en Un Teatro.  Podríamos citar muchos más logros de Antón, pero, para muestra, basta un botón. 
 
La trama de BAMBIS DIENTES DE LECHE versa sobre vivencias de Juan, un pequeño niño, cuyos padres son verdaderos aficionados al futbol.  El quinto cumpleaños de Juan coincide con la celebración de México 86.  Los padres de Juan le anticipan al inicio de dicho año que habrán de sorprenderlo en su fiesta, lástima que él cumple años hasta junio y, para el chiquitín, casi un semestre representa una eternidad. Por fin llega el día, la sorpresa es que se trata de una fiesta temática.  Todo es sobre E.T., personaje que no es muy del agrado de Juan y, por ende, se siente desilusionado.  A esa sorpresa, le sigue otra, lo han inscrito para jugar futbol en el equipo BAMBIS y, por su edad, la división que le corresponde es DIENTES DE LECHE.  De ahí el título de la obra.  Lástima que no le preguntaron antes porque, en realidad, Juan tampoco se inclina por ese deporte, él preferiría bailar.
 
BAMBIS DIENTES DE LECHE es de excelente factura y muy bien estructurada.  En forma ágil y amena capta el interés del espectador en todo momento.  El montaje está perfectamente planeado y logrado.  Antón se adueña del escenario, sobre el cual se convierte en el pequeño Juan, narra sus experiencias en primera persona, además de desplazarse como pez en el agua, deslizarse, hacer una que otra acrobacia y hasta bailar tap sin música en total sincronía con sus parlamentos, sin perder paso ni palabra.  Esto último es algo muy meritorio, considerando que, para los musicales, los cantantes/actores tienen que esforzarse el doble para poder cantar y bailar al mismo tiempo, pero estos, tienen el apoyo de las notas musicales.  En fin, con el despliegue de sus admirables dotes histriónicas, Antón termina por robarse el corazón del respetable.
 
La labor de dirección por parte de David Jiménez Sánchez es loable, durante todo el desarrollo de la obra mantiene un ritmo preciso y coordinado, con ligeras pausas bien justificadas y marcadas.  Complementan la creatividad del proyecto:  Julio César Luna y Alfredo González en la producción,  Raúl Castillo en vestuario, iluminación y escenografía,  Vince Miranda en asesoría de tap,  y  Estefanía Jiménez en diseño gráfico.
 
Los jóvenes todólogos del teatro vienen pisando fuerte y están alcanzando lugares relevantes dentro de la dramaturgia, la dirección, la actuación y la creación teatral.  BAMBIS DIENTES DE LECHE es una obra muy interesante en todos los aspectos, auténtica, entretenida, hecha con pasión y destreza, por un equipo muy comprometido, al mando de Antón Araiza.
 
BAMBIS DIENTES DE LECHE
e presenta los miércoles a las 20:30 horas en la
SALA CHOPIN,
ubicada en Álvaro Obregón 302, colonia Roma, Ciudad de México. 
La temporada concluye el 8 de octubre de 2014.
 
 
 
ARROJADOS AL MUNDO SIN COBERTOR DE LANA
 
 
Eugenia Galeano Inclán
15 de agosto de 2014
 
 
Se dice que el mal de nuestro siglo es la soledad.  Si hacemos memoria sobre nuestros propios antecesores o si simplemente analizamos a nuestros conocidos, podemos comprobar que los matrimonios más sólidos son los conformados por personas de edad avanzada.   Esto no significa que con la edad se afiancen las relaciones, sino que las costumbres de antaño conllevaban mayor compromiso.  Las personas consideraban que aquella frase que se dice frente al altar "hasta que la muerte nos separe" había de ser cumplida pasara lo que pasara.  Igual había parejas con diferencias irreconciliables que ya no se dirigían ni la palabra, pero en forma estoica conservaban su matrimonio, por razones diversas:  el compromiso, el qué dirán, la mujer toleraba todo por no tener medios de subsistencia, o cualquier otro motivo. 
 
En nuestra época, los jóvenes tienen una mirada muy distinta sobre el matrimonio.  Algunos le huyen, otros se sienten atraídos, sin embargo, la mayoría de las personas emprenden cualquier relación de pareja con el pensamiento de que no es para siempre.  Habrá quienes tengan esa ilusión, pero, a la larga, si se presentare una dificultad importante, la relación se dará por terminada.  No significa que el amor haya dejado de existir, sino que la gente está más consciente de que lo permanente es algo muy difícil de alcanzar.
 
Basta con ir a un restaurante, un museo, un teatro, una sala de cine, lugares públicos, para constatar que cada día hay más solitarios.  Hombres y mujeres que viven en soledad, aun cuando tengan una familia numerosa o muchos amigos.  No importa si fueron casados o si nunca se han casado, el hecho es que por alguna razón se han quedado solos.
 
Este tema es abordado por Mario Cantú Toscano en ARROJADOS AL MUNDO SIN COBERTOR DE LANA.  En un parque cualquiera, se encuentran dos extraños.  Un hombre y una mujer de apariencia normal, educados, buena presencia, perspicaces, defensores de sus ideas y conversadores.   Alprincipio, se siente un poco de antagonismo entre ambos.  Poco a poco, la conversación comienza afluir.  Si bien coinciden en algunas cosas y disienten en otras, es indudable que se sienten atraídos el uno hacia el otro. 
 
Bajo la primicia de que los hombres no entienden y las mujeres no explican, paulatinamente irán surgiendo las palabras.  Para hacer la conversación más grata, él y ella pactarán algunas reglas sencillas, como, por ejemplo, no hablar de sexo ni de política.  Como se acostumbra, habrán de hablar sobre sus ideas, sus vivencias, sus familias.  Ella comentará que su abuelita gustaba de tejer cobertores de lana para luego regalar estos a todo aquel que fuera arrojado al mundo.  En esta expresión, la abuelita englobaba tanto a desamparados como a seres queridos.  El significado que la ancianita daba alcobertor de lana era el de un acicate contra las penas.  Esta anécdota es la que da título a la obra.
 
ARROJADOS AL MUNDO SIN COBERTOR DE LANA es una comedia sin pretensiones, donde se da importancia al lado humano de los personajes.  Tiene mucho de subtexto, es más lo que se implica que lo que se dice, por lo cual, además de despertar el interés del espectador, éste queda invitado a la reflexión.
 
Para el montaje, Ricardo Delgadillo opta por un espacio escénico sencillo pero idóneo.  Para crearlo, le basta una banca clásica de parque e infinidad de hojas secas sobre el piso.  La dirección por parte de Ricardo Delgadillo es certera, marca bien el desplazamiento actoral y mantiene ritmo y frescura de principio a fin.
 
Ella es Leticia Cavazos  y  él es Marco Treviño.  Ambos histriones desarrollan muy acertadamente su labor, en una alternancia bastante equilibrada.
 
La bien distribuida iluminación es provista por Isaías Martínez. La coordinación de producción y vestuario fue encomendada a Marina Meza.  El encargado de fotografía es Ramiro Martínez.  Prensa y difusión corresponde a Sandra Narváez.
 
ARROJADOS AL MUNDO SIN COBERTOR DE LANA es una comedia deliciosa, de esas que todomundo disfruta.  Texto interesante, actuaciones convincentes, entretenida de principio a fin.  Sano esparcimiento producto de un equipo de trabajo bien conformado.
 
ARROJADOS AL MUNDO SIN COBERTOR DE LANA
se presenta a las 22:30 horas viernes y sábados en el
ESPACIO URGENTE 2 del FORO SHAKESPEARE,
ubicado en Zamora N° 7, colonia Condesa, Ciudad de México.
La temporada concluye en octubre de 2014.
Hacer reir es valioso.
Hacer reir es valioso.
BESTIARIO HUMANO
 
 
Eugenia Galeano Inclán
8 de agosto de 2014
 
 
Siempre es bueno soñar, imaginar que todo marcha bien, que no hay violencia ni guerras, que los problemas se resuelven por arte de magia, que no existen las enfermedades, que se tiene dinero suficiente como para no tener que embaucarse en deudas ni preocupaciones, en fin, cada persona tiene su propia utopía, un entorno ideal donde pudiera vivir con tranquilidad y alegría.  En los inicios de la cinematografía a nivel mundial, los guiones eran escritos con base a esta idea, era casi por norma que aquellas primeras películas tuvieran un final feliz, algo que permitiera a los espectadores irse a su casa no sólo con un buen sabor de boca sino con la falacia de pensar que si el protagonista había logrado todo lo que anhelaba, no era tan difícil lograr lo mismo.
 
Hoy en día, la tecnología, las estadísticas, la experiencia, el arduo trabajo, los esfuerzos por salir adelante han hecho que el ser humano tenga una imagen mucho más real de lo que es el mundo en el que vive. A nadie le cae una fortuna del cielo, los conflictos bélicos estallan en cualquier parte, sin descontar todos los que se encuentran latentes, los ecologistas han dado a conocer los daños que se han causado al medio ambiente y nos advierten de los peligros si no se toman medidas precautorias con carácter de urgente. 
 
El dramaturgo y director Diego Álvarez Robledo utiliza el teatro como trinchera para concientizar a la sociedad, bajo la convicción de que si todos y cada uno de los habitantes de este planeta pusieran su grano de arena, aún estaríamos a tiempo de evitar el cataclismo.  En una de sus obras anteriores, "Axolotl", Diego hace un paralelismo entre las dificultades que tienen que sortear los jóvenes para subsistir en un mundo caótico donde la tecnología muchas veces es más importante que la convivencia, y el peligro de extinción en que se encuentran los ajolotes.
 
En BESTIARIO HUMANO, Diego Álvarez Robledo concibe una distopía, es decir, lo contrario a la utopía, un entorno terrible que empeora día con día y que irremediablemente desaparecerá.  Si bien, el autor califica su propuesta como "documental escénico", el título aplica en lo mayoritario, pero no en la totalidad, toda vez que nadie puede documentar el futuro.  El trabajo de Diego denota que está fundamentado por los resultados de la exhaustiva investigación que realizó, en virtud de que de principio a fin van saliendo a colación cifras históricas o tomadas de estadísticas reales, junto con otras que aun cuando podrían considerarse como previsibles aún no suceden, como por ejemplo, "... treinta millones de mexicanos habrán muerto de hambre".  La historia se ubica mayormente en África, para después incluir también a países asiáticos, europeos y americanos.  La acción transcurre entre los años 2223 a 2233, con algunas referencias a años anteriores.
 
Diego parte de la premisa de que sólo puedes comprender a alguien si te pones en sus zapatos y es así como hace que su elenco se disfrace de bestia y su historia comienza contada por rinocerontes.  EnBESTIARIO HUMANO dos jovencitas deciden ir a África, luego de que una de ellas leyó algo en Facebook que la motiva para ir al lugar donde se ha originado la noticia, ambas se sienten atraídas entre sí y emprenden la aventura para tratar de cambiar al mundo; una tercera pide unírseles.  Así es como las tres llegan al continente negro. 
 
Desde su plataforma, Diego expresa una ácida crítica al sistema, a los depredadores de animales -un tiburón es arrojado al mar luego de ser mutilado, redes gigantescas que atrapan delfines- en fin una "caravana infinita de cuernos y de pieles".  El texto de BESTIARIO HUMANO está bien estructurado, aun cuando se trata de una retórica distópica y pedagógica.  Va aderezado de mitos y leyendas, como "si te ve un rinoceronte a los ojos, te mueres", o bien, frases determinantes como "morir es mejor que huir de tu verdad".  Si sólo se leyera, podría sumir en la depresión a cualquiera, pero el montaje es tan dinámico y colorido que está lleno de vida.  Con esto, no sólo cumple con el objetivo de brindar entretenimiento, sino que sirve para concientizar sobre el deplorable futuro que se prevé si no se toman las medidas necesarias.  La puesta en escena está respaldada en la ardua labor de investigación llevada a cabo y en la tecnología, pues se utiliza el multimedia para ilustrar la narrativa.  El video está perfectamente sincronizado y planeado en forma acertada.  La iluminación con elementos modernos está muy bien distribuida.  El vestuario es muy juvenil y resulta idóneo.
 
El único elemento escenográfico es una escalera que por su flexibilidad adopta todo tipo de formas.  Así mismo, la puesta en escena tiene el apoyo invaluable e incondicional de las actrices, quienes con una vehemencia extraordinaria realizan un admirable trabajo histriónico, con buena dicción y gran fuerza en sus expresiones, además de su coordinada corporalidad.   La labor de dirección por parte de Diego Álvarez Robledo es atinada y exigente, demandando una entrega absoluta a su elenco y una extenuante actividad continua.
 
El elenco está conformado por  Esmina Barrios,  Rosalba Castellanos,  Miriam Romero,  Sofía Sylwin,  y  Lucía Uribe Bracho.
 
El dispositivo multimedia y video proyección fe creado por Daniel Primo, mientras que el dispositivo escénico y el de iluminación son producto de Daniel Primo, Diego Álvarez Robledo y Miguel Moreno, siendo este último también responsable del diseño de vestuario.  En la asistencia de dirección colabora Manuel Delgado Plazola. La encargada de difusión es Rosa María Trujillo.
 
BESTIARIO HUMANO es teatro creado por jóvenes.  Un montaje realizado por un equipo comprometido, quienes hacen su labor con entrega absoluta y con mucho entusiasmo.  Una visión futurista de lo que podría pasar a nuestro planeta.
 
BESTIARIO HUMANO
se presenta a as 20:30 horas  lunes  y  martes en el
Foro de CARRETERA 45,
ubicado en Juan Lucas Lassaga 122, colonia Obrera (metro San Antonio Abad), ciudad de México
La temporada concluye el día 26 de agosto de 2014.
STURM RUGER
 
 
Eugenia Galeano Inclán
31 de julio de 2014
 
 
La inspiración llega a los autores en forma impredecible.  En ocasiones, basta un chispazo para encender la mecha.  Mientras Josué Almanza, joven dramaturgo, director y actor, originario de Puebla, egresado de la Universidad Nacional Autónoma de México y de Casa del Teatro, se encontraba en una residencia artística en la ciudad de Montreal, Canadá, realizó una investigación exhaustiva sobre violencia de género.  Entre diversos hechos de la vida real que analizó, el que detonó la creatividad de Josué fue una masacre ocurrida en la Escuela Politécnica de Montreal, en 1989, en donde Marc Lépine, un joven de apenas 25 años de edad, portando un rifle semiautomático y un cuchillo de caza tomados de su propio hogar, abrió fuego en contra de casi una treintena de mujeres, dando muerte a 14 de ellas y dejando heridas a otras 14, tras lo cual se suicidó.
 
Es así como surgió la idea de STURM RUGER.  El deplorable suceso impactó a Josué en tal forma que consideró que debía darlo a conocer al mundo, con la intención de aportar algo en contra del bullying y del acoso escolar -tan en boga en la actualidad-, así como para reprobar la libre venta de armas.  En su dramaturgia, Josué no se limita a narrar los hechos, sino que utiliza su imaginación para crear un seguimiento.   Ubica su historia a diez años de la tragedia y hace un recuento de los estragos causados por la misma en quienes la sufrieron. 
 
El eje central de STURM RUGER no son los fallecidos sino los sobrevivientes.  Josué define a sus personajes conforme a su sentir y a la forma en que han tratado de superar su dolor.  En forma muy atinada, Josué hace una radiografía psicológica de los afectados.  Aun cuando ha transcurrido una década, ellos continúan llevando su pena a cuestas.  El dolor es algo que no puede ser medido ni comparado, por lo tanto, Josué concede a cada uno un modo distinto de padecerlo y de manejarlo.  Habrá quien lo traduzca en algo onírico, otros optarán por la negación, por la propia conmiseración o por el deseo de venganza. 
 
Josué utiliza su creatividad y talento para entretejer los sentimientos -sean contrarios, sean afines- de sus protagonistas, a fin de exponer una imagen universal del dolor, misma que dosifica en pequeños fragmentos que va liberando oportuna y paulatinamente.   La atención que STURM RUGER capta desde su inicio, va incrementándose cada vez más, hasta el momento en que se produce la magia teatral, la cual se llega a alcanzar cuando existe una retroalimentación natural, una comunión absoluta entre el arte y el espectador.  En efecto, es un fenómeno que sólo ocurre en aquellas ocasiones en que lo que se representa sobre un escenario es de tanta calidad que el espectador queda arrobado y se olvida de que afuera está su mundo real y cotidiano.
 
El texto de Josué Almanza es de excelente factura y perfecta estructura.  La narración es multifacética, abarca temas como amor, odio, el núcleo familiar, los hogares disfuncionales, el orgullo, el trabajo, la responsabilidad, la culpa, la pérdida, el sufrimiento y explora diversas ramificaciones de todo esto.  El diseño escénico para el montaje no sólo es digno del extraordinario texto, sino que lo enaltece y lo hace más atractivo todavía.  El video o transmisión en vivo mediante circuito cerrado, mismo que también es producto de Josué Almanza, en colaboración con Ulises Castillo, sirve de apoyo para ilustrar momentos determinados de la trama.  El trabajo de Arnoldo Alemán en cuanto a la iluminación y la escenografía es verdaderamente encomiable.  La iluminación es muy diversa y bien distribuida, mientras que la escenografía es bastante escasa, pero justa para crear el entorno apropiado.
 
La labor de dirección por parte de Josué Almanza es loable, además de elegir bien a su elenco, supo imbuir a quienes lo conforman de la importancia que tiene cada uno de los personajes y de la forma en que debían ser  representados.  Excepcional es el trabajo histriónico, de expresión facial y corporalidad de Regina Flores Ribot (Vera),  Rocío Ramírez Suárez (Sam),  Amanda Schmelz (Vivian),  Raúl Rodríguez de la Peña (Walter)  y  Christian Diez (Paul / Elliot Wood).
 
La producción es de Arlett Anani, Alma López, Rocío Gilbón y Josué Almanza.  Como asistente de dirección funge Humberto Trejo Calzada,  Asumen las relaciones públicas Gustavo Ambrosio y Erick Baena.  El vestuario es diseño de Sinuhe Carcaño.
 
STURM RUGER es una obra de México para el mundo.  Un afortunado ejemplo del buen teatro que se hace en nuestro país.  Un texto perfectamente articulado que expone una muy interesante historia, en un montaje extraordinario que incluye actuaciones entrañables de histriones que dan vida, piel y sentimiento a sus personajes, rompimientos escénicos pocas veces vistos y un ritmo ágil con una continuidad impresionante.  Un gran equipo formado por jóvenes en su mayoría, que demuestran que sí se puede crear teatro de calidad.
 
STURM RUGER
se presenta los martes a las 20:30 horas
durante julio y agosto de 2014
en el ESPACIO URGENTE 2 del Foro Shakespeare,
ubicado en Zamora N° 7, colonia Condesa, Ciudad de México.
 
 
 
 
KIWI
 
Eugenia Galeano Inclán
17 de julio de 2014
 
 
Existen temas ante los que algunas personas quisieran cerrar los ojos, o bien, mirar hacia otro lado.  A modo de ejemplo, pudiéramos citar los niños en situación de calle, llamados coloquialmente niños de la calle.  En efecto, este tema pocas veces es abordado en las pláticas cotidianas y más triste aún es que las autoridades ciudadanas hacen poco por ayudarlos.  Podrían destinar presupuestos para encauzarlos pero, en lugar de esto, hay seres tan deleznables que prefieren eliminarlos para quitarse del problema. 
 
Lo cierto es que los niños de la calle son personas con cualidades y defectos.  La diferencia entre ellos y los demás es que la vida no les ha brindado oportunidades.  Son seres carentes de educación que nacen y viven sin cariño, a quienes no se les han inculcado principios morales y que, por lo general, son abandonados a temprana edad para verse precisados a subsistir por sus propios medios. Sin estudios, les es mucho muy difícil conseguir un trabajo remunerado, por lo que día con día luchan por tener algo que llevarse a la boca.  Su supervivencia depende de los ingresos que obtengan y no importa si estos son lícitos o ilícitos.  Aun cuando tengan buenos sentimientos, tienen que delinquir para poder comer.  Su soledad hace que se junten con seres en sus mismas circunstancias para formar lo más cercano a una "familia".  Los mayores brindan apoyo y protección a los más pequeños, pero también les enseñan la manera en que ellos se ganan el sustento, aun cuando sea ejerciendo la prostitución o dedicándose al tráfico de drogas.
 
Con gran conciencia social, el dramaturgo quebequense Daniel Danis escribió KIWI, una historia que mueve y conmueve,  a través de la cual revela el lado humano de una niña de la calle.  La protagonista,KIWI, relata sus vivencias en primera persona.   Los recuerdos que tiene claros en su mente, los comparte sin ambages y aquello que no le consta -como las llaves que supuestamente le heredó su papá- los expresa, añadiéndoles en forma graciosa el sufijo "dicen".  Vive con sus tíos, quienes no le tienen cariño y la consideran una arrimada.  Tras la inminencia de un desalojo, los tíos optan por deshacerse deKIWI y la abandonan a su suerte en un carrusel.  Tras ciertas peripecias, KIWI es adoptada por Tangerina y es así como llega al núcleo de una peculiar familia, en donde los integrantes cambian sus nombres propios por nombres de frutas.  KIWI conoce ahí a Lychee, con quien se identifica desde el primer momento.  Nuez y Cereza también están dentro de este grupo.  La gran ilusión de todos es poder tener una casa donde vivir.  Por lo general, pasan hambre, pero son solidarios y no dejan de hacer planes a futuro.  KIWI se sorprende mucho cuando le dicen que tiene que "tomar marido", pues apenas tiene 12 años de edad.  Si usted desea saber qué más ocurre en la vida de KIWI, la cita es en el Teatro Sergio Magaña.
 
Tras su publicación en 2007, KIWI ha recibido diversos galardones, entre los cuales destaca el Premio Louise La Haye.  Daniel Danis es el primer dramaturgo que ha obtenido tres premios de manos del Gobernador General de Canadá y en el año 2000 la República Francesa le confirió el título de Caballero de Artes y Letras. La traducción al español de KIWI fue realizada fielmente por Boris Schoemann.

La propuesta escénica de Boris Schoemann para KIWI se basa en la calidad histriónica de su elenco y con tan solo dos sillas ubica al espectador en diferentes entornos. Su labor de dirección es extraordinaria, aplica su poética a través de coordinados movimientos programados con precisión. El vestuario diseñado por Pilar Boliver es idóneo y de tal practicidad que mediante mínimos cambios se va ajustando a lo requerido. Coadyuvan acertadamente al montaje Joaquín López "Chas" en el diseño sonoro y Fernando Flores Trejo en el diseño de iluminación.

La producción de KIWI es de la Compañía Los Endebles, A.C. y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), mientras que la producción ejecutiva es provista por Anabel Caballero. La encargada de difusión y relaciones públicas es Sandra Narváez.

Olivia Lagunas, quien es sin lugar a dudas una de las más brillantes actrices jóvenes de nuestro país da vida a una KIWI tierna, dulce y encantadora. Guillermo Villegas interpreta en forma muy convincente a Lychee, el amigo incondicional de KIWI. Ambos trabajos son dignos de encomio y seguramente serán recordados por mucho tiempo.

KIWI es una obra que nadie que se precie de estar interesado por el quehacer teatral debe perderse. Un texto de excelente factura, perfectamente traducido. Una historia entrañable que expone la cruda realidad de los niños de la calle en forma respetuosa y muy humana. Por paradójico que parezca es como visitar un aterrador entorno desde la perspectiva de una estética artística incomparable.

KIWI
se presenta sábados y domingos a las 13:00 horas en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA,
ubicado en Sor Juana Inés de la Cruz N° 114,
colonia Santa María la Ribera (Metro San Cosme), Ciudad de México.
Su duración es de 50 minutos. El costo del boleto es de $127.00

Vaya lo más pronto que pueda, la temporada concluye el 27 de julio de 2014.

 
SIN PARACAÍDAS
 
Eugenia Galeano Inclán
10 de julio de 2014
 
 
El teatro es como la vida misma.  Entre ambos, siempre se habrán de encontrar paralelismos.  Los mexicanos acostumbramos citar dichos o refranes -voz de la sabiduría popular- para equiparar algo por lo que estemos atravesando y en ocasiones nos damos licencia de cambiar alguna palabra, a fin de que ajuste mejor.  Por ejemplo, todos hemos escuchado aquello de "el camino al infierno está sembrado de buenas intenciones".  En cuanto a teatro, esto pudiera modificarse para decir "el camino al éxito está sembrado de buenas intenciones", toda vez que una de las cosas más difíciles de lograr para un creativo es plasmar en escena su idea original.
 
En efecto, existen múltiples proyectos que apenas concebidos parecen extraordinarios, otros tantos que al ser descritos pueden despertar interés a terceros.  Sin embargo, es un hecho que entre lo que se proyecta inicialmente y lo que el público ve sobre un escenario, hay diferencias.  La cualidad de lograr la transferencia entre lo imaginado y lo escenificado es inusual y, más extraño aún, es que una joven que apenas comienza su trayectoria tenga esta capacidad y logre superar con holgura los retos a los que todos se enfrentan para hacer teatro de calidad.  Ella es Gabriela Ochoa, actriz, directora y dramaturga.
 
Gabriela Ochoa nació en Monterrey, Nuevo León, durante su niñez residió en Ciudad Cuauhtémoc, Chihuahua, para luego trasladarse a Xalapa, Veracruz, donde cursó sus estudios en la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana. Planeaba ampliar sus estudios en Londres, Inglaterra, pero el destino quiso que lo hiciera en París, Francia.  Hace nueve años fundó la compañía teatral Conejillos de Indias. Desde entonces, Gabriela se encuentra enteramente dedicada al teatro, ha cursado talleres en diversas ciudades del orbe y se ha desempeñado como actriz, directora, codirectora y dramaturga, tanto en proyectos propios como ajenos. 
 
Gabriela es poseedora de una visión propia sobre el teatro, encauza su trabajo hacia el desarrollo del lenguaje escénico contemporáneo.  Su poética teatral se caracteriza por la dinámica que imprime, sin descuidar la estética visual.  Así mismo, Gabriela da importancia a la voz de los personajes y cuida que lo que expresan sea consistente con sus acciones y el entorno.   Uno de sus primeros logros fue “Tres para el almuerzo”, obra escrita y dirigida por ella, cuya trama era el sentir de una mujer atrapada en su cocina, la cual metafóricamente representaba su interior: un lugar frío, ausente de comida, donde aparentemente no transcurría el tiempo.  Más adelante, alcanzó notoriedad con su labor de dirección en "La Chica Conejita" de la autoría de la dramaturga finlandesa Saara Turunen.  "La Chica Conejita" formó parte de un DramaFest y ha cubierto temporadas en México y en Europa.
 
El más reciente proyecto de Gabriela Ochoa es SIN PARACAÍDAS de su autoría y bajo su dirección. SIN PARACAÍDAS versa sobre distintos temas cotidianos y contemporáneos.  Cada uno de los personajes, habrá de expresar sus ideas sobre el amor, el sexo, los riesgos que están dispuestos a tomar, sus temores y anhelos.  Una joven (Gabriela Betancourt), sumergida en una tina, tiene que elegir entre asumir derechos y obligaciones a fin de seguir adelante o hundirse para siempre y no saber más de nada.  La tina es su refugio, se ha mimetizado en tal forma con ésta que se siente mitad mujer, mitad reptil.  Un piloto aviador (Carlos Valencia) continúa su búsqueda de conquistas fáciles -y también difíciles-, su orgullo es sentirse el mejor galán que haya pisado la tierra.  Una psicóloga (Pilar Cerecedo) trata de auxiliar a la mujer-reptil, sin tomar en cuenta que antes que atender a los demás, debiera reorganizar su propia vida.  Una azafata (Romina Coccio) da cátedra de los beneficios del sexo, sobre todo, del cibersexo.
 
El texto de Gabriela Ochoa es estructurado y ameno, fácil de seguir para jóvenes y adultos, su labor de dirección es impecable.  Mantiene un ritmo preciso y aprovecha el espacio escénico al máximo.  Sabe transmitir a su elenco lo que desea que ellos expresen y lo logra a carta cabal.  Gabriela Betancourt, Carlos Valencia, Pilar Cerecedo y Romina Coccio constituyen un equipo sólido y comprometido.  Su labor histriónica es estupenda, al igual que su dicción, corporalidad y la expresión de sus rostros.
 
Participan en el equipo creativo:  Sergio López Vigueras en iluminación y atrezzo de escenografía,  Genaro Ochoa en música original y diseño sonoro,  Juan Carlos Sáenz en asistencia de dirección,  y  Miguel Romero en producción ejecutiva.  Medín Villatoro García brindó adiestramiento en combate escénico y asesoría corporal,  Juz Escalante es responsable del diseño de cartel  y Sandra Loewe de la fotografía del mismo.
 
Si usted quiere empaparse de temas nuevos, no deje de ver SIN PARACAÍDAS, una obra entretenida y divertida, pero con fondo suficiente para reflexionar.  Teatro de calidad, hecho por jóvenes comprometidos y dedicados.  Un elenco que representa en forma muy convincente a cada uno de los protagonistas.   Un texto interesante, un entorno idóneo, con todo y su sencillez, que habrá de transportarlo por los aires, sumergirlo en agua o llevarlo al diván de un psicoterapeuta.
 
SIN PARACAÍDAS se presenta
jueves y viernes a las 20:00 horas,  sábados a las 19:00 horas,
y  domingos a las 18:00 horas en el
FORO DE LAS ARTES del Centro Nacional de las Artes,
ubicado en Churubusco y Tlalpan (Metro General Anaya), Ciudad de México.
 
¡Apresúrese!  La temporada es corta.  Concluye el día 20 de julio de 2014.
CADA VEZ NOS DESPEDIMOS MEJOR
 
Eugenia Galeano Inclán
2 de julio de 2014

En su todavía corta trayectoria, el joven Alejandro Ricaño ha demostrado, a través de su obra, ser un extraordinario dramaturgo.  El arte de contar historias se le da en forma natural.  Alejandro es poseedor de una gran sensibilidad y la imprime en sus narrativas en forma tal que no sólo capta el interés del espectador sino que llega a su corazón.  Para cada proyecto elije un tema distinto y lo desarrolla en forma acertada.  Sin rebuscamientos ni complicaciones narra situaciones normales que pudieran suceder a cualquier persona, pero las adereza con humor, incluyendo alguna que otra crítica o denuncia y, de vez en cuando, incorpora referencias a hechos que han conmovido al país.  Su escritura denota que Alejandro es un gran observador de la vida y del ser humano. 
 
Tras el éxito alcanzado en la primera temporada de CADA VEZ NOS DESPEDIMOS MEJOR, uno de sus montajes más recientes, se tomó la decisión de realizar una segunda temporada para que todos aquellos que no pudieron verla y quienes quieran volver a verla tengan oportunidad de hacerlo.
 
En CADA VEZ NOS DESPEDIMOS MEJOR se cuenta lo que ha ocurrido en el transcurso de veintidós años a Mateo y Sara nacidos en el último minuto de una década.  A partir de su nacimiento en el año de 1979 siempre habrá un paralelismo en las historias de ambos.  Cual si fuera un presagio de que les tocaría en suerte unir sus vidas, Mateo y Sara ven su primera luz en el mismo hospital.  Poco después de cumplir los nueve años de edad habrán de tener otro encuentro, el día en que Sara se inicia en la fotografía y retrata a Mateo, quien, a distancia, queda impactado por Sara y decide que no descansará hasta encontrarla de nuevo.
 
Sus existencias parecieran estar en sincronía.  Las madres de ellos coincidentemente trabajan en el mismo taller, el cual se desploma en el terremoto ocurrido en la Ciudad de México en 1985 y es así como Mateo y Sara pierden a sus respectivas progenitoras a causa de la catástrofe.  El prematuro decreto de Mateo y el destino se conjugan para que finalmente Mateo y Sara unan sus vidas   La trama va de menos a más.  Al principio, es difícil creer que Mateo tiene una memoria tan privilegiada que recuerda el momento en que recién nacido volteó a ver a la pequeñita Sara en manos del médico, aún ensangrentada, y que esa es la primera imagen que guarda su mente. Sin embargo, cada vez va tomando más fuerza y la prosa de Ricaño atrapa el interés absoluto con anécdotas que van recorriendo una amplia gama de momentos enternecedores, tristes, alegres, amorosos, rutinarios, excitantes, etcétera.
 
El momento cumbre de la obra es el pasaje en que Mateo tiene un reencuentro con Sara en una sala de conferencias, en donde están entrevistando a aquel candidato a quien un reportero pregunto cuáles fueron los libros que marcaron su vida.  La forma en que Ricaño hilvana las preguntas del entrevistador con la situación que enfrenta Mateo y el despliegue de capacidad histriónica que hace Diego Luna confluyen para brindar una exquisitez teatral al público. Todas las emociones por las que atraviesa Mateo, como sorpresa, ilusión, frustración, impotencia son transmitidas por Diego muy acertadamente.
 
Alejandro Ricaño no requiere de parafernalias para sus montajes.  Para CADA VEZ NOS DESPEDIMOS MEJOR Matías Gorlero sólo dispone cinco luminarias, dos sillas y un área para quien provee el entorno idóneo a través de la musicalización en vivo.  La labor de dirección de Ricaño es impecable, proveyendo un ritmo armonioso entre la narrativa y las pausas que acentúan lo recién escuchado, al igual que el bien planeado desplazamiento de Diego por el escenario.
 
La composición musical es creación de Alejandro Castaños e interpretada magistralmente por el músico percusionista Darío Bernal.
 
El desempeño actoral por parte de Diego Luna es extraordinario.  Diego se adueña del escenario y del corazón de los espectadores al dar vida a un Mateo ingenuo, apasionado, noble  y aventurado, siempre dispuesto a salir adelante, a aprender de la adversidad y a sentir esperanza por el futuro. 
 
CADA VEZ NOS DESPEDIMOS MEJOR es un monólogo entrañable.  Un excelente montaje que todo aquel que esté ligado al teatro tiene que ver.  Una historia juvenil contemporánea plena de humor, que permite transitar por variados sentimientos.  Si usted no la vio en su primera temporada, acuda sin tardanza a la segunda, tomando en cuenta que sólo estará en cartelera por seis semanas.  Un proyecto que conjunta a diversos creativos, dramaturgia llena de magia teatral, adecuada escenografía, música idónea.  Una puesta en escena para disfrutarse y para ser recordada.
 
CADA VEZ NOS DESPEDIMOS MEJOR se presenta los viernes y sábados a las 19:00 horas y a las 21:00 horas, y los domingos a las 18:00 horas y a las 20:00 horas, en el TEATRO LÓPEZ TARSO, Centro Cultural San Ángel, ubicado en Avenida Revolución N° 1733, colonia San Ángel, Ciudad de México.  La temporada es del 28 de junio al 3 de agosto de 2014. 
VENENO SABROSO CON UNA PIZCA DE SAL
 
Eugenia Galeano Inclán
20 de junio de 2014
 
 
Tras haber egresado de la carrera de Antropología Social, Estela Leñero decidió emigrar a España para obtener una especialización en Teatro. A partir de su regreso a México, Estela ha estado siempre dedicada al teatro y, a lo largo de su trayectoria, ha ido acumulando reconocimientos y galardones. Con más de veinte ...obras publicadas y otras tantas llevadas a escena, ocupando un lugar sobresaliente en el ámbito adonde la llevó su vocación, Estela tuvo la inquietud de propiciar la generación de nuevos textos dramatúrgicos y optó por utilizar como vehículo la transmisión de sus conocimientos. Es así como Estela comenzó a impartir diversos talleres de dramaturgia en el interior de la República Mexicana, mientras que en el Distrito Federal cuenta con dos talleres permanentes, uno de los cuales es impartido en el Círculo Teatral.

Una de las razones por la cual los talleres impartidos por Estela han ido ganando popularidad entre los aspirantes a convertirse en dramaturgos profesionales es el hecho de que Estela no les impone un tema específico ni una estructura obligada, sino que les permite explorar sus propias tendencias en cuanto a trama, entorno y personajes. Más loable aún es que no conforme conque sus alumnos adquieran la técnica básica y los procedimientos que ella les proporciona, Estela se da a la tarea de conseguirles un espacio para que se presenten sus obras y, de este modo, tengan la posibilidad de foguearse ante espectadores. Como parte del programa del programa del IV Ciclo de Lecturas Dramatizadas de obras surgidas en uno de sus talleres, el cual se llevó a cabo en el Círculo Teatral de septiembre a diciembre de 2013, figuró VENENO SABROSO CON UNA PIZCA DE SAL de la autoría de Alberto Wolf.

De entrada, el título es muy atrayente. Sería ilógico suponer que una obra teatral surgida de un taller pueda convertirse en la obra que todo mundo espera, pero VENENO SABROSO CON UNA PIZCA DE SAL cuenta con varias cualidades. Si bien su estructura es sencilla, los temas que aborda son muy interesantes, sobre todo, para la juventud contemporánea. Entre estos temas se encuentran drogas, excesos, las enfermedades más temidas -síndrome de inmunodeficiencia adquirida, ser seropositivo-. amores, desamores, remembranzas, logros alcanzados, anhelos fallidos, etcétera. Los personajes son chicos actuales con sus defectos y virtudes, así como anhelos, conflictos y cuestionamientos sobre hacia dónde dirigir sus vidas. En cuanto comienza capta la atención del espectador, lamentablemente, luego hay uno que otro bache, lo cual ocasiona que esa atención se vaya diluyendo poco a poco.

En VENENO SABROSO CON UNA PIZCA DE SAL se conocen fragmentos de la vida de Ana, diseñadora de botellas para agua. Aparentemente, su vida está resuelta, tiene mucho trabajo y está casada con un prestigiado médico. Sin embargo, el encuentro casual con un joven pintor, antiguo novio o. tal vez, marido, toda vez que aluden a una boda, le despierta recuerdos que tenía en el olvido, sobre todo, la hace recapacitar respecto de cuán diferente era ella misma en el pasado. Esto sirve de detonante para que Ana decida adoptar medidas distintas y buscar nuevos horizontes.

Para estar en posibilidad de llevar a escena VENENO SABROSO CON UNA PIZCA DE SAL, el propio autor, Alberto Wolf, se asoció con un actor muy reconocido, Humberto Busto, cuyo más reciente trabajo es en "El Principio de Arquímedes". Es digno de admiración el hecho de que dos jóvenes inviertan sus recursos económicos y creativos para cumplir el sueño de dar a conocer su propia visión teatral. En forma muy acertada, convocaron a otro joven, Antón Araiza, quien se ha desempeñado en todas las áreas relacionadas con el teatro y ha salido avante de cuanto proyecto ha emprendido. En su aún no largo andar, ha obtenido reconocimientos en actuación, dirección escénica, dramaturgia, escenografía, iluminación y ambientación.

La labor que Antón Araiza realiza en la dirección de VENENO SABROSO CON UNA PIZCA DE SAL es extraordinaria. La creación del espacio escénico es idónea para la representación. Antón se ajusta bien al magro presupuesto y, para solventarlo, se las ingenia para construirlo con materiales tan económicos como pueden ser el unicel y el pet. Imprime un constante y armonioso ritmo y dicta un desplazamiento ágil y variado. Da el toque de intimidad, disponiendo sillas individuales a los lados del pequeño escenario, dejando de lado las recién adquiridas butacas del foro. Flor González funge como asistente de dirección. Bien impartida la iluminación provista por Aldo González.

VENENO SABROSO CON UNA PIZCA DE SAL es, en conjunto, un proyecto surgido de un taller loable, un montaje desarrollado con compromiso e ilusión, una historia con temas de interés con un título atractivo, un buen lema "Para todo mal un mezcal, para todo bien .... también", un entorno bien ambientado y una atinada dirección. El único "pero" son las nada convincentes actuaciones. A los cuatro jóvenes que integran el elenco aún les falta mucho camino por recorrer. Verónica de Alba (Ana), en lugar de parecer una diseñadora de artículos o, en el mejor de los casos, reflejar la confusión que provoca a la protagonista la disyuntiva en la que la coloca la trama, aparenta preocuparse sólo por adoptar buenas poses sobre el escenario. Ricardo Palacio (Oscar, esposo de Ana), en lugar de parecer un marido dominante, luce caprichoso y superficial, es decir, un antagónico débil de carácter. Wolfgang Bishop (Juan, el pintor) no transmite en forma alguna el gran amor que se supone siente por Ana y muestra hacia ella el mismo interés que pudiera mostrar cualquier hombre que apenas le fuera presentado. Es posible que este trabajo no haya motivado en lo personal a Wolfgang , porque en "Luna", de Xandra Orive, realizó un trabajo histriónico verdaderamente memorable. Haydeé Leyva (Casilda) hace un papel sin importancia, pero su dicción no permite siquiera entender bien sus parlamentos. Es una lástima porque igual y corporalmente se ha comprometido mucho, a juzgar por el enorme moretón que tiene en una pierna. Si el elenco trabajara un poco más sobre los roles que deben interpretar y se ajustan mejor a las indicaciones de su director es muy probable que logren mejorar su desempeño
.
 
VENENO SABROSO CON UNA PIZCA DE SAL
se presenta los sábados a las 21:15 horas, en UN TEATRO, Alternativa Escénica,
ubicado en la Avenida Nuevo León N° 46, colonia Condesa, Ciudad de México
 
La temporada concluye el sábado 2 de agosto de 2014.

PALIMPSESTO

 
Eugenia Galeano Inclán
17 de junio de 2014
 
DramaFest es un festival que se lleva a cabo en el verano.  DramaFest surgió a partir de la idea de Aurora Cano de realizar un festival internacional de dramaturgia contemporánea que sirviera como vehículo para intercambiar arte teatral con otros países.  Es un festival muy completo que abarca diversas actividades, como lecturas dramatizadas de obras inéditas, talleres, presentación de montajes, cuya característica es la fusión de ideas entre autores y directores de distinto país.  Con el tiempo se han ido incluyendo más novedades, por ejemplo, presentación de monólogos dentro de Burbujas, en sitios públicos -sean plazas, parques o explanadas-.  Dentro de los logros delDramaFest, uno de los principales es el hecho de ampliar horizontes para difundir el teatro mexicano.  A punto de cumplirse el décimo aniversario de DramaFest, el país invitado en 2014 es Australia.   Como parte de la programación de DramaFest 2014 se encuentra PALIMPSESTO de la autoría de Itzel Lara.

Itzel Lara es una joven que obtuvo su licenciatura en la carrera de Comunicación en la Facultad de Estudios Superiores de Acatlán y tiene una especialidad en prensa escrita.  Desde sus inicios, se ha distinguido por su labor en la dramaturgia.  Es común que en sus textos existan uno o más personajes con algún conflicto existencial, pero con entereza y ánimo para enfrentar cualquier vicisitud.  Su obra abarca temas diversos.  A la fecha tiene varias obras publicadas en Los Textos de la Capilla y en Tierra Adentro.  Ha incursionado en la cinematografía, pero es más reconocida en el ámbito teatral.  Itzel suele decir:  "si uno escogiera la arquitectura de su corazón, la mía sería un teatro".

Cuando nos topamos con alguna palabra cuyo significado desconocemos, tratamos de averiguar qué quiere decir y, si dicha palabra se encuentra en un título, nos esmeramos más, a fin de alcanzar una mejor comprensión de lo que el autor desea expresar.  PALIMPSESTO es un término derivado del griego antiguo que literalmente significa grabado de nuevo.  Por cuestiones de economía, cuando alguien escribía algo sobre un papiro y luego cambiaba de idea o deseaba modificarlo, lo borraba y reescribía encima.  Por ende, hoy en día con la educación del reciclaje tan en boga, podríamos decir que se trata de un papiro reciclado.

PALIMPSESTO es una historia de amor profundo, de malentendidos y de reencuentro.  Sus tres protagonistas son Eliseo, Eréndira y Malaquías.  Eliseo es tejedor profesional, insomne y aprendiz de narcolepsia, mientras que Eréndira es un mujer que ha crecido bajo el dominio de su padre.  Eliseo y Eréndira se enamoran y se unen en matrimonio.  Ambos son solitarios por naturaleza, antisociales a más no poder y, peor aún, sienten temor hasta de aventurarse a la calle.  Un buen día, Eréndira abandona a Eliseo y la vida de los dos queda inmersa en la desolación y la tristeza.  Malaquías es el hijo que procrearon en su matrimonio.  Un chico bastante raro que les sale corregido y aumentado ... Malaquías vive confinado en un ropero y no se atreve siquiera a recorrer su habitación.   Itzel les da la esperanza de reescribir su historia a través de un PALIMPSESTO.

El texto de Itzel Lara tiene mucho de ficción pero también de humanidad.  Quizá no en los términos escritos, pero es innegable que muchas personas viven con sus propios e inexplicables temores y rarezas.  Una narrativa plena de humor que mantiene el interés en todo momento.  Personajes que despiertan ternura.   Carlos Corona, quien tiene a su cargo la dirección escénica realiza un trabajo impecable con buen desplazamiento de sus actores y un balanceado ritmo.   La labor de musicalización, también asumida por Carlos Corona es idónea para el montaje.   Los diseños de escenografía y de iluminación fueron encomendados a Matías Gorlero, quien con talento supo representar dos departamentos distintos en un mismo plano.  Igual de atinado es su trabajo en cuanto a la bien distribuida iluminación que utiliza.

Carlos Orozco Plasencia y Carmen Ramos, quienes dan vida a Eliseo y a Eréndira, son dos histriones natos, polifacéticos y creadores de sus personajes.  Se anotan un éxito más en sus respectivas carreras y siempre resulta grato verlos en escena.  Malaquías es interpretado por Sara Pinet, una joven actriz que no se arredra ante sus dos talentosos compañeros y realiza un trabajo entrañable.  Además de esto, se olvida de su juvenil belleza para someterse a una transformación total, a fin de caracterizar al extraño Malaquías.  El diseño de prostético y muñón es producto de Maquillaje FX, Roberto Ortiz.

El diseño de vestuario fue realizado adiestrada e ingeniosamente por Fernanda García, con ayuda de algunas tejedoras.  Complementan el equipo creativo: Félix Arroyo en asistencia de escenografía,  Katya Bizarro en asistencia de dirección,  José Jorge Carreón en fotografía,  y  Leonor Hernández en diseño de imagen.

PALIMPSESTO es una obra entretenida y divertida, con actores que realizan una labor entrañable, bajo una dirección precisa.  Aprovechemos la celebración del DramaFest 2014 y acudamos a sus diversas actividades.

PALIMPSESTO se presenta en el TEATRO SANTA CATARINA
Jardín de Santa Catarina N° 10, en la Plaza Santa Catarina, Coyoacán, Ciudad de México.

Del 12 de junio al 6 de julio de 2014  los jueves y viernes a las 20:00 horas,  los sábados a las 19:00 horas  y  los domingos a las 18:00 horas.

Del 6 al |0 de agosto de 2014  los miércoles, jueves y viernes a las 20:00 horas,  los sábados a las 13:00  y  19:00 horas  y  los domingos a las 13:00  y 18:00 horas.
ÉRASE UNA VEZ
OC YE NECHCA
 
Eugenia Galeano Inclán
7 de junio de 2014
 
 
Muy de vez en cuando, lo que se da por casualidad resulta un éxito.  Por azares del destino, la obraÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA de la autoría de Jaime Chabaud cayó en manos de Antonio Zúñiga, fundador del grupo Carretera 45 Teatro.  La trama atrapó el interés de Antonio y de inmediato contactó a Chabaud para decirle que esa obra debía ser llevada a escena por Carretera  45 Teatro.  Una vez que el autor accedió, Marco Vieyra fue convocado como el director escénico de la misma.
 
Jaime Chabaud, autor de ÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA ha dedicado gran parte de su vida al teatro.  En su faceta de dramaturgo es uno de los más reconocidos del país y a lo largo de su trayectoria ha recibido múltiples galardones, de entre los cuales el más reciente es el Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruíz de Alarcón, mismo que obtuvo el año pasado.  A decir del autor, una nota periodística lo inspiró para concebir la trama de ÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA.  A Jaime lo motivó la indignación que sintió al leer sobre un joven, originario del Estado de Jalisco, que acababa de fallecer en la guerra de Irak.  Chabaud aprovechó un retiro personal en la ciudad de Cali, Colombia, para escribir su obra.  Cambió el Estado de Jalisco por el de Michoacán y, con mucha sensibilidad, procedió a relatar la parte humana y familiar del infortunado joven.  Refiere la cálida relación que sostenía con su abuela, sus aspiraciones de lograr "el sueño americano", su migración al país vecino, las dificultades que se le presentaban para obtener la "green card"  -tarjeta verde- que otorga el gobierno de los Estados Unidos de Norteamérica para certificar la residencia legal de un individuo.
 
Ante sus fallidos intentos para obtener la anhelada tarjeta, como último recurso, opta por enrolarse en el ejército norteamericano, a sabiendas de que existe un programa a través del cual se brindan mayores posibilidades de lograr una residencia legal a los migrantes que van a la guerra a luchar por el país.  El texto de ÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA -érase una vez en lengua náhuatl- es de buena factura y excelente estructura.  Mantiene el interés de principio a fin.
 
Carretera 45 Teatro es una compañía mexicana de gran presencia en el ámbito teatral nacional.  Fundada por Antonio Zúñiga en Ciudad Juárez, Chihuahua.  Poco a poco el grupo ha ido colocándose en el lugar que les corresponde mediante su incansable trabajo.  Uno de los objetivos de los integrantes de Carretera 45 Teatro es la consolidación de una estética del teatro de la frontera.  En los últimos años han explorado el entorno histórico e indígena de la zona fronteriza, siempre teniendo en mente a sus habitantes, sobre todo, a los infantes.  Carretera 45 Teatro es un grupo preocupado por lograr que sus coterráneos vivan la paz en digna convivencia y, por supuesto, están totalmente en contra de la injusticia y la impunidad.  Parte de las obras de su repertorio son el vehículo que utilizan para hacer labor social y de concientización.
 
Por su parte, Marco Vieyra posee su propia visión teatral, cuya labor de dirección se fundamenta en las emociones, toda vez que considera que si éstas no existen no hay forma de poder transmitirlas al espectador.  Otra de sus particularidades es el trabajo corporal que impone al elenco.  Desde el momento en que se le encomendó la dirección escénica de ÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA, se adentró en el texto y propuso que los actores escribieran sobre lo que les detonaba la historia en su fuero interno, agregando alguna que otra de sus vivencias particulares, a fin de complementar el texto, para ofrecer un producto más personalizado.  Con el consenso del autor, se eligieron los fragmentos que habrían de ser incluidos y, Marco los fue integrando en forma muy atinada al proyecto original.
 
La conjunción de estos tres talentos -el autor, el grupo actoral y el director- de tan distinto origen y con poéticas diferentes tiene un resultado sobresaliente.  El montaje que hace Marco Vieyra de la emotiva historia escrita por Jaime Chabaud es sobre un piso de madera totalmente desnudo y, como elemento escénico, utiliza unos tablones también de madera, que pasan a ser los "guerreros" de cada uno de los actores, tablones a los que la creatividad de Marco asigna múltiples usos, igual pueden ser armas, que bardas, muros, empalizadas, escalas, instrumentos y muchas cosas más.  Aplica diversas técnicas, como dar un ligero tinte de teatro brechtiano, derribar la cuarta pared, utilizar la iluminación primordialmente como complemento, dotar al montaje de una sonorización excepcional provista por el choque de madera contra madera, así como por cantos a capela por parte de algunos de los integrantes del elenco.  La precisión de los movimientos actorales, su coordinación, el buen aprovechamiento de los elementos humanos y materiales y el ritmo escénico impuesto en todo momento, hacen que la labor de dirección por parte de Marco Vieyra sea uno de los trabajos más brillantes de su trayectoria.
 
El elenco de ÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA está integrado por  Margarita Lozano, Christian Córtes,  Hasam Dáz,  Leonardo Zamudio,  Gustavo Linares  y  Antonio Zúñiga, quienes muestran el fuerte compromiso que adquirieron con el proyecto y dan lo mejor de sus capacidades histriónicas para representar a la heterogénea tripulación conformada por  un polaco, un ruso, un guatemalteco, un portorriqueño, un mexicano y un norteamericano, quienes tal vez no lograron un grupo militar  tan compenetrado como lo es el cuerpo actoral.
 
Los otros creativos participantes en ÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA son:  Philippe Amand en escenografía e iluminación,  Iker Arce en música original y electroacústica,  Mario Marín del Río en diseño de vestuario,   Irma Hermoso LUNA, María María y Natalia Sedano en asistencia de dirección,   Andrea López en fotografía  y  Santiago Ulloa en diseño de imagen.
 
ÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA es una obra imprescindible para todo aquel que guste del buen teatro.  Una joya dramatúrgica llevada a escena en un montaje fabuloso pleno de creatividad y con actores que ofrecen una labor entrañable.  Todo aquel que acuda a verla seguirá recordándola a través del tiempo.
 
ÉRASE UNA VEZ - OC YE NECHCA
se presenta los jueves  y  viernes a las 20:00 horas,
sábados a las 19:00 horas, y  domingos a las 18:00 horas en el
FORO SOR JUANA INÉS DE LA CRUZ
dentro del Centro Cultural Universitario de la UNAM, Ciudad de México.
La temporada termina el día 29 de junio de 2014.
EL INSPECTOR
 
 
Eugenia Galeano Inclán
2 de junio de 2014
 
 
En el ámbito teatral de nuestro país, una de las compañías más reconocidas es La Máquina de Teatro.  Fundada por Juliana Faesler y Clarissa Malheiros, La Máquina de Teatro se caracteriza por ofrecer productos de calidad.  Sus montajes y espectáculos surgen de una idea creativa para luego ser trabajados, pulidos y mejorados durante el lapso de tiempo que sea necesario para lograr buenos resultados.  Otra de las cualidades inherentes a La Máquina de Teatro es la labor interdisciplinaria.  En el inicio de su página oficial incluyen una cita de Roland Barthes, filósofo, escritor, ensayista y semiólogo francés:  "El trabajo interdisciplinario, tan discutido en nuestros días, no trata de confrontar disciplinas ya constituidas (de las cuales ninguna de hecho, esta dispuesta a ceder). Para hacer algo interdisciplinario no es suficiente escoger un tema, (un sujeto)  reunir a su alrededor dos o tres ciencias. El trabajo interdisciplinario consiste en crear un objeto nuevo que no le pertenece a nadie”. 
 
En la actualidad, La Máquina de Teatro está por cumplir su 18° aniversario y, para conmemorar tan importante fecha, les ha sido otorgada una residencia en el Teatro El Milagro, en donde estarán presentando algunas de sus obras de repertorio, así como el estreno de EL INSPECTOR que es una versión libre de la novela "Llama un inspector" de la autoría de John Boynton Priestley, mejor conocido como J. B. Priestley, célebre escritor, dramaturgo, locutor y activista político británico.
 
El eje central de EL INSPECTOR es una joven desaparecida y la investigación que conduce un detective para determinar su paradero, si bien todo parece indicar que la joven en cuestión optó por cometer suicidio. El texto alude también a los estratos sociales y, por ende, al poder.  Quienes tienen dinero y privilegios tienden a desdeñar a los necesitados y, en el peor de los casos, incluso llegan a aprovecharse de sus carencias.  Prueba de ello es el marcado contraste entre la prosperidad de una joven rodeada de lujos en la cena de su compromiso matrimonial y la impotencia y desolación que abruman a otra joven, quien casi al mismo tiempo se entera de su embarazo y es despedida de su trabajo.  Mientras que la primera tiene la vida resuelta, la segunda no encuentra la forma de resolver sus agobiantes problemas.
 
El texto de EL INSPECTOR es de buena estructura y mantiene el interés del espectador de principio a fin.  El suspenso es un elemento importante y, a través de las indagaciones, se van develando los detalles del caso en forma paulatina.
 
Para llevar a escena a EL INSPECTOR, Clarissa Malheiros echa mano de su creatividad y de su experiencia.  En primer lugar, hace una adaptación atemporal, permitiendo así que la historia no quede circunscrita a una época determinada.  Le imprime un tono fársico que lo hace más ameno.  Aplica diversas técnicas y disciplinas sin sobreponerlas unas a otras, es decir, no las mezcla ni las combina.  Lo que hace Clarissa es un entramado muy preciso, perfectamente bien diseñado y proyectado.  Clarissa entreteje las disciplinas en forma tal que se complementan entre sí para lograr una integración absoluta.  Utiliza una corporalidad extrema y constante y el movimiento escenográfico tiene una continuidad sorprendente.  Por movimiento escenográfico no debe entenderse el simple desplazamiento actoral por el escenario, sino la incorporación de la escenografía como un protagonista más.  Además, Clarissa aprovecha el fondo para prestar una labor social y concientizar al espectador sobre las mujeres que desaparecen sin dejar rastro.  Se sabe que en estos momentos, tan solo en el Distrito Federal, existen 1872 casos abiertos por esta causa.
 
Los resultados obtenidos por Clarissa Malheiros en cuanto al montaje, a su labor de dirección y al movimiento escénico son sobresalientes.  El espacio escénico diseñado por la propia Clarissa, en colaboración con Juliana Faesler es otro gran acierto de ambas, así como la bien impartida iluminación realizada por Juliana.  La música original que brinda el entorno idóneo es de la autoría de Liliana Felipe.
 
Junto con las ya mencionadas, conforman el equipo creativo: Isabel Manes en Vestuario,  Marisol Cal y Mayor en Coreografía,  Raúl Morquecho en la Producción Ejecutiva de La Máquina de Teatro,  Milena Pitombo en Asistencia de la Dirección,  Valeria Palomino en Grabación,  Isaac López en Asistencia de Movimiento,  Alan García en Asistencia de Producción,  y  Nora Castrejón en Difusión.  Los músicos son:  Roxana Mendoza en Chelo,  Humberto López en Violín  y  Lenad Nuño en Corno.  Daniel Robledo es el Ingeniero de sonido.
 
El elenco está integrado por  Roldán Ramírez,  Teté Espinoza,  María Sandoval,  Jair Torres Baizábal,  Sergio Cuéllar,  Ricardo Letona  y  Dan Sotelo.  Los personajes son seis -cuatro hombres y dos mujeres-, por lo cual uno de los actores citados funge como suplente.  Todos ellos realizan bien su labor y es loable que hayan superado el reto de coordinar la corporalidad requerida con sus parlamentos en forma tan armoniosa, sin embargo, vale la pena hacer una mención especial en favor de Roldán Ramírez, quien indudablemente realiza un trabajo brillante, por la naturalidad y precisión de sus movimientos y por su destacada intervención a lo largo de toda la obra.
 
EL INSPECTOR es un montaje interdisciplinario digno de verse.  Una historia interesante presentada con una dinámica fuera de lo común.  Queda usted invitado a observar de cerca lo que ocurrirá en la elegantísima cena donde Jair entregará a su amada Esther un anillo para sellar su compromiso. 
 
EL INSPECTOR
se presenta los sábados a las 19:00 horas y los domingos a las 18:00 horas en el
TEATRO EL MILAGRO,
ubicado en Milán N° 24 (entre Lucerna y General Prim), colonia Juárez.
La duración de la obra es de 70 minutos.
La temporada es del 31 de mayo al 22 de junio de 2014.
AUTOMÁTICOS


 Eugenia Galeano Inclán
21 de mayo de 2014


Para llegar a ser un profesional en cualquier área es imprescindible recorrer un largo proceso. Se comienza por asistir a preescolar, luego se cursan la primaria, la secundaria y la preparatoria. Con todo este aprendizaje, se ingresa a la universidad, la cual se habrá de elegir previamente cuando ya se sabe la profesión que se desea Concluidos los estudios universitarios se obtiene una licenciatura, pero éste no es el final del camino, sino apenas el principio, toda vez que el recién egresado tendrá que someterse a prácticas donde pueda aplicar sus conocimientos. Imaginemos cuán grave sería que un piloto aviador sin horas de vuelo tomara a su cargo un avión comercial. Nada raro sería que se le presentara algún imprevisto -algo no visto en sus estudios- y sucediera un accidente. Así mismo, un médico que acaba de salir de la universidad, pero que aún no ha acumulado experiencia, no podría lanzarse a practicar una cirugía mayor por su propia cuenta, en virtud de que el paciente correría riesgos insospechables.

Todo ser humano tiene derecho a dedicarse a lo que desee, pero nadie puede saltarse el proceso para llegar a serlo, al menos en forma profesional. El teatro no es una excepción a esta regla. El teatro requiere de talento, conocimientos y experiencia. Nada garantiza que un proyecto teatral tenga éxito. Puede haber montajes exitosos, regulares, mediocres o, de plano, malogrados. Aún los más grandes autores, directores o autores han sufrido reveses en alguna ocasión. Al teatro como a la guerra se tiene que ir bien armado. Si no se cuenta con los elementos básicos indispensables, lo más probable es que el resultado sea nefasto. Sin que sea tan grave como los ejemplos citados en el párrafo anterior -un avión accidentado o un paciente perjudicado-, ¿cómo justificar ante un espectador el precio que pagó por su boleto?

Este es el caso de AUTOMÁTICOS, de la autoría del dramaturgo argentino Javier Daulte, obra que la compañía Nuna Teatro Contemporáneo eligió producir en base a su preocupación por la juventud y la situación actual, en la que se encuentran inmersos en un mundo virtual y recibiendo un bombardeo de información que los orilla a ignorar lo que sucede frente a ellos en la vida real.

A AUTOMÁTICOS le falta estructura y, peor aún, significado. Quizá el autor quiso hablar de tanto que terminó hablando de nada. Seis jóvenes alumnos se juntan para presentar un proyecto ante una Feria de Ciencias. El premio es muy atractivo, ofrecen un viaje a Argentina, así que se hacen su mejor esfuerzo por resultar ganadores. Para la presentación, se propone un terrario, algo sobre animales en extinción, un sistema de riego, una tormenta de rayos, un zepelín. Finalmente, optan por automatizar a unos maniquíes que el padre de uno de ellos usaba en su labor de sastre.

Para "adornar" la historia, una de las chicas es bulímica o anoréxica -ni eso sabe ella misma-, mientras que otro forma parte de una familia disfuncional que no ha logrado superar el fallecimiento del padre, tiene una madre con tendencias suicidas y una hermana que sólo sale de su habitación si llueve copiosamente. De esto se irá enterando el espectador en forma paulatina, siempre y cuando esté muy atento, porque los jovencitos hablan y gritan al unísono, así que entender lo que dicen es una proeza. Por su parte, la productora Nuna Teatro Contemporáneo se preocupa tanto por la juventud que elige al director y a los actores de su montaje sólo porque son jóvenes, dejando de lado si tienen las facultades mínimas requeridas para participar en una puesta en escena. Por un lado, es loable dar oportunidad a jóvenes, por otro lado, es lamentable no tomar en cuenta al espectador.

El elenco está conformado por: Melanie Borgez, Tamara Vallarta, Monserrat Simó, Rosalba Castellanos, Alfonso Pinkus, Emmanuel Pichardo, Samuel González, Annis Duhart, Laura Loredo y Odette Ramírez. Todos ellos jovencitos recién egresados a quienes no se puede llamar aún actores, toda vez que carecen de experiencia, aún no adquieren "tablas", cuyas acciones son atropelladas y a quienes bien les vendrían unas clases especiales de voz y, sobre todo, de dicción. Si acaso, los únicos que podría decirse que sobresalen son los que participan un menor tiempo en el montaje: los tres maniquíes. La dirección corre a cargo de un integrante del elenco, Emmanuel Pichardo en colaboración con Jorge Maldonado. Quizá con una mejor dirección el montaje hubiera corrido mejor suerte. En definitiva se requería de alguien que los asentara y ubicara.  Cabe hacer notar que lo que les sobra a estos chicos es entusiasmo, pero con sólo eso no pueden pretender ser considerados como profesionales del teatro.

El resto del equipo está integrado por: Ismael Chávez R. en diseño de espacio escénico, Esaú Corona y Sara Alcantar en diseño de iluminación, Angélica Flores en diseño de vestuario, Anareli Cervantes, Ricardo Martínez y Esaú Corona en atrezzo, Juan Cubas Fridman en diseño sonoro, Aldo Dowerman en diseño gráfico, y Susana Espinoza en entrenamiento corporal. El proyecto cuenta con el apoyo de Transformadora Ciel.

Si usted apuesta por la juventud y desea ver un ejercicio escénico, acuda a ver AUTOMÁTICOS.


 AUTOMÁTICOS
se presenta los miércoles a las 20:30 hora
en el FORO LA GRUTA del Centro Cultural Helénico
ubicado en Avenida Revolución N° 1500, colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México.
La temporada concluirá el día 9 de julio de 2014. El costo del boleto es de $150.00
ESE RECUERDO YA NADIE TE LO PUEDE QUITAR
 
Eugenia Galeano Inclán
21 de mayo de 2014
 
 
El objetivo principal de cualquier nuevo grupo es tener una personalidad propia, una firma, algo que lo distinga de los demás.  En el ámbito teatral esto cobra más significado, en virtud de que su futuro depende del público que vayan adquiriendo poco a poco y, una vez que consiguen a sus primeros espectadores, digamos "cautivos", habrán de mantener cierta congruencia no sólo para conservar a sus seguidores, sino para ir atrayendo a más personas hacia sus proyectos.
 
Vaca 35 Teatro en Grupo, al mando de Damián Cervantes, se ha esmerado por tener un sello distintivo y lo ha mantenido.  Sus producciones tienen en común varios aspectos:  no se ciñen a los patrones acostumbrados en busca de la originalidad, su elenco es estable, un grupo de jóvenes actores comprometidos con el quehacer teatral que comulgan con las ideas del fundador del grupo, confían en él y saben qué es lo que el espera de ellos,  el realismo siempre está presente, versan sobre relaciones humanas, trabajan en laboratorio hasta lograr lo que desean expresar, imprimen una particular visión que se traduce en autenticidad, sus personajes se comportan con bastante libertad, dejando de lado restricciones sociales o de buenas costumbres y sus proyectos son intimistas, concebidos para ser presentados en espacios alternativos ante pocos espectadores.  Esto les ha valido un buen número de seguidores, sobre todo, jóvenes.  De cualquier manera, dado que conjugan diversas cualidades y aplican estilos variados de hacer teatro, día con día van consiguiendo más adeptos.
 
Cabe mencionar que su anterior proyecto  "Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar" que surgió con base en "Las Criadas" de Genet no sólo fue del gusto del público mexicano, considerando que en nuestro país cubrió varias temporadas, sino que ha sido invitada a presentarse en varios países a lo largo y ancho del orbe.  Se sabe que en Barcelona, por la gran demanda de boletos alcanzada, les fueron extendidas las funciones que inicialmente les habían programado. 
 
Hace tiempo, en una entrevista, Damián Cervantes, líder de Vaca 35, declaró que su teatro se basa en la honestidad y que él considera que "la humildad sólo puede nacer de la humillación, si no, es falsa vanidad". Al parecer, este pensamiento suyo también es parte troncal de sus proyectos.   
 
Su más reciente creación ESE RECUERDO YA NADIE TE LO PUEDE QUITAR fue concebido a partir de "Las Tres Hermanas" de Antón Chejov.  Desde el punto de vista personal de quien suscribe la presente nota, Damián Cervantes sólo tomó del texto de Chejov la frustración individual de los personajes y la crítica implacable que se hacen entre sí cada una de las tres hermanas, toda vez que Damián actualiza la obra transmutándola en una especie de 'reality show' -espectáculo de la vida real-, para mostrarnos lo que ocurre en un laboratorio teatral, donde se juntan cinco jóvenes para preparar una creación colectiva.
 
El punto de reunión es una habitación vacía de cualquier inmueble que hará las veces de taller.  Carente de mobiliario, sólo se ven unas cuantas sillas y una mesa larga llena de botellas de cerveza y de vino, copitas tequileras y una que otra botana, todo esto en desorden.  En el supuesto taller, habrá de dar lectura a lo que a cada quien tocará representar, al mismo tiempo, que beberán y comerán, para lo cual tostarán pan, harán café y palomitas en un horno de microondas. 
 
En principio, todo es cordialidad, cada quien va leyendo su parte, al cabo de lo cual, los demás expresarán apoyo y dirán que aquello está muy bien, animándose unos a otro a concretar el proyecto.  Sin embargo, en un momento dado, esa cordialidad habrá de convertirse en agresión y se oirán palabras altisonantes, cuyos dardos darán en donde más duele.
 
En su labor de dirección, Damián Cervantes logra dar continuidad a su visión particular del teatro, siendo consistente con sus proyectos sui géneris.  Aporta agilidad a la acción, aprovecha bien el espacio de que dispone y capta el interés del público.
 
El elenco está conformado por: Diana Magallón,  José Rafael Flores,  Mari Carmen Ruiz,  Gabriela Ambriz  y  Héctor Hugo de la Peña, quienes se comprometen totalmente con el proyecto y ofrecen al servicio del mismo la capacidad histriónica que han alcanzado .  Es admirable la forma en que logran dar los cambios de humor y de actitud requeridos.
 
Siempre resulta interesante ver los derroteros que va tomando el teatro contemporáneo hecho por jóvenes para jóvenes  ESE RECUERDO YA NADIE TE LO PUEDE QUITAR es una buena oportunidad de husmear lo que ocurre en un laboratorio teatral entre sus integrantes durante una sesión de trabajo.
 
ESE RECUERDO YA NADIE TE LO PUEDE QUITAR
se presenta los sábados y domingos a las 21:30 horas
durante el mes de mayo de 2014  y
sólo los domingos a las 21:30 horas durante el mes de junio de 2014
en un nuevo espacio del TEATRO EL MILAGRO,
ubicado en Milán N° 24 (entre Lucerna y General Prim), colonia Juárez, Ciudad de México.
EL PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES
 
 
Eugenia Galeano Inclán
20 de mayo de 2014
 
 
La liberación sexual ha dado grandes pasos en los últimos siglos.  Hoy en día en muchos países se permite el matrimonio entre seres del mismo sexo.  Así mismo, la lucha por la igualdad de géneros también ha tenido grandes logros.  En la actualidad una mujer puede escalar posiciones que antes le eran negadas, como por ejemplo, llegar a ser presidente de una nación.  Sin embargo, aún existen grandes diferencias.  Aquello que dice Chabelo en una de sus canciones "mi maestra me dio un beso a la salida porque hice los palitos derechitos", lo cual se ve como algo normal no puede aplicar a un varón.  Un maestro no puede permitirse el hecho de besar a una alumna y menos aún a un alumno.
 
Por otro lado, la inclinación sexual no es disculpa para delito alguno.  La pederastia es uno de los delitos más graves y, por lo tanto, más sancionados por las leyes, además de ser muy mal visto por la sociedad.  El simple hecho de que un maestro se atreviera a besar a un niño llevaría a pensar que se trata de un abuso sexual en contra de un ser inocente e indefenso.
 
Este es el tema central de EL PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES, escrita por el autor español Josep Maria Miró.  La historia versa sobre una escuela de natación, donde una niña afirma que vio al maestro besando a uno de sus compañeritos.  Ella asegura que fue en los labios, mientras que el maestro alega que fue en la mejilla con el propósito de tranquilizar al niño que se encontraba asustado y no quería entrar al agua.  Poco tiempo antes, en un kínder cercano se supo de un caso de pederastia, lo cual agrava el incidente ocurrido en la escuela de natación y éste tiene que resolverse en forma inmediata.
 
El título de la obra es tomado de un principio físico denominado EL PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES que afirma que "un cuerpo total o parcialmente sumergido en un fluido en reposo, recibe un empuje de abajo hacia arriba igual al peso del volumen del fluido que desaloja", en virtud de que el acto del maestro recibe en contraposición el empuje de confusiones, maledicencias, dudas, sospechas y suposiciones.  Algo muy difícil de frenarse o combatirse.
 
Ana, la directora de la escuela, comienza a hacer indagaciones, a fin de saber qué fue lo que realmente sucedió.  Pregunta a Héctor, un maestro con más experiencia, digno de toda su confianza, sobre qué es lo que él ha escuchado y lo que él piensa al respecto.  Héctor actúa como mediador y opina que todo obedece a un malentendido.  No obstante, Héctor también tiene sus dudas y habla directamente con Rubén, el maestro que dio el beso, a quien termina dando consejos con respecto a no intimar con los alumnos en forma alguna, advirtiéndole que ni siquiera debe agregarlos como amigos a las redes sociales, pues sólo así podrá mantener la relación de respeto requerida entre alumno y maestro.  Por más rígidas que parezcan las reglas, éstas siempre deben ser observadas.
 
Ana dedica cuerpo y alma a su trabajo, es una mujer justa y considera que debe proteger a sus subalternos.  En lo personal libra batallas internas muy fuertes, perdió al único hijo que tenía y ha optado por convertir al trabajo en su terapia individual, para ella es algo así como un refugio, razón por la cual se siente obligada a resolver en la mejor forma posible el problema al que se enfrenta.  Tiene la facultad de despedir a Rubén, pero no quiere cometer una injusticia, así que hará su mejor esfuerzo por investigar a fondo el asunto.
 
El texto de Josep Maria Miró es fluido, de buena estructura, cada personaje habrá de decir sus verdades, pero también sus incertidumbres, sus aflicciones, sus creencias, sus miedos, sus angustias, hasta dar paso a las interrogantes contemporáneas sobre las relaciones humanas, los prejuicios sociales y aquello que puede generar la falta de confianza.
 
Diego de Río realiza una labor de dirección impecable, dotando de un ritmo continuo y preciso a la representación, así como un coordinado desplazamiento actoral.  La adaptación que hace de EL PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES es igualmente loable.  El montaje fue muy bien planeado, dando como resultado una maquinaria escénica con el más exacto engranaje, tanto en lo técnico como en lo humano.   Cabe mencionar que el Foro Lucerna cuenta con tecnología de punta.
 
El elenco está conformado por Mariano Palacios (Rubén),  Fernanda Borches (Ana),  Humberto Busto (Héctor)  y  Arturo Barba (padre de familia), alternando funciones con Héctor Kotsifakis.   Las actuaciones de Mariano Palacios, Fernanda Borches y Humberto Busto son dignas de todo encomio.  Mariano da vida al entrenador que no siente culpa alguna por un acto que realizó espontáneamente, Fernanda presta su cuerpo y alma a Ana para sufrir sus aflicciones y acudir a toda su experiencia y profesionalismo tratando de solventar los torbellinos creados por el incidente,  Humberto encarna a Héctor, quien es el puente entre la directora y el compañero, brindando apoyo sólido a ambos.  Lamentablemente, a Arturo Barba le falta algo de fuerza y emoción al interpretar a un padre angustiado que haría todo por proteger a sus vástagos. 
 
La escenografía para representar los vestidores de la escuela de natación fue extraordinariamente bien diseñada por Matías Gorlero.  Además de idónea por ser un espacio refulgente y aséptico, resulta ingeniosa, toda vez que en un momento dado habrá de sorprender al público.  Matías también es el responsable de la bien impartida iluminación.
 
El resto del equipo creativo, con muy acertada labor, está integrado por:  Eva Vallinez Menéndez, en la Traducción,   Marian Celis, en Diseño de Vestuario,  Iker Madrid, en Música Original,  Alonso Fiallega, en  Producción Ejecutiva,  Pilar Flores Valle, en Dirección Residente,  Félix Arroyo, en Asistencia de Escenografía e Iluminación,  Iza Terán, en Asistencia de Producción,  Carlos Alberto de la Vega, en Asistencia de Vestuario,  Pablo Cruz Irastorza, en Fotografía,  Pablo Argumosa, en Diseño Grafico,  Patricia Trujillo, en Adaptación del Diseño Gráfico,  y  Prensa Danna, en Prensa.   Los productores son Rodrigo Trujillo  y  Jacobo Nazar,  mientras que la Productora Asociada es Fernanda Borches.  La Producción es de Bh5 Group  y  La Rama de Teatro.
 
En resumen, EL PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES es altamente recomendable.  Un excelente montaje, una joya para cualquier teatrófilo, por el texto, la escenografía, la iluminación y las entrañables interpretaciones.   Una obra para pensar, para reflexionar, para cuestionar a los demás y a uno mismo.  No deje de verla, le quedan pocas funciones.
 
EL PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES
se presenta los viernes a las 20:45 horas,   los sábados a las 19:00 horas  y  a las 21:00 horas, 
los domingos a las 18:00 horas, en el
FORO LUCERNA, ubicado en Milán N° 64, esquina con Lucerna,
colonia Juárez.  
La temporada concluye el domingo 1° de junio de 2014.  
Por cierto, únicamente los domingos 25 de mayo y 1° de junio de 2014 se ofrecerán dos funciones, la primera a las 18:00 horas y la segunda a las 20:00 horas.
ALGO SOBRE UNA PAREJA Y UN HIJO
 
 
Eugenia Galeano Inclán
14 de mayo de 2014
 
 
Todo ser humano tiene libre albedrío sobre su ser y su cuerpo.  Esto es incuestionable.  Las leyes, en la antigüedad tan rígidas, han tenido que ir abriéndose en forma paulatina. a fin de ser inclusivas y no exclusivas. En la época actual si alguien no quiere tener un hijo, no tiene por qué hacerlo.  En nuestra Ciudad de México fue apenas hace 7 años, el 24 de abril de 2007 cuando se promulgó la ley para abortar legalmente, lo cual quiere decir que cualquier mujer puede decidir en forma libre interrumpir su embarazo, con la única limitación de que esta decisión no puede ser tomada después de que se hubiera cumplido la décima segunda semana de su preñez.
 
En cada país se ha contemplado este tema y sus leyes rigen de acuerdo con lo que las autoridades disponen y decretan, pero se pudiera decir que hoy en día en la mayoría de los países se concede este derecho humano.  En forma alterna, la medicina también ha avanzado y día con día se desarrollan nuevos métodos de anticoncepción, que van desde cirugías mayores hasta píldoras, incluso de emergencia, como la píldora del día siguiente. Actualmente es mucho más improbable confrontar el problema de un embarazo no deseado como lo era en épocas anteriores.
 
Esto viene a colación con respecto a la obra teatral ALGO SOBRE UNA PAREJA Y UN HIJO, escrita por Agustina Gatto, autora argentina, la cual versa sobre la problemática de una joven, Carolina, que reclama su derecho a no querer ser madre.  A Carolina le aterra la idea de atarse a un hijo, lo paradójico es que no hiciera nada antes por evitar embarazarse.  A través del desarrollo, va evidenciando que es una joven por demás indecisa que no sabe ben a bien qué es lo que quiere y el simple hecho de tomar una decisión le cuesta muchísimo trabajo. 
 
Carolina alega que jamás pensó en convertirse en madre, le huye al compromiso.  Por otra parte, de pronto se entera -en forma fundamentada- de las infidelidades que ha cometido Mariano, su esposo.  Opta por abandonarlo y seguir adelante con su vida, pero se hace una prueba y resulta que está embarazada.  Primero, decide abortar de inmediato y dejar de lado cualquier lastre que le impida vivir libremente, pero, luego, cuando una amiga le ofrece dinero a cambio de cederle a su hijo, le atrae la idea de cobrar y responde que está dispuesta a ser una madre sustituta. 
 
Por su parte, Mariano dice amarla y la acosa hablándole de su amor eterno hasta que la convence de que regrese con él.  Aquí es cuando la historia comienza a tener incongruencias.  Por un lado, Carolina no quería embarazarse, pero se embarazó.  Dejó a su esposo para demostrarle que ella no acepta traiciones, pero vuelve a vivir con él, quien por cierto, continúa con su amante, sólo que en forma más discreta. Se quiere practicar un aborto, pero estaría dispuesta a vivir todo el embarazo y dar en adopción a su hijo, por una paga.  No se trata de una mujer con carácter que sepa defender sus derechos, se trata de una persona que se deja llevar por las circunstancias según se van presentando éstas.
 
La verdad, es que Matías Gorlero al tomar la encomienda de hacer el montaje y tomar a su cargo la dirección de este proyecto, no tomó en cuenta de que era un reto muy grande el no tener de dónde asirse en algo tan inentendible.  En su trayectoria como director ha dado muestras de trabajos admirables, como por ejemplo:   "Tiro de Gracia" de Sergio Zurita,  "Órfico Blues" de Martín López Brie -por cierto, obra entrañable para quien escribe la presente, toda vez que fue la primera obra sobre la cual hice una nota y, sinceramente, originó mi admiración hacia Matías Gorlero y quedé dispuesta a ver todos y cada uno de sus trabajos posteriores-, "Versos para convocar homicidas" de David Gaitán e "Infieles" de Marco Antonio de la Parra -otro gran trabajo-.  Además de la dirección escénica, en ALGO SOBRE UNA PAREJA Y UN HIJO, Matías Gorlero asume también la escenografía y la iluminación, junto con Jesús Arroyo.  La escenografía es sencilla pero funcional y la iluminación está bien impartida.  En cuanto a la dirección escénica, en esta ocasión, Matías tiene aciertos y desaciertos.  Aprovecha bien el espacio escénico y ofrece un buen desplazamiento de sus actores. 
 
En los cambios de escena, hace que los propios actores cambien el mobiliario en forma ágil y ocurrente.  Para el montaje optó por no "mexicanizar" el texto, con lo cual hace más difícil la comprensión del mismo al dejarlo ubicado en Argentina, como lo es en su versión original.  Esto quizá obedezca a restricciones impuestas por la autora, pero muchos de los espectadores se preguntarán qué quieren decir una que otra palabra, tales como "orto" que en México no es utilizada en forma alguna.  En cuanto a sus actores, aparentemente, los deja libres y el resultado es que unos hablan con acento argentino y otros no -en todo caso, habría que uniformarlos en pro de la consistencia-, y Marianella Cataño (Mariela), no parece una chica joven impetuosa, sino una desubicada, bastante alocada y chismosa.
 
El elenco está conformado por Micaela Gramajo (Carolina), Ernesto Álvarez (Mariano), Lorena Abrahamsohn (Patricia o Pato) y Mariannela Cataño (Mariela). El personaje de Ramiro, la pareja de Patricia es interpretado por un actor invitado en una o varias funciones.  En la que se reporta fue Gastón Yáñez.   Entre ellos, la única que destaca es Micaela Gramajo, quien se compromete con su personaje y refleja la gran indecisión en la que vive.  Los demás ofrecen interpretaciones de nivel medio, con excepción de Marianella Cataño que se excede en su personificación.
 
El resto del equipo creativo está integrado por Mario Marín en diseño de vestuario,  Sabino Paz en composición de bajos y guitarras,  Juan "Cubas" Fridman en guitarras, José Jorge Carreón en fotografía,  Zaira Concha en asistencia de dirección,  Mar Y Sol Rodríguez Sosa en la producción ejecutiva,  y  Sandra Narváez en difusión y prensa.
 
ALGO SOBRE UNA PAREJA Y UN HIJO ofrece un texto plano, una no muy atinada dirección y actuaciones no sobresalientes, pero de cualquier forma es posible que usted desee saber en qué termina esta historia de cosas que no se quieren pero se aceptan por inercia.  Siempre es bueno ver el comportamiento ajeno y tratar de imaginar cómo podrán resolver los problemas que ellos mismos se han buscado.
 

 

ALGO SOBRE UNA PAREJA Y UN HIJO se presenta los viernes a las 20:00 horas, los sábados a las 19:00 horas y los domingos a las 18:00 horas en el TEATRO BENITO JUÁREZ, ubicado en Villalongín N° 15, Colonia Cuauhtémoc, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.  El teléfono es:  5592 7389.   La obra tiene una duración de 70 minutos.  Estará en cartelera hasta el 25 de mayo de 2014.
INTERVENCIONES, íntima y escalofriante búsqueda del pasado
 
 
Eugenia Galeano Inclán
5 de mayo de 2014
 
 
Cuando alguien busca un lugar donde vivir, toma en cuenta la ubicación, el costo de la vivienda, la accesibilidad a medios de transporte y, tal vez, la clase de comercios a los que puede llegar a pie. Lo que nadie puede prever es con qué tipo de vecinos habrá de encontrarse.  Lo cierto es que en este rubro hay un sinfín de posibilidades, los que no saludan, los platicadores, los amables, los acomedidos, los molestosos, los criticones, los aprovechados, los alegres, los sombríos, los que siempre tienen fiesta, los que espían y, en el peor de los casos, aquellos que están mal de sus facultades mentales.
 
Por lo tanto, un inmueble que a alguien le parezca idóneo por ajustarse a sus necesidades, pudiera convertirse en su peor pesadilla si tiene a uno o más vecinos indeseables.  Hugo Wirth plasma en INTERVENCIONES algo sobre convivencia en sociedad.  A partir de la fundación de la compañía El Manatí Rosa Colectivo Escénico, el objetivo de Hugo Wirth ha sido generar proyectos propios mediante laboratorios escénicos, cuyo resultado sean obras originales con un discurso estético definido.  Luego de tres años de intensa labor independiente, en octubre de 2012, salió a la luz INTERVENCIONES, misma que a la fecha lleva más de 70 representaciones en diversos foros.
 
Al tener como consigna que los trabajos emerjan de laboratorios, prefieren llevarlos a escena en foros que no sean convencionales y es por ello que INTERVENCIONES se ha presentado en dos departamentos distintos, para ahora llegar a un inmueble que se utiliza como galería y taller de artes plásticas.  Este recinto de construcción antigua es utilizado por primera vez para albergar una obra de teatro.
 
INTERVENCIONES versa sobre Martín, un joven en busca de su pasado.  Desde temprana edad fue separado de su madre por el abuelo.  Al fallecimiento de éste, Martín decide localizar a su madre, se entera de que ha muerto y, de sus indagaciones, ubica el departamento donde ella vivió y decide visitarlo.  Para su sorpresa, ve que el mismo es ofrecido en renta.  La acción comienza cuando Martín pide al casero que se lo dé en arrendamiento.  Rafael, el casero, tiene una hija, Viridiana, quien desde el primer momento se siente atraída hacia Martín.  Es Viridiana quien convence a Rafael de dejar que Martín arriende el departamento.
 
En tanto que la primordial intención de Martín es descubrir cosas del pasado de su madre, lo único que Viridiana desea es lograr que él la ame.  Ambos llegan a la obsesión en sus respectivos propósitos.  Martín casi enloquece buscando pistas y descifrando acertijos.  Encuentra pequeños trozos de papel con mensajes y considera que si los reúne todos habrá de obtener respuestas.  Viridiana lo acosa implacablemente hasta el grado de hartarlo, sólo que Martín no lo expresa, porque es de buenos sentimientos y  no quiere hacerle daño ni desilusionarla. .En forma alterna en el departamento comienzan a ocurrir lo que podrían considerarse fenómenos paranormales, por ejemplo, cosas que cambian de lugar, mientras que el espectador podrá ver a anteriores inquilinos del lugar.
 
El texto de Hugo Wirth es de buena factura, bien estructurado, crea a sus personajes como piezas de rompecabezas que el espectador tendrá que ir colocando en su lugar para tener un mejor entendimiento de la historia, con lo cual se mantiene el interés de inicio a fin.   En lo que respecta a su labor de dirección, Hugo Wirth en forma acertada mantiene un ritmo preciso para enlazar todas las acciones alternas y dar la apropiada continuidad.  Aprovecha muy bien el espacio y lo integra a la historia en forma admirable.  Utiliza el realismo en cuanto a que los bofetones no son truqueados.  Aun cuando las puertas son antiguas, de madera ya hinchada y vencida por el tiempo, hace que su elenco las abra y las cierre para un mejor desarrollo.
 
El elenco está conformado por:  Jorge Cassal (Rafael),  Alexa Martín (Viridiana),  Eynar Villanueva (Martín),  Claudia Wega (Claudia),  Gabriela Moncada (Gaby)  y  Jazmín Arizmendi (Verónica), de entre quienes sólo destaca Jorge Cassal dando vida a Rafael, el casero, atinadamente, a pesar de la complejidad de éste.  A los demás actores les falta experiencia histriónica, si bien, se esfuerzan y sacan adelante a sus personajes.
 
La asistencia de producción fue encomendada a Cecille Zepol y la prensa y difusión a Sandra Narváez.
 
No pierda la oportunidad de ir a ver INTERVENCIONES, en un ambiente íntimo usted podrá presenciar fragmentos de la vida de cada uno de los personajes que han habitado un antiguo departamento, además de que enterarse en qué terminan la búsqueda de Martín y las ilusiones de Viridiana.

 
INTERVENCIONES
se presenta los sábados a las 19:00 horas y los domingos a las 18:00 horas en
ESPECTRO ELECTROMAGNÉTICO
ubicado en Joaquín García Icazbalceta N° 31,
colonia San Rafael,
Ciudad de México (Metro San Cosme).
La temporada es del 3 de mayo al 1° de junio de 2014.
LA DANZA CIRCULAR DE MARÍA
 
Eugenia Galeano Inclán
1° de mayo de 2014
 
 
Para lograr estabilidad física y mental lo más recomendable es no dejar asuntos pendientes, toda vez que esto provoca una ansiedad tal en el ser humano que lo va desgastando en todos aspectos.  Es por ello que los terapeutas piden a sus pacientes que cierren las puertas que hayan dejado abiertas a lo largo de su vida y que avancen sin mirar atrás.  A esto se le llama cerrar círculos.  La mejor manera de liberar el alma y evitar la amargura que deriva de un perdón no otorgado, una despedida no dada, una palabra no dicha a tiempo o dejar un asunto inconcluso es encontrar la forma de finiquitarlo, es decir, cerrar el círculo.
 
Sin embargo, no hay nada que hacer cuando un círculo no puede ser cerrado.  No queda otra que caminar en círculos y volver en forma reiterada a aquello que no se pudo concluir.  Esto es lo que ocurrió a una madre colombiana, mujer creyente, de mente sencilla y naturaleza alegre que gusta de la música y el baile, cuya historia queda plasmada en LA DANZA CIRCULAR DE MARÍA.
 
Medardo Treviño, autor tamaulipeco, hombre preocupado por el bienestar social y la justicia, así como detractor de la impunidad, quedó impactado al leer una noticia sobre una masacre ocurrida hace pocos años en la población de San Fernando, Tamaulipas, en donde integrantes del grupo conocido como los Zetas emboscaron dos camiones ocupados por inmigrantes que provenían de Centro y Sudamérica.  Una vez sometidos, les pidieron dinero para liberarlos.  Al ver que no podían pagar, los asesinaron a sangre fría, para luego abandonar los cadáveres.  El hecho fue relatado por un sobreviviente que fue el único que logró escapar.  
 
Esta  deplorable matanza inspiró a Medardo Treviño para escribir LA DANZA CIRCULAR DE MARÍA.  Medardo opta por denunciar los hechos recreándolos, no para erigirse como juez, sino para dar vida y voz a dos personajes -una víctima y un victimario- que van expresando sus vivencias, temores, ilusiones, aquello que los ha marcado, para finalmente sacar a la luz el lado humano de cada uno de ellos.  Es así como Medardo, con gran sensibilidad, concibe los diálogos que conforman LA DANZA CIRCULAR DE MARÍA, una obra fuerte, impactante, de buena factura.
 
Víctor Carpinteiro toma la estafeta lanzada al aire por Medardo Treviño y lleva a cabo el montaje de LA DANZA CIRCULAR DE MARÍA en un escenario tipo pasarela de diseño sencillo a base de madera, que ubica en forma precisa el confinamiento de ambos personajes en una cabaña de San Fernando.  La puesta en escena se basa en la fuerza del texto de Medardo Treviño y en la calidad histriónica del elenco que atinadamente seleccionó Víctor.  En su labor de dirección escénica Víctor brinda continuidad y ritmo en forma admirable, captando el interés del espectador en todo momento.
 
Ángeles Marín y Javier Escobar ofrecen trabajos actorales impresionantes.  Comprometidos con el proyecto, aceptan el reto de personificar a seres complejos y salen airosos.  Ángeles Marín presta alma y corazón a María para darle vida y mediante su lágrimas transmite todo el dolor y sufrimiento que la aqueja, mientras que Javier Escobar, por su parte, interpreta a un victimario de recio carácter con muchas confusiones, pero más que dispuesto a matar por la "causa" o por lo que sea.
 
Aportan también su creatividad al montaje:  Mónica Kubli, en escenografía e iluminación,  Claudia Frías, en asistencia de dirección,  Alonso Quijano, en Vestuario,  Juan Bautizta, en Fotografía,  Augusto Pedraza, en Musicalización,  Alicia Garzón, en Relaciones Públicas y Difusión,  y  Diana Cardona, en Asesoría de lenguaje y baile.
 
LA DANZA CIRCULAR DE MARÍA es imprescindible, teatro que impacta, conmueve, dignifica e invita a la reflexión.   Un montaje con todo a su favor, texto muy interesante, fluida dirección y actuaciones entrañables. No pierda la oportunidad de ver esta puesta en escena tan disfrutable.
 
LA DANZA CIRCULAR DE MARÍA se presenta los jueves a las 20:30 horas en EL CÍRCULO TEATRAL, ubicado en Avenida Veracruz N° 107, colonia Condesa, Ciudad de México.
HEIMWEH
estaciones
 
Eugenia Galeano Inclán
28 de abril de 2014
 
 

La problemática de las relaciones humanas es el tema principal de HEIMWEH estaciones. El fenómeno de la soledad se incrementa día con día, no importa si alguien reside en una gran ciudad o en un pequeño pueblo, encontrar a alguien con quien compartir la vida entera resulta cada vez más difícil. Los jóvenes contemporáneos tienen distintas perspectivas a aquellas que tenían nuestros abuelos. Antes, les fuera bien o les fuera mal, se apegaban fielmente a la consigna de "hasta que la muerte nos separe". En la actualidad, ante cualquier problema, sea grave o no, la juventud opta por terminar la relación y seguir adelante.

En el caso particular de HEIMWEH estaciones, se narra la historia de Sol -mexicana- y Jakob -austriaco-, quienes en un determinado momento de sus vidas se encuentran entre millones de seres, se enamoran y deciden unir sus vidas mediante el vínculo matrimonial. Dan inicio a su relación en México, para luego emprender la aventura de tener nuevas experiencias y oportunidades. Viajan a España, pero les es imposible conseguir trabajo, por lo que se trasladan al país donde él nació, al menos, ahí se le facilita obtener un empleo con ayuda de sus contactos y conocidos. De este modo, resuelven el aspecto económico, pero a Sol los días le parecen interminables, ha supeditado su vida a la de Jakob y durante toda la jornada laboral, ella pasa su tiempo mirando al reloj y al pendiente de que la puerta se abra para tener compañía. Aun cuando ambos sienten amor profundo el uno por la otra, a Sol comienza a aquejarle el HEIMWEH que, en nuestro idioma, significa la nostalgia por casa. Extraña su lugar de origen, su vida cotidiana, a sus familiares y amigos, su aspiración de ser escritora. Es como un arbusto trasplantado que no logra captar en otra tierra el oxígeno imprescindible para subsistir. El título HEIMWEH estaciones alude a los cuatro capítulos en los que se divide la historia: Invierno, Primavera, Verano y Otoño.

Jakob hace su mejor esfuerzo para tratar de que Sol sea feliz, la consiente, inventa actividades -como gozar de un picnic, la lleva a fiestas, le regala una mascota-, pero Sol continúa sintiendo que algo le falta, que está incompleta, que no puede sobrevivir. Jakob, incluso, cultiva una planta de cannabis, sabiendo que a ambos les gusta fumar marihuana. Se divierten, sostienen amenas pláticas, por cierto, bilingües, pues normalmente hablan en español, pero en ocasiones se comunican en alemán. De hecho, entre ellos, se llaman "schatzi" -cariño-. Pero, ¿qué hacer cuando el HEIMWEH sobrepasa al amor?. Si desea conocer el desenlace de esta historia, tendrá que acudir a ver la obra.

 HEIMWEH estaciones es de la autoría de Myriam Orva, bajo la dirección de Isael Almanza. El texto de HEIMWEH estacionestiene buena estructura, sin miramientos, hace ver la realidad de la pareja formada por Sol y Jakob, manteniendo el interés del espectador, tratando de predecir el final. La labor de dirección por parte de Israel es bastante ágil con adecuado ritmo escénico. El desempeño actoral a cargo de Paulina Sabugal (Sol) y Gonzalo Guzmán (Jakob) es convincente. El programa de mano incluye una sinopsis interesante de leer, escrita por el reconocido dramaturgo Edgar Chías. En esta producción de Colectivo Escénico El Arte, el resto del equipo creativo está conformado por: Paloma de la Riva como productora ejecutiva, Anabel Altamirano como diseñadora escénica, Xicoténcatl Reyes en el diseño sonoro, Daniela Jaimes como asistente de dirección, Distrito Teatral se hace cargo de la difusión y del diseño gráfico, mientras que la fotografía es producto de Israel Almanza y Ricardo Kaká Trejo.

HEIMWEH estaciones resulta recomendable. Siempre es preferible afrontar la realidad que sumergirse en un cuento de hadas, además de que contribuye a lograr una mejor comprensión de las razones o motivos que mueven a los jóvenes de hoy en día, en un mundo donde el contacto cibernético tiene más peso que el humano.  Considerando la buena respuesta del público que tuvo HEIMWEH estaciones en su primera temporada, sus productores decidieron reestrenarla, a fin de brindar una segunda oportunidad a quienes no pudieron ir a verla.

 

 HEIMWEH estaciones

se presenta los domingos a las 18:00 horas

en el Teatro La Capilla, ubicado en

Madrid N° 13, Coyoacán, Ciudad de México

.  Su segunda temporada inició el 27 de abril de 2014 y concluirá el día 15 de junio de 2014.

 
 
 
 
FANDO Y LIS


 Eugenia Galeano Inclán
14 de abril de 2014


Fernando Arrabal, nacido en España, se dedicó a la literatura y a la cinematografía desde muy joven. Poco después de haber cumplido 30 años fundó el Grupo Pánico, junto con Alejandro Jodorowsky y Roland Topor. Pasó tres años en el grupo surrealista de André Breton, con sus amigos Andy Warhol y Tristan Tzara. El carácter irreverente y atre...vido de Arrabal, lo llevó a ser considerado uno de los hombres más peligrosos del país, luego de que tuvo la osadía de publicar una carta dirigida al General Francisco Franco, cuando todavía estaba en el poder. Ser objeto de este tipo de controversias no preocupaban en absoluto a Arrabal.

Es indudable que Fernando Arrabal concibió textos dramáticos de calidad, estructurados y originales, donde imprime su muy particular estilo, toda vez que sus narrativas se caracterizan por sus patéticos personajes y por la crudeza con la que describe las situaciones. Es un dramaturgo prolífico, cuya obra está contenida en dos volúmenes de más de dos mil páginas en la Colección Clásicos Castellanos de la editorial Espasa. Entre sus obras más conocidas se encuentran Picnic, Fando y Lis, Guernica, El gran ceremonial, El jardín de las delicias, El laberinto y Bestialidad erótica.

El joven actor, productor y director de escena, Emmanuel Morales decidió llevar a escena una de las obras de Fernando de Arrabal y es así como surge el actual montaje de FANDO Y LIS. La trama de FANDO Y LIS versa sobre un hombre y una mujer que se conocen en forma casual, a través de su conversación, coinciden en que ambos anhelan llegar a Tar, un paraíso -quizá, imaginario-, donde todo es felicidad y tranquilidad. Una vez determinado el destino, emprenden el viaje hacia lo que, para ellos, es algo así como la tierra prometida. Fando habrá de arrastrar un carrito para llevar a Lis, toda vez que ella no puede caminar bien.

 FANDO Y LIS irán acompañados por los fantasmas de su pasado. Lis tiene un trauma psicológico, a raíz del impacto que le provocó el haber sido violada a temprana edad, además de que sufre de cierta discapacidad física, mientras que a Fando le afectó mucho la muerte de su padre y tiene serios resentimientos hacia su madre, mujer dominante que acostumbraba humillarlo frente a los demás. Estos hechos han desvariado sus mentes, convirtiéndolos en seres disminuidos, incapaces de dar y recibir amor. En su travesía desarrollarán una enfermiza relación de amor-odio, con marcado tintes de sadomasoquismo. Ellos no saben que la felicidad y la paz no se encuentran en un sitio específico, sino en su propio comportamiento y actitudes.

Emmanuel traslada la historia a la época actual, si se toma en cuenta que FANDO Y LIS fue escrita en 1955, cuando aún no nos invadía la tecnología de las computadoras y todavía no se sabía que existirían las iPads o las Tablets, ni las redes sociales. Sin embargo, en su conceptualización, suprime el principio y el final de la obra, con lo cual, no revela los antecedentes de los personajes y deja la historia inconclusa, enfocándose sólo en las complejas personalidades de FANDO Y LIS y su enorme deseo de viajar a Tar. Para quienes no conocen el texto de FANDO Y LIS resulta difícil comprender esta puesta en escena.

El montaje se basa en la visión personal de Emmanuel de FANDO Y LIS, incorporándole el multimedia y la sonorización como apoyo escenográfico, utilizando la iluminación para marcar el foco escénico y bañando todo esto teñido de rojo, tal vez evocando sangre para simbolizar el dolor íntimo de estos atormentados seres. En cuanto a su labor de dirección, demanda de sus actores una corporalidad verdaderamente acrobática, llevándolos a límites insospechados. Acertado el desplazamiento de los actores. En general, imprime buen ritmo, si bien el principio se prolonga demasiado.

María del Carmen Félix (Lis) y Enrique Alguibay (Fando) alcanzan un desempeño sobresaliente, al comprometerse íntegramente con sus personajes y asumir todo el riesgo que conllevan los complicados ejercicios acrobáticos que ejecutan con gran precisión y fluidez.

Hacen una participación especial en el video: Liz Gallardo, Alberto Estrella, Eréndira Ibarra, Hugo Catalán, Edmundo Vargas, Diego de Tovar, Leonardo Mackey, Mario de Jesús, Libia Zamora, Mariana Trejo, Hernán Garza, Khristian Clalusen y Hernán Romo.

El resto del equipo creativo lo conforman: Liz Gallardo, en la producción ejecutiva, Mariana Trejo, en asistencia de dirección, Miguel Lima, en el video, Alma Curiel y Leandro Odone, en fotografía, Vanessa Alguibay, en vestuario, Eliseo Santillano, en diseño de iluminación, El Tiralíneas taller de diseño, en Diseño, II TH- Bepish BTL Art, en la producción, e Idea 360RP, en Prensa.

 FANDO Y LIS es un montaje juvenil, vertiginoso, plásticamente atractivo, realizado con mucha pasión y entrega por parte de todo el equipo. Siempre es interesante estar al tanto de las nuevas tendencias y del rumbo que va tomando el teatro.


 FANDO Y LIS
 
 se presenta los martes a las 20:30 horas
en EL CÍRCULO TEATRAL,
ubicado en Veracruz N! 107,
colonia Condesa,
Ciudad de México.
La temporada es del 15 de abril al 24 de junio de 2014.
ABRASADOS
 
Eugenia Galeano Inclán
8 de abril de 2014
 
 
Durante un viaje de trabajo a Canadá, una fuerte lluvia hizo que Humberto Pérez Mortera buscara un lugar donde guarecerse.  Quiso el destino que lo hiciera en una librería y, por razones obvias, se fue directamente al estante de libros de teatro.  Echó una mirada, seleccionó al azar algunos libros y comenzó a hojearlos.  Uno de estos fue ABRASADOS.  El texto lo atrapó desde el primer momento, compró el libro y confió en que algún día se dieran las condiciones propicias para llevar a escena ABRASADOSen nuestro país.  Poco tiempo después, lo comentó con Hugo Arrevillaga y ambos se aliaron para darse a la tarea de lograrlo.
 
La sexualidad es uno de los temas más trillados en el mundo, se ha escrito mucho sobre cómo tratarla, cómo proveer información a los niños, cómo alertar a los jóvenes para que la ejerzan con responsabilidad, pero pocas veces se habla sobre el despertar sexual en primera persona, involucrando sentimientos, emociones, temores, mitos, creencias, decepciones y todo aquello que conlleva este importante paso en la vida del ser humano.   El actor y dramaturgo francés Luc Tartar ha optado por escribir historias de adolescentes desde su muy particular perspectiva, denota que ha observado cuidadosamente su comportamiento y lo que cada hecho o acción puede detonar en el individuo.
 
Luc Tartar escribe a partir de lo cotidiano, pero desmenuzando cada situación desde lo jocosa hasta lo escabrosa que pueda resultar.  Una de las características que imprime a su escritura es la falta de estructura, si bien relata una historia, ésta no tiene personajes ni diálogos, es más, no utiliza puntuación.  Algo así como si varias personas contaran algo que les ha sucedido y sus voces se alternaran o se atropellaran unas a otras.  Los temas que toca son el amor, el odio, el deseo y la sexualidad, pero también la discriminación, la violencia, la intolerancia.   Lo cierto es que los inexistentes personajes de Luc Tartar hablan sin ambages ni rodeos y dicen lo que viven, sienten y piensan.
 
En ABRASADOS, Luc Tartar juega con palabras, por ejemplo:  abrasados con "s", abrazados con "z", enmarañados, angustiados, a la vez que las utiliza para dar título a cada cuadro escénico, lo cual da muestra de su ingenio para captar el interés de los jóvenes en forma lúdica.  ABRASADOS inicia con un beso en el patio de la prepa.  Se lo han dado Jonathan y Latifa y lo han hecho porque sus sentimientos dictaron que lo hicieran, a pesar de que ambos están conscientes de que el reglamento de la escuela lo prohíbe.  Este beso fue visto por varios alumnos, algunos padres, el director y una ancianita octogenaria. ¿Cuáles son las reacciones? Para saberlo, habrá que ir a ver ABRASADOS.
 
Gran trabajo de traducción de Humberto Pérez Mortera para plasmar la esencia de lo escrito por Luc Tartar y, de este modo, hacer posible que en la obra quede expuesta la esencia con la que fue concebida. Extraordinaria labor de Hugo Arrevillaga para trasladar ABRASADOS a escena, toda vez que, como se comentó antes, al carecer de personajes y hasta de puntuación, tuvo ante sí el reto de organizar las palabras para hacerla interesante y, por tanto, que pueda fluir libremente donde se presente.  Como siempre, Hugo Arrevillaga sale airoso de cualquier reto y, además, realiza una innovación al decidir presentarla al aire libre en un escenario circular. Así mismo, seleccionó a su elenco con base en la diversidad para abarcar distintas razas y diferentes complexiones, con lo cual variedad de personalidades quedan representadas. Cabe hacer notar que este proyecto conmovió tanto a Hugo Arrevillaga que es él quien se encarga de la producción.
 
Si la labor de adaptación por parte de Hugo Arrevillaga es extraordinaria, admirable es su quehacer en la dirección.  Tal como es su costumbre, a través de la sensibilización logra el compromiso total  de sus actores, los envuelve con su poética teatral y  el resultado es que el espectador ve a chicos preparatorianos en su cotidianeidad, corriendo, brincando, jugando, besándose, reflexionando, en fin, sacando a flote sus pensamientos más íntimos. Gracias a esta disciplina y a sus capacidades histriónicas personales, las actrices Isabel Toledo y Mahoalli Nassouru, así como los actores Leonardo Zamudio y Ángel Luna ofrecen un excelente trabajo.
 
Complementan la excelencia del montaje de ABRASADOS con su acertada labor:  Atenea Chávez y Auda Caraza en diseño escenográfico,  Roberto Paredes en la iluminación,  Lissete Barrios en diseño de vestuario  y  Sandra Narváez en prensa y difusión.
 
El eje de ABRASADOS es el despertar a la sexualidad.  Para quienes lo hemos vivido es una oportunidad única de revivirlo, la rememoración de experiencias personales nos ayuda a ubicarnos mejor en el mundo actual.  Para todos los pre-adolescentes y adolescentes a quienes aún no les toca vivirlo, una aproximación lúdica a lo que habrá de suceder.  Una obra escrita con gran sensibilidad , una escenificación donde no se sataniza a nadie, no se critica ni se coarta, sino que se presenta como algo natura por lo que todo ser humano habrá de transitar, sin dejar de lado la advertencia de que esto conlleva posibles riesgos y peligros, como una enfermedad o un embarazo no deseado.  ABRASADOS es la forma ideal de abrir la puerta a que los adolescentes comenten el hecho y hagan preguntas libremente.  ABRASADOS es un deleite para todo tipo de público, en particular, para quienes se encuentran en la pubertad.  Si alguien conoce a un chico que no haya ido al teatro, invítelo, jamás encontrará una mejor forma de acercarlo al hecho escénico.  ABRASADOS es una obra imprescindible.
 
ABRASADOS se presenta del 5 al 27 de abril de 2014 los sábados y los domingos en dos funciones diarias a las 17:00 horas y a las 18:00 horas en la Plaza de la Música del Centro Nacional de las Artes (CENART) ubicado en Río Churubusco y Calzada de Tlalpan, en la ciudad de México (Metro General Anaya).  El viernes 11 de abril de 2014 también darán funciones a las horas indicadas.  La entrada es gratuita.
Complicado montaje
Complicado montaje
 
 
 
 
MAI-SHO-GAKU,
 Trazos de Fuego

 
 
Eugenia Galeano Inclán
7 de abril de 2014


Irene Akiko Iida es la primera mexicana egresada de la Escuela de Arte Takarazuka, en Osaka, Japón. En el año de 1981 ingresó a la Compañía Teatral Takarazuka Kaqueki y, desde entonces, ha participado en más de medio centenar de espectáculos. Además de su dedicación al teatro, ha estudiado danza, logrando especializarse en l...a Danza Kabuki. Durante las festividades para conmemorar el Centenario de la Migración Japonesa en México, debutó en nuestro país como co-autora, directora, coreógrafa y productora del espectáculo musical Juan, el Momotaro, bajo el auspicio de una beca del FONCA. Se le conoce a raíz de su participación en la obra teatral El Automóvil Gris de la Compañía Teatro de Ciertos Habitantes, bajo de la dirección de Claudio Valdés Kuri.

Orgullosa de sus orígenes y con el anhelo de difundir el arte del milenario oriente, Irene Akiko ha puesto en práctica sus conocimientos histriónicos y dancísticos para crear MAI-SHO-GAKU, Trazos de Fuego, un espectáculo pleno de esplendor, color, ritmo y plasticidad, con base en el teatro Kabuki, donde conjunta diversas disciplinas de danza japonesa -Kabuki, Buyp y Butoh-, con un vestuario de gala con una espectacularidad pocas veces vista, a todo esto, le añade la caligrafía tradicional de signos, con lo cual crea un entorno lleno de simbología nipona.

El título da idea de MAI-SHO-GAKU, Trazos de Fuego, toda vez que, según el programa de mano, Mai significa danza, Sho caligrafía y Gaku música. El objetivo de Irene al concebir este espectáculo es crear un espacio libre de abstracción y riqueza visual , en donde ocurre una lucha interna que liberará la conciencia de un joven monje, El bonzo, a través de la disciplina "Shodo" -el arte de la escritura de ideogramas- convocará a fuerzas elementales y a deidades de oriente para, con sus trazos, provocar que encarnen los opresores de su mente, que no son otros que sus propios medios y debilidades.

El elenco está conformado por la propia autora Irene Akiko Iida (Elemental de Agua y Fude), Arturo Tames (Elemental del Fuego y Sumi), Alejandro Méndez (Fujin -músico), Naboko Kobayashi (Raijin -músico), Berenice Contreras (Bonzo) y Víctor Báez (Kuroko). Equipo muy comprometido que ofrece su experimentada ejecución en las artes dancísticas, musicales y caligráficas.

Acuda a ver MAI-SHO-GAKU, Trazos de Fuego, espectáculo visualmente hermoso con una simbología entrañable y vestimentas extraordinarias, donde la música y la danza están presentes en todo momento, al mismo tiempo que brinda la oportunidad de observar en forma directa la confección de la complicada caligrafía japonesa, o bien, la forma en que se puede plasmar en un lienzo un árbol de cerezos en flor.

 
MAI-SHO-GAKU, Trazos de Fuego
se presenta en el TEATRO EL GALEÓN
del Centro Cultural del Bosque,
ubicado en Reforma y Campo Marte, en la Ciudad de México (Metro Auditorio)
  jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas
y domingos a las 18:00 horas
La temporada es del 3 al 13 de abril de 2014.
EL MATRIMONIO PALAVRAKIS


 Eugenia Galeano Inclán
25 de marzo de 2014


 Así como en la iglesia, en importantes conmemoraciones se celebran misas de tres ministros, pareciera ser que en el teatro también se puede dar esta particularidad. Para EL MATRIMONIO PALAVRAKIS, Laura Uribe, Antonio Salinas y Marianella Villa deciden colaborar en la puesta en escena. Un trío conformado por personas formadas e...n distintas disciplinas, con su acervo de logros individuales. Laura Uribe se caracteriza por reflejar en escena el aspecto humano de los personajes, Antonio Salinas es bailarín de carrera, coreógrafo reconocido a nivel mundial y docente admirado, A Marianella Villa se le conocer por su entrega de cuerpo y alma a cualquier proyecto. Además de aportar cada uno de ellos su talento, su bien ganada experiencia a través de sus respectivas trayectorias y su propia poética personal, Laura aporta su sensibilidad, Antonio su visión coreográfica y Marianella su intensidad.

Para su unión, estos tres talentos eligieron un texto de la escritora, directora de escena y actriz española Angélica González, cuyo nombre artístico o seudónimo es Angélica Liddell. Angélica nació en la ciudad de Figueras, al extremo noreste de Cataluña y comenzó desde niña a escribir historias trágicas, como una forma de eludir la soledad que sentía por ser hija única y tener que vivir en cuarteles militares a causa de la carrera de su padre. Entre sus anécdotas personales, se ufana de haber sido bautizada en la misma pila que el famosísimo Salvador Dalí.

Angélica Liddell estudió en el Conservatorio de Madrid, para después obtener su licenciatura en Psicología y Arte Dramático. Debutó como dramaturga en el año de 1988 con la pieza "Greta quiere suicidarse", misma que le valió su primer premio, eslabón inicial de los muchos reconocimientos que ha ido recibiendo a lo largo de su trayectoria. En la actualidad, se le respeta y se le admira. Entre sus múltiples galardones, destacan el Premio Nacional de Literatura Dramática en 2012 y el León de Plata de la Bienal de Teatro de Venecia en 2013. Como actriz, Angélica Liddell es un icono en el teatro de vanguardia europeo.

Aparte de la dramaturgia, ha incursionado en la narrativa y la poesía y también ha realizado performances. La característica que predomina en la obra de esta insigne autora es sacar a flote lo más oscuro del alma humana e la realidad contemporánea. Su obra transmite soledad, desasosiego, humor ácido y chispazos de felicidad momentánea. Leer o ver sus textos es como tener la oportunidad de abrir la caja de pandora y descubrir la podredumbre. En sus historias están presentes la brutalidad, la violencia, la muerte, por lo que las mismas no son fáciles de digerir, carecen del pudor de los seres comunes y corrientes, pudieran ser aberrantes y tal vez inciten a mirar hacia otro lado, pero es innegable que esa corrupción de sentimientos existe y no desaparece con tan sólo dejar de verla.

Lo más formidable de la puesta en escena de EL MATRMONIO PALAVRAKIS es que Laura Uribe, Antonio Salinas y Marianella Villa logran ensamblar en forma precisa y atinada sus respectivas percepciones y el resultado es un montaje visualmente muy atractivo de aquello que no se quisiera ver. Con escasa escenografía y abundante utilería hacen un retrato crudo pero fiel de la vida de EL MATRIMONIO PALAVRAKIS, en donde lo principal es el desempeño actoral de quienes los representan para dar credibilidad a la historia.

Un texto complicado que aun cuando desde el principio anuncia lo que habrá de pasar, mantiene el interés, no por saber lo que sucederá sino por cómo habrá de ser el desenlace. Elsa y Mateo Palavrakis se conocen desde niños, ambos odian a sus padres y hasta planean asesinarlos. En esta empatía de odio, deciden casarse. Mientras que Mateo es un ser depresivo que quisiera desaparecer y, por ende, no le atrae la idea de reproducirse, Elsa anhela parir un hijo tras otro. Quiso el destino que sólo tuvieran una hija: la hermosa y dulce Cloe, tan bella que provocaba admiración y/o envidia en todo aquel que la conociera.

El entretenimiento de Elsa y Mateo es participar en concursos de baile, a pesar de que nunca logran ser los ganadores. Quizá, por ser tan autocríticos sienten que merecen el castigo de escuchar que otros los superaban en la pista de baile. Casi imposible adentrarse en la tortuosidad de lo que realmente pensaban Elsa y Mateo. Desde el momento en que nació la preciosa Cloe, Elsa no dejaba de pensar en la muerte de su primogénita. Para Elsa es una especie de terapia atraer acontecimientos fatídicos, de esos que hacen tomar conciencia de la propia podredumbre. Se siente rodeada de vientos y fantasmas. En cambio, Mateo solía hablar con su hijo nonato, a través del vientre de Elsa embarazada, para preguntarle: ¿deseas venir al mundo? y advertirle que en este mundo no hay felicidad y que abundan los hospitales, las cárceles y los manicomios.

Laura Uribe refrenda sus éxitos anteriores y realiza una labor de dirección impecable, con excelente ritmo escénico. Un montaje pleno de agilidad, sorpresas y atracción, si bien ligeramente alargado al final. Así mismo, Laura tiene una buena intervención en su papel de narradora. Por su parte, Antonio Salinas y Marianella Villa ofrecen los mejores trabajos histriónicos que se les conocen hasta esta fecha. Desde hace tiempo, Laura Uribe y Marianella Villa han unido sus talentos para formar una mancuerna estupenda, basta recordar "Fragmentos de un discurso express", que les valió varios reconocimientos. Sería interminable rememorar los extraordinarios trabajos de baile y coreografía de Antonio Salinas, pero como actor no puede dejar de mencionarse su labor en la entrañable "Llenando el vacío" de Alicia Sánchez.

Además de Antonio Salinas y Marianella Villa actúan en EL MATRIMONIO PALAVRAKIS: Omar Guadarrama, Uriel Ledesma, Viridiana Lozada, Dulce Mariel, Myrna Moguel y Adrián Román, quienes conjuntan un ensamble bien coordinado y eficaz, en apoyo de los protagonistas y del montaje en sí. Independientemente de ellos, también participan algunos espectadores elegidos mientras esperan en el lobby su ingreso al foro, toda vez que habrán de interactuar con el elenco.

La encomiable y acertada labor de apoyo es producto del resto del equipo creativo, mismo que está integrado por: Teatro en Código en la producción, Juan Carlos Saavedra, en la producción ejecutiva, Martha Benítez, en la iluminación, Naomi González Kahn, en el diseño de vestuario, Zánchez, en el diseño y la realización de máscaras, Zaba Zantcher, en fotografía y audiovisuales, Carlos Cáceres, Héctor Luna y Luis Torres son los músicos que se presentan en vivo, Carlos Cáceres y Héctor Luna son los encargados de la composición musical original. La creación del montaje y la investigación escénica fueron suministrados por Laura Uribe, Antonio Salinas y Marianella Villa.

Teatro vanguardista, coreografía de principio a fin, corporalidad extrema, estupenda plástica, ingenio y precisión están presentes en EL MATRIMONIO PALAVRAKIS. No deje de verla, la temporada es muy corta. Solamente restan cuatro funciones.

EL MATRIMONIO PALAVRAKIS se presenta el jueves 27, el viernes 28, el sábado 29, el domingo 30 y el lunes 31 de marzo, en el TEATRO EL GALEÓN de la Unidad Cultural del Bosque, atrás del Auditorio Nacional, ciudad de México, Las funciones de jueves, viernes y lunes a las 20:00 horas, la del sábado a las 19:00 horas y la del domingo a las 18:00 horas.
El teatro es "Aqui y ahora", claro
El teatro es "Aqui y ahora", claro

AQUÍ Y AHORA

Eugenia Galeano Inclán
21 de marzo de 2014

 

Un teatro que estuvo cerrado por casi tres décadas es reabierto para el público capitalino.  El recinto quedó prácticamente inservible a consecuencia del terremoto sufrido en el año de 1985, por razones desconocidas nadie se dio a la tarea de reconstruirlo sino hasta ahora, en que Mariana Garza y Pablo Perroni decidieron asumir el rol de empresarios para remodelar y adaptar el inmueble y, con ello, cumplir un sueño que ambos habían acariciado desde hace diez años: crear un nuevo espacio teatral en la ciudad de México.

Para este cometido, Mariana y Pablo se asociaron con la empresa Teletec, comandada por David Alexander-Katz y Enrique Lask, a quienes encomendaron el suministro de la tecnología más avanzada en cuanto a audio, iluminación y mecánica escénica.  Así mismo, para el diseño arquitectónico, convocaron al escenógrafo Sergio Villegas.  El recinto cuenta con cuatro pisos.  En la planta baja se ubica el Teatro Milán con un aforo de 260 localidades;  en el primer piso se encuentran los servicios;  en el segundo piso está el denominado Liceo Milán Lucerna, espacio que tiene dos funciones distintas, ya que se utilizará para salón de ensayos, así como para la impartición de talleres sean de actuación y de canto o de producción, audio e iluminación, a fin de abarcar lo artístico y lo técnico;  finalmente, en el tercer piso, se localiza el Foro Lucerna que alberga 140 butacas.

Por ahora, la maquinaria teatral y la docencia han sido bien planeadas y quedan cubiertas.  El público se sentirá cómodo y tendrá una espléndida isóptica para disfrutar las obras que se presenten, pero esa comodidad comienza a partir del momento en que ocupe su butaca, toda vez que el punto no contemplado es una cálida recepción a los asistentes.  Si bien, cuentan con valet parking y con elevador, los espectadores habrán de esperar en la calle hasta que llegue la hora en que se les permita el acceso al teatro y, una vez que ocurra esto, habrán de apiñarse en los muy pequeños lobbies del Teatro Milán o del Foro Lucerna.

La inauguración del Teatro Milán se llevó a cabo con la comedia musical Godspell producida por Juan Torres, Guillermo Wiechers y Freddy Ortega, bajo la dirección de Lorena Maza, mientras que la apertura del Foro Lucerna es con la obra AQUÍ Y AHORA, de la autoría de la dramaturga quebequense Catherine-Anne Toupin, bajo la dirección de Hugo Arrevillaga.

AQUÍ Y AHORA es un texto bien estructurado e interesante de principio a fin, de particular complejidad.  Un recorrido por los vericuetos que toma la mente humana frente a hechos dolorosos o situaciones incomprensibles que no son fáciles de aceptar. 

El tema versa sobre dos familias que viven en el mismo edificio, cuyos departamentos son iguales pero al revés.  A partir de esta paradoja, la autora concibe una especie de espejo en donde habrán de reflejarse la similitud y la diferencia, cuya concavidad y convexidad provocará que el espectador comience a hacer sus propias conjeturas sobre la realidad y lo imaginario cuando el AQUI Y AHORA se confunden con el allá y entonces. ¿Será cierto que escuchamos lo que queremos escuchar y vemos lo que queremos ver?

Benito y Alicia apenas tienen seis meses de vivir en su departamento.  Con tan solo tres años de matrimonio, la ilusión de tener un nuevo hogar les es coartada por el fallecimiento de su bebé.  Cada uno de ellos lleva el duelo en forma distinta.  Mientras que Benito se refugia en su trabajo, a Alicia le ha entrado la apatía, ya no le gusta salir a la calle y a menudo escucha el llanto de su bebé, lo cual le altera sobre manera. Aún se aman, pero el dolor los ha distanciado.  En el departamento de enfrente viven Gil y Julieta, ambos ya de edad, con su hijo Francisco, a quien ambos tachan de estúpido.  Ellos también perdieron a un hijo y siempre han pensado que su primogénito fue el único de quien ellos deben sentirse orgullosos.  El hecho de que ambas parejas hayan sufrido una pérdida semejante ¿hará que se comprendan mejor y que encuentren apoyo los unos en los otros?

Hugo Arrevillaga sale airoso al dirigir una obra de corte muy distinto a aquellas que él suele comandar.  Una muestra más de que el talento, la sensibilidad y la poética no tienen por qué delimitarse a ciertas áreas o costumbres.  Al igual que siempre, conduce de la mano a sus actores, a quienes motiva para extraer lo mejor de sus capacidades y lograr así el lucimiento de todos y cada uno en escena. De nuevo, un trabajo sobresaliente de este gran director mexicano.

Mariana Garza es Alicia, Pablo Perroni es Benito, Marco Antonio Silva es Gil, Concepción Márquez es Julieta y Antón Araiza es Francisco.  El trabajo actoral de todos y cada uno de ellos es convincente y digno de admiración, sobre todo, porque es más fácil dar vida a seres comunes que a personas atormentadas.  Sobresale el desempeño de Mariana Garza como la afligida madre joven que trata de seguir adelante, rechazando un cierto grado de culpabilidad que pesa en su corazón.  Mariana tiene la suerte de interpretar un papel envidiable para cualquier actriz por todos los matices que conlleva su situación, así como el privilegio de haber sido dirigida por una persona con tanta sensibilidad como Hugo Arrevillaga.  También se destaca el trabajo de Antón Araiza, quien en forma muy natural sortea todos los altibajos de su personaje. 

Complementan el equipo creativo, con trabajos por demás acertados:  Humberto Pérez Mortera en la traducción,  Auda Caraza y Atenea Chávez en el diseño escenográfico y de utilería,  Roberto Paredes en la iluminación,  Jerildy Bosch en el vestuario,  Hugo Arrevillaga y Ariel Cavallieri en la musicalización,  Icunacury Acosta en prensa y difusión.

Buen teatro, digno de verse.  AQUÍ Y AHORA es para pensarse y para ser comentada.  Extraordinaria labor actoral y magnífica dirección, además de la oportunidad de conocer un nuevo espacio en la urbe capitalina.

AQUÍ Y AHORA se presenta los viernes a las 20:45 horas,  los sábados a las 19:00 horas y a las 21:00 horas  y  los domingos a las 18:00 horas, en el FORO LUCERNA, ubicado en Lucerna N° 64, esquina con Milán, colonia Juárez, en la ciudad de México.  La temporada es de seis semanas, es decir, concluye el 27 de abril de 2014.

ESTRELLAS
 
 
Eugenia Galeano Inclán
16 de marzo de 2014
 
 
Antes de cumplir los treinta años, la dramaturga alemana Anja Hilling escribió su primera pieza teatral, con la cual no sólo consiguió ser invitada en el año 2003 al más importante concurso de jornadas teatrales que se realiza en Berlín, sino que fue galardonada con el Premio para Jóvenes Autores Dramáticos auspiciado por un conocido banco de Alemania.  En el mismo año, Anja Hilling fue seleccionada para una Residencia Internacional en el Royal Court Theatre de Londres.  Dos años después, estrenó "Mi joven corazón idiota" y "Monzón".  Para el 2006 fueron puestas en escena "Bulbus", "Estrellas", Protección, "Ángel", "Sentido" y "Negro Animal Tristeza".
 
Una de las temáticas abordadas por Anja Hilling en su obra es la juventud contemporánea. Anja acostumbra exponer sin ambages la forma de vida juvenil, habla de amor, de drogas, de comportamientos, de ilusiones y anhelos, así como de frustraciones o arrepentimientos.  Gusta de explorar todo tipo de técnicas para hacer que sus personajes hablen por sí mismos.  Por ejemplo, en ESTRELLAS, acudió al haiku -poemas cortos japoneses-.  El haiku es considerado en Japón como la esencia espiritual que lleva hacia la poesía pura, lo cual propicia que el poeta logre fusionarse con la naturaleza.  El haiku es una de las composiciones más difíciles que existen, toda vez que es una forma lírica que permite sólo diecisiete sílabas en tres versos para expresar una sensación o una verdad poética, cuyas principales características son la concisión y la síntesis.  Según los maestros japoneses, el haiku sólo puede emerger de un momento de gracia y de inspiración.  Se dice que con el haiku el lenguaje es pasado por un tamizador a fin de extraer el mayor jugo posible de cada vocablo y que, en ocasiones, los silencios pesan más que las palabras.
 
La trama de ESTRELLAS gira en torno a cuatro amigos, Antón, Susana, Kalle y Jana.  Como todo joven, están ávidos de explorar emociones, igual prueban drogas que cometen infidelidades sin sentir culpa alguna, tan sólo con el afán de "comerse" al mundo.  Aparte de la amistad que los une, se coquetean los unos a los otros.  Son chicos de buenos sentimientos, pero su ingenuidad hace que no alcancen a comprender a fondo que, por lo general, toda acción tiene consecuencias y que ciertas nuevas experiencias pueden desembocar en un colapso.  En esta reunión de amigos, bajo los influjos del LSD, a la luz de la luna y las estrellas, Susana sufre un accidente fatal, a partir del cual los demás tratarán de determinar si se trató de un descuido involuntario o si lo hizo a propósito.  Además de lo interesante que resulta esta historia de principio a fin, el texto es poético, plagado de metáforas y la narrativa es tan vívida que lleva al espectador a evocar sensaciones, tales como treparse a un árbol, morder una manzana, acariciar la hierba, sentir un vacío o un desconsuelo, estar en una encrucijada, observar un cielo estrellado ... "cada vez que explota una estrella, muere un amor".
 
Hugo Arrevillaga, al igual que siempre, aplica su poética personal para desempeñar su labor de dirección en ESTRELLAS.  Con toda sensibilidad, Hugo se ha especializado en hacer verdaderas tomografías del alma humana, toda vez que logra plasmar en escena los sentimientos más íntimos de los personajes en forma fiel y precisa.  Hugo no requiere de grandes producciones, con escenografías cada vez más sencillas -para ESTRELLAS, le basta un cubo de madera práctico y multifuncional-, su apuesta es por la capacidad histriónica de su elenco.  Su objetivo es sacar a relucir las mejores cualidades del trabajo oral, de expresión facial y corporal de los actores, e impone un ritmo escénico fluido y cronometrado.  Su labor es digna de encomio, exacta, impecable y de gran belleza plástica visual. 
 
De la mano de este gran director, el trabajo actoral de Pamela Almanza (Susana), Edgar Valdez (Kalle), José Juan Sánchez (Antón)  y  Abril Pinedo (Jana) es convincente y entrañable.  Es grato ver que han aprovechado bien la oportunidad de trabajar con uno de los mejores directores escénicos de nuestro país.
 
El resto del equipo está conformado por:  Birte Pedersen, en la traducción,  Atenea Chávez, en el diseño de escenografía,   Roberto Paredes, en el diseño de iluminación,  Lissette Barrios, en el diseño de vestuario,  Miguel Durán, en el diseño gráfico,  Ariel Cavalieri y Hugo Arrevillaga, en la musicalización.  Abril Lara, en la asistencia de dirección  y  Sandra Narváez, prensa y difusión.  Todos ellos desempeñando una muy acertada labor.  La gestión de derechos de autor fue tramitada por Humberto Pérez Mortera y la Licencia fue otorgada por la agencia Felix Bloch Erben, representada por Hartmut Becher.
 
ESTRELLAS  se presenta los sábados, a las 19:00 horas, en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en Avenida Revolución N° 1500, colonia Guadalupe Inn, ciudad de México. La duración de la obra es de 55 minutos y el costo del boleto es de $150.00
 
 
 
 
UNPLUGGED EN LA OBSCURIDAD
 
Eugenia Galeano Inclán
27 de febrero de 2014
 
La creatividad es algo anhelado, pero difícil de conseguir.  Sin embargo, cuando se logra, ésta puede ser contundente.  Tal es el caso de UNPLUGGED EN LA OBSCURIDAD, un obra escrita con talento que resulta creativa, innovadora y reflexiva.
 
El joven autor Paco Reyes, originario de Oaxaca, cursó estudios de dramaturgia en México y en Argentina, para luego complementar su actividad como dramaturgo con otras labores relacionadas como dirección escénica, asistencia de dirección, actuación, diseño de vestuario, producción, pedagogía y docencia, así como a escribir y/o leer cuentos, ser cantante, cocinero, gestor, dibujante, coordinador y fotógrafo.  En el año de 2007 se fundó la Compañía Teatro Ciego, primera en México cuyo objetivo es permitir que personas con discapacidad visual puedan expresar su arte en el teatro.  Para cada proyecto, quienes integran este grupo eligen gente nueva, tanto débiles visuales como normo visuales, a fin de ser incluyentes.
 
El grupo mencionado ha presentado dos obras teatrales y, para su tercer montaje, Paco Reyes concibió UNPLUGGED EN LA OBSCURIDAD, donde los principales protagonistas son el sonido, la oscuridad y la imaginación.
 
La dirección escénica de UNPLUGGED EN LA OBSCURIDAD fue encomendada a Juan Carlos Saavedra, quien aportó su propia creatividad al proyecto y logró resolver los no pocos retos que tenía por delante.  Nada sencillo ha de ser para un director el diseñar un trazo escénico y marcar los movimientos que, dicho sea de paso, no podrá ver el espectador, pero que son esenciales no sólo para la viabilidad del desplazamiento de los actores sino para ubicar al público en lo que está escuchando.  Un trabajo preciso y extraordinario el realizado por Juan Carlos.
 
UNPLUGGED EN LA OBSCURIDAD es la historia de un hombre que vive en soledad.  Su anciana madre, víctima de una grave enfermedad, observa la vida desde su silla mecedora.  De pronto, él decide desconectarse de todo, llegando al extremo de suprimir la energía eléctrica en su hogar.  Según él, esto le permite abrir más su espíritu y no se da cuenta de que en realidad se está aislando cada vez más.  Como no ha dejado de tener necesidades, invita a una prostituta para compartir su techo.  Ambos viven como matrimonio y "secuestran" a una niña, para cuidarla y hacerse la ilusión de que forman una familia "normal". En las afueras de esta casa dos gatos observan el ir y venir de sus habitantes, mientras se chacotean entre ellos y se cuentan sus sueños.
 
Si usted desea saber qué sucede dentro de estas paredes, qué es lo que ahí se trama, qué es lo que ahí se escucha, qué confesiones habrán de salir a flote, la cita es en el teatro Benito Juárez.
 
Por su parte, los actores también realizan un trabajo extraordinario.  Aun cuando es posible que hayan optado por estudiar la carrera de actuación para estar bajo la luz de las candilejas, se entregan a este proyecto en forma absoluta y, sin que persona alguna pueda verlos, despliegan sus dotes histriónicas a través de la entonación de su voz, empeñando mayor sentimiento en ello, al igual que habrán tenido que aprender a desplazarse en la oscuridad total en forma precisa y cronometrada para no chocar con mobiliario u objetos ni estorbar a sus compañeros.  Ellos son:  Marco Antonio Martínez, Jesús Rodríguez, Anabel Saavedra, Daniela Arroio, Salvador Jiménez, Erika Bernal, Susana Romero y Luz María Meza.  Toca a la primera actriz Luz María Meza dar vida a la madre del protagonista, proyectando su impecable dicción, siempre tan grata al oído.  
 
El resto del equipo está integrado por:  Tenzing Ortega, asesor escenográfico y de iluminación,  Leonardo Soqui, asesor sonoro y musical,  Juan Carlos Sáenz, asistente general,  Gabriel Martínez, taller de movimiento escénico,  Socorro González y Tonatiu Méndez, asistentes técnicos,  Sandra Narváez, prensa,  Teatro Ciego, vestuario.
 
UNPLUGGED EN LA OBSCURIDAD no es sólo un montaje creativo sino una oportunidad de conocer la experiencia de un teatro sensorial.  La total oscuridad en la que se representa hace que se despierten los demás sentidos -el oído se alerta y la sensibilidad está a flor de piel-.  Además, UNPLUGGED EN LA OBSCURIDAD ofrece la posibilidad de admirar un arte desde otra perspectiva, la concientización de apreciar mejor el maravilloso don de la vista y una mayor comprensión de aquellos que están privados de ésta.
 
UNPLUGGED EN LA OBSCURIDAD
se presenta martes y miércoles a las 20:00 horas
en el TEATRO BENITO JUÁREZ,
ubicado en Villalongín número 15 (Monumento a la Madre),
ciudad de México.
La temporada concluye el día 2 de abril de 2014.
Foto tomada por Eugenia Galeano Inclan
Foto tomada por Eugenia Galeano Inclan
     EL HOMBRE SIN ADJETIVOS HACE GALA DE ESTOS PARA SUS REFLEXIONES
 
Eugenia Galeano Inclán
15 de febrero de 2014
 
En la actualidad está surgiendo teatro proveniente de jóvenes dramaturgos, a través del cual expresan sus inquietudes, sentimientos, anhelos y reflexiones.  Mario Cantú Toscano, egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Nuevo León, donde obtuvo la licenciatura en Letras Españolas, es el autor de EL HOMBRE SIN ADJETIVOS, prosa extensa pero ágil, escrita con mucho ingenio y juegos de palabras, donde queda plasmado un pasaje en la vida de tres amigos --dos hombres y una mujer-- cuando uno de ellos se ve precisado a acudir al funeral de su tía, a quien se sepultará en el estado de Veracruz.  Sus dos amigos se conduelen de él y, como muestra de solidaridad, deciden acompañarlo en el triste viaje.

Por su parte, Adrián Alarcón, joven impetuoso, creador teatral, con estudios en México y en el extranjero, quedó impactado por eltexto de EL HOMBRE SIN ADJETIVOS y decidió llevarlo a escena, encargándose no sólo del montaje sino de la producción, al lado de Jesús Alarcón.  Para la dirección decidió apoyarse en personas con trayectoria y experiencia, convocando para tal efecto a Jesús Díaz y a Paola Izquierdo, cuyo trabajo resultó impecable logrando un ritmo escénico inmejorable.

No cabe duda de que el montaje privilegia al texto, toda vez que Adrián lo dotó de una vitalidad y de un dinamismo pocas veces logrados.  A partir de su inicio, se capta el interés del espectador y éste se mantiene a lo largo de toda la función. 

De entrada, surge el primer planteamiento ¿a quién se puede tachar de loco y a quién no? Los personajes son:  Millán (Adrián Alarcón),  Diana (Paola Izquierdo)  e  Isaac (Isaac Pérez Calzada).  A Millán se le ha diagnosticado como esquizofrénico, aun cuando él alega ser psicótico por convicción, mientras que Diana padece de cataplexia -de pronto puede perder tono muscular- y de narcolepsia -cae dormida en cualquier lugar-, e Isaac sufre de parasomnia -sonambulismo-, además de déficit de atención.  Tres condiciones que les representan retos adicionales en sus vidas cotidianas, pero si la unión hace la fuerza, esto aligerará su viaje hasta Veracruz.

Al igual que Millán, Diana e Isaac irán sorteando los obstáculos que se les vayan presentando, el público se irá sorprendiendo con las características de cada padecimiento, o bien, habrá de cuestionarse si será cierto que las primeras palabras de los niños nacidos en los años 60 y 70 fueron "mamá, papá, agua y ... devaluación"; ¿por qué un Alushe -duendecillo- sigue a Millán a todos lados?; ¿qué podría suceder si Diana se queda dormida en el trabajo? sobre todo, si se toma en cuenta que está a cargo de la torre de control de un aeropuerto;  ¿cómo es que la tía de Millán, Lula, recientemente fallecida, sentía tanta admiración por alguien?; ¿por qué al tío Tomás le dicen "Checo"?  Todo esto salpicado de momentos chuscos, una que otra denuncia social y alguna crítica mordaz a lo que no funciona bien.  En fin, acción constante, preguntas y risas, pero que de cualquier forma llevarán al espectador a hacer reflexiones sobre su propia identidad, su cotidianeidad, capacidades, temores y vida, en general.

El elenco lo conforman el propio Adrián Alarcón,  Paola Izquierdo e Isaac Pérez Calzada, quienes logran actuaciones más que convincentes desplegando sus habilidades corporales y expresivas de manera formidable, tanto en conjunto como individualmente.  Adrián como Isaac se compenetran con sus personajes -Millán e Isaac- y sacan a la luz todas las capacidades y debilidades de estos.  En cuanto a Paola, ¿qué se puede decir de ella? a pesar de su juventud lleva un amplio camino recorrido, su trayectoria es impresionante y es tan polifacética que puede dar vida a cualquier tipo de personaje, además de su grata presencia física y su gracia natural, lo que la convierte en una de las mejores actrices de estos tiempos.  Cabe aclarar que en esta temporada se incorporaron alternancias para los personajes.  En el programa de mano se indicará quién interpreta a quién en cada función.

También participan en EL HOMBRE SIN ADJETIVOS en la escenografía -sencilla, práctica y funcional-, Salvador Núñez,  en la iluminación, Regina Morales y Sara Ramos,  en la musicalización, Axel Tamayo e Isaac Pérez Calzada,  como Asistente funge Jorge Márquez y del manejo de Prensa y Relaciones Públicas está a cargo de Marco Figueroa.  Un excelente equipo de gente comprometida con el proyecto.

No deje de ver EL HOMBRE SIN ADJETIVOS, un texto inteligente e ingenioso en un extraordinario montaje que lo mantendrá entretenido y divertido de principio a fin, además de que lo hará pensar y tal vez hasta a apreciar más todo lo bueno que le brinda la vida.  

EL HOMBRE SIN ADJETVOS se presenta en el Espacio Urgente II del Foro Shakespeare, ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa (metro Chapultepec), ciudad de México, los miércoles a las 21:00 horas. La temporada concluye en el mes de julio de 2014
Foto tomada por Eugenia Galeano Inclan
Foto tomada por Eugenia Galeano Inclan
NUNCA ME GUSTARON LOS TÍTULOS LARGOS
 
Eugenia Galeano Inclán
18 de febrero de 2014
 
 
Es común que en las escuelas de actuación se inicie a los alumnos en el arte escénico mediante ejercicios de improvisación entre "A" y "B".  El maestro define ciertas bases y, en lugar de personajes, les pide planteen un diálogo entre "A" y "B".  Los discípulos harán su mejor esfuerzo para que la conversación sea interesante y lograr la viabilidad con planteamiento, desarrollo y desenlace.  De esto dependerá su calificación.  Es posible que este método de docencia haya dejado honda huella en el novel dramaturgo Carlos Portillo, quien obtuvo su licenciatura en Arte Teatral, en la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad Autónoma del Estado de Nuevo León, toda vez que los personajes de una de sus primeras obras "Nota sin Título" son precisamente "A" y "B". 
 
Con "Nota sin Título" Carlos Portillo obtuvo una Mención Honorífica en el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo en el año de 2010. En esta obra, los dos personajes intentaban dar una explicación sobre un suicidio a través de un texto de diálogos sin acotaciones.  Como es costumbre con las obras seleccionadas en este rubro, "Nota sin Título" cubrió una temporada en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.
A partir de ahí, las obras de Carlos Portillo han participado en festivales en diversos estados de la República Mexicana.  En 2013 estuvo presente en la Semana de la Dramaturgia Nuevo León con "En el centro de lo insoluble".
Los reconocimientos recibidos en su trayectoria le valieron una beca otorgada por el Centro de Escritores de Nuevo León CONARTE 2012.  Gracias a esta beca, el dramaturgo decidió optar por innovaciones y concibió la idea de crear lo que él define como teatro súbito para espectadores ávidos.  Para este propósito, fundó su compañía Teatroexperimento con la intención de potenciar la experimentación escénica hacia un teatro súbito que vincule la experiencia entre el actor y el público en relación al acontecimiento en tiempo real.
Según el autor, NUNCA ME GUSTARON LOS TÍTULOS LARGOS "es una propuesta pensada para itinerar e incorporar a la acción las peculiaridades de cada espacio de representación. La obra es una sátira crítica sobre las nuevas generaciones de la inmediatez y la contemplación.  Cuatro jóvenes se aíslan de las distracciones del mundo en un refugio, donde intentan hacer 'algo grande, algo sincero' que logre satisfacer su sentido de trascendencia".
Lamentablemente la propuesta que en blanco y negro suena muy interesante resulta un proyecto malogrado.  El texto es inconsistente de principio a fin y no alcanza a provocar interés alguno.  Tres hombres y una mujer abandonan familias y actividades cotidianas para vivir juntos en un reducido espacio al que llaman refugio.  No tienen dinero, por lo cual las provisiones se les están agotando.  Sólo la chica tenía un sueldo fijo, pero como renuncio, ya no cuenta con éste.  Comenta que entablará una demanda y si la gana habrá de obtener recursos. 
Todo se basa en el azar.  Juegan "volados" para ver a quién le toca "jugar".  Consumen comida chatarra, cuentan chistes sin gracia alguna, como por ejemplo, el del niño a quien su madre le da de comer pizza todos los días sin variación alguna.  Juegan cartas, pero no saben hacerlo.  Hablan sobre Nietzsche, como si esto los hiciera parecer intelectuales.  Improvisan ejercicios, por cierto con "A" y "B", pero uno a otro se reprocha el haber roto todas las reglas de improvisación existente.  Critican a quienes se creen más inteligentes de lo que son, o bien, a quienes echan humo sólo por curiosidad o por antojo. Hablan de fiestas en casas de los abuelos, donde lo que sobraba era el alcohol.  Algunos de sus juegos son algo violentos, utilizan su fuerza para amarrar a la joven.  Lo curioso es que se encuentran concentrados para buscar trascendencia.  En fin, un espectáculo sin ton ni son muy desafortunado.
Habría que recordar que la palabra respetable se utiliza como sinónimo de público.  En NUNCA ME GUSTARON LOS TÍTULOS LARGOS no se muestra respeto hacia el espectador.  No se despierta su interés, no se le conmueve.  No se sabe qué es lo que ocurre sobre el escenario. Alguien que paga el costo de un boleto, espera, por lo menos, que se le cuente una historia.  Puede ser buena, puede ser mala, pero al menos algo que tenga un principio y un final. 
Para colmo, el día del estreno tuvieron una falla técnica y no se escuchó la música, que dicen provee el entorno adecuado. La escenografía es un simple bastidor metálico a la que no se le puede encontrar referencia alguna. 
El elenco lo conforman Alejandro Fuentes, Cosette Borges, José Antonio Becerril y Julián Perdomo, quienes empeñan su mejor esfuerzo, se les ve muy comprometidos con el proyecto, pero es imposible que alguien que no tiene un personaje definido pueda mostrar cualidades histriónicas.  Ellos se disparan, gritan, ríen, payasean.  La que se salva es Cosette, pues su trabajo se mantiene congruente durante la función, además de su buena corporalidad y dicción.
La labor de dirección por parte del propio autor tiene tantas deficiencias como el espectáculo.  También es Carlos quien diseñó el espacio escénico.  El resto del equipo está integrado por:  Teatroexperimento en la producción,  Carlos Brown en el diseño de vestuario,  Roberto "Flaco" Cueva en el dispositivo luminotécnico,  Teatroexperimento / Mariana Rey en el diseño gráfico,  y  Nora Castrejón, encargándose de la difusión.
Queda a criterio de usted si quiere ver lo que se anuncia como 4 actores, 4 roles, 96 posibilidades por día en NUNCA ME GUSTARON LOS TÍTULOS LARGOS, la cual se presenta los viernes a las 20:00 horas en el Foro Reyna Barrera, ubicado en Francisco Pimentel número 14, colonia San Rafael, ciudad de México (Metro San Cosme). La temporada concluye el 11 de abril de 2014.
PSIQUE
 
 
Eugenia Galeano Inclán
2 de febrero de 2014
 
En la década de los años 90 surgió en el firmamento teatral un joven autor, Gerardo Mancebo del Castillo Trejo, que logró alcanzar notoriedad a partir de la presentación de su primer trabajo "Las tremendas aventuras de la capitana Gazpacho o de cómo los elefantes aprendieron a jugar canicas", para después dar paso a una serie de éxitos con obras como "Rebelión o la farsa en pedazos", "Mamagorka y su Pléyamo o Pléyamo y su Mamagorka", "Rebelión o la falsa esperanza", "Geografía o a qué mirar las estrellas", "La comedia de las acotaciones", "Un crimen casi perfecto" y "El galán fantasma o la versión hiper super y recontraliberrísima de un Calderón con frijoles".  A lo largo de su breve, pero exitosa carrera, Gerardo obtuvo muchos galardones, entre los cuales destaca el premio "Oscar Liera" a la mejor dramaturgia del año 1998, otorgado por la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro.  Sin embargo, uno de los más importantes reconocimientos, otorgado en forma póstuma, es el hecho de que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Programa Cultural Tierra Adentro, y el Centro Cultural Helénico agregaran el nombre de Gerardo Mancebo del Castillo al Premio Nacional de Dramaturgia Joven.
 
Entre las características de la dramaturgia de Gerardo, destaca el haber creado una propia y bien planeada cosmogonía asentada en lo que él llamaba la Tierra de la Calamidad, que incluía, entre otras, la Isla de la Ausencia.  En esa extraña tierra los personajes habitaban en sus respectivas ubicaciones adyacentes entre sí, propiciando así la interrelación de sus historias. El éxito fundamental de Gerardo Mancebo del Castillo fue el presentar un mundo de ilusión y fantasía que ponía al alcance de los espectadores, dejando al arbitrio de estos si deseaban sumergirse en éste o no. 
 
Desde el prematuro fallecimiento de Gerardo, acaecido en el año 2000, no había habido quien siguiera la línea de crear mundos fantasiosos.  Es justo ahora cuando Rocío Carrillo de algún modo toma la estafeta y brinda de nuevo al espectador la oportunidad de adentrarse en mundos desconocidos a través de aventuras utópicas.  La gran diferencia entre Gerardo Mancebo del Castillo y Rocío Carrillo es que los personajes de Gerardo eran seres comunes y corrientes -una madre, un hijo, un soldado, etcétera-, de quienes él hacía una alegoría para luego ubicarlos en territorios calamitosos, mientras que Rocío se inspira en personajes mitológicos para crear sus historias.
 
Rocío es una mujer muy meticulosa en su trabajo, una vez que concibe un proyecto, lo abraza, lo analiza, lo va desmenuzando y desarrollando paso a paso.  No es sino hasta que logra conjuntar todos los detalles del mismo, ya resueltos y pulidos, cuando lo da a conocer.  Todo esto quedó constatado en su anterior montaje "Labyrinthos", una instalación escénica, donde el espectador tenía que hacer un extenso recorrido para trasladarse de un cuadro a otro, sin tener ni la más remota idea sobre qué encontraría en el siguiente.  El trayecto comenzaba con un fuerte debate eclesiástico, para luego transitar por una gran variedad de épocas y situaciones, con una diversidad impresionante que englobaba salas llenas de fetos, tableros de ajedrez, escenas de guerra, el propio laberinto construido por Dédalo a petición del rey Minos, áreas de tecnología y algo más, incluyendo la oportunidad única de toparse con el mismísimo Minotauro.  Con el apoyo de un gran elenco, del que Rocío extrajo capacidades aún no exploradas en beneficio del montaje, sin descontar el concepto musical producto de Betsy Pecanins, totalmente acorde con el proyecto.
 
Es indudable que "Labyrinthos" no sólo cumplió el sueño personal de Rocío Carrillo, sino que introdujo en ese sueño a sus espectadores, para quienes resultó una experiencia que jamás olvidarán.  Considerando el contundente éxito y los resultados obtenidos con un trabajo tan bien logrado, es admirable que Rocío no se haya perdido en su laberinto ni que se atasque en la instalación escénica.  Por el contrario, en su actual proyecto -PSIQUE- Rocío Carrillo da muestra clara de que ha optado por explorar un ámbito distinto, lo cual propicia su crecimiento personal y profesional, algo que seguramente enriquecerá su obra. 
 
Para PSIQUE, Rocío vuelve a acudir a la mitología, eligiendo en esta ocasión la historia de Psique, una joven princesa de un reino dominado por los antiguos dioses, a quien Afrodita -la diosa del amor- quisiera eliminar para no padecer rivalidad alguna.  Para su propósito, Afrodita envía a su hijo Eros -disfrazado de Tanatos- a que desaparezca a Psique.  Eros fracasa en su encomienda, toda vez que accidentalmente se pincha con una de sus propias flechas y cae enamorado de la princesa.  En pro de su amor, Eros decide actuar a espaldas de Afrodita, amando y protegiendo a Psique, bajo la condición de que ella no intente descubrir su verdadera identidad ni formule preguntas.  Sin embargo, Psique no cumple con esto, pues le inquieta saber si pudiera ser un monstruo el hombre con quien comparte su vida, así que se lanza a acecharlo y descubre quien es.  Eros se enoja de que ella no haya respetado las condiciones y, desilusionado, se marcha para castigarla con su ausencia.  A Psiqueno le queda otro camino que buscar a la diosa del amor para pedirle que le devuelva a su amado.
 
Afrodita impone a Psique tres pruebas imposibles de ser resueltas por una simple mortal.  La primera consistía en separar una enorme cantidad de semillas,  la segunda, recuperar una valiosa joya de la guarida de una manada de carneros salvajes y, la tercera -la que implicaba mayor peligro, bajar al inframundo y pedir a Perséfone, diosa de los infiernos, que depositara un poco de su alimento mágico para la belleza eterna en una caja, para luego llevar ésta a Afrodita al salier del Hades.  Psique pide al Dios Pan le oriente sobre cómo sortear esta difícil prueba.   La princesa sigue al pie de la letra las instrucciones dictadas por Pan.  Paga a Caronte su viaje al inframundo, resiste la invitación de las Moiras a tomar decisiones sobre su propio destino, logra entrevistar al cancerbero y, para finalizar, rechaza la generosa pero peligrosa hospitalidad de Perséfone.  No obstante haber salido avante, apenas deja atrás el Hades, Psique abre la caja para tomar un poco del alimento mágico a fin de ser siempre bella, pensando que con esto recuperará el amor de Eros en forma infalible.
 
Todo este mito es recreado por Rocío Carrillo a través de acciones, utilizando un lenguaje escénico carente de palabras -otra innovación de Rocío con respecto a su anterior montaje-, superando el reto de captar la atención del espectador tan solo con imágenes.  En su labor de dirección, Rocío demuestra amplio conocimiento del hecho teatral y resuelve la escenificación dePSIQUE con su poética particular, imprimiendo un ritmo preciso y balanceado, mientras que en su labor de iluminación, Rocío da el realce adecuado en forma oportuna.
 
Gran trabajo actoral y corporal desempeña su elenco conformado por Jonathan Ramos (Afrodita/Caronte),  Ernesto Lecuona (Eros/Sileno/Moira/Cancerbero),  Ana Belén Ortiz (Afrodita),  Alejandro Juárez Carrejo (Perséfone/Moira/Cancerbero),  Jorge Eleazar Álvarez (Pan/Moira/Cancerbero/Caronte)  y  Oscar Acevedo (Fauno percusionista).  Bien logrados los cambios de personaje por todos y cada uno de ellos.
 
Otro de los aciertos de Rocío Carrillo es la conformación de su equipo de apoyo en beneficio del montaje, con lo cual se reafirma cuan meticulosa y perfeccionista es en su trabajo. En PSIQUE intervienen los siguientes creativos:  Betsy Pecanins y Ulises Pérez, en el diseño de sonido y musicalización. Alain Kerriou, en videoarte. Margie Bermejo, en entrenamiento vocal.  Erika Gómez, en diseño de vestuario y producción.  Los tocados de Afrodita son producto de Erika Gómez y Juan M. Marentes.  El vestuario de Perséfone fue encomendado a Luis Pablo Montaño.  Las máscaras son de Arturo Vega.  La polifonía coadyuva a comprender el entorno, en un trabajo sin habla, en donde las inflexiones cobran fuerza, el vestuario suma espectacularidad a la representación, los tocados aportan originalidad y las máscaras ocultan identidades.  La labor de cada uno de los integrantes del equipo creativo es encomiable.
 
Recomendamos ampliamente PSIQUE, un trabajo distinto a lo que acostumbramos ver.  Una invitación a sumergirse en la fantasía, revisitar la mitología y ver en directo las imágenes que tal vez no logramos concretar en nuestra mente al hacer alguna tarea sobre mitos.  Una obra plena de espectacularidad y belleza estética.  No se pierda la ilusión de ver a unos cuantos metros de usted a una deidad tan conocida como Afrodita.  Para una comprensión mejor del montaje, es muy conveniente que usted haya leído esta nota, o bien, que antes de ingresar a la sala lea el programa de mano, a fin de tener presente las particularidades del mito en sí.
 
PSIQUE se presenta los viernes a las 20:30 horas, en el FORO LA GRUTA del Centro Cultural Helénico, ubicado en Avenida Revolución número 1500 (Estación del Metro Barranca del Muerto), ciudad de México.  La localidad tiene un costo de $180.00.   La temporada concluye el viernes 18 de abril de 2014.
 
 
 
PRIMER AMOR
 
Eugenia Galeano Inclán
20 de enero de 2014
 
 
Como parte de los festejos del cuadragésimo aniversario de la creación de la UAM -Universidad Autónoma Metropolitana-, su Subdirección de Artes Escénicas presenta el montaje de PRIMER AMOR de Samuel Beckett, uno de los cuatro cuentos que el autor escribió en francés al concluir la Segunda Guerra Mundial.
 
En general, Samuel Beckett explora la condición humana y los sentimientos, el lado sombrío o negatividad y plasma esto en sus textos con tintes de humor agridulce.  De este modo, aunque resulte paradójico, si su obra alude a alguna tragedia personal, no dejará de provocar risas.  La excelente factura de sus narrativas provoca y mantiene el interés de principio a fin.
 
Este montaje de PRIMER AMOR auspiciado por la UAM llega a México desde Colombia, en donde Jo Broderick, escritor, traductor y actor australiano de origen irlandés y radicado desde hace cuarenta años en Bogotá.  Por la admiración que siente hacia Samuel Beckett -ganador del Premio Nobel de Literatura en 1969-, se ha dado a la tarea de traducir algunos de sus textos.  En particular, PRIMER AMOR lo tradujo en 2010 para llevarlo a escena y, desde entonces, lo ha presentado en diversas ocasiones y países -Colombia, Argentina, España-, bajo la dirección de Manuel Ojuela, joven director colombiano.
 
PRIMER AMOR es un monólogo que versa sobre la introspección de un anciano, quien al reflexionar sobre lo que ha sido su vida, hace memoria sobre lo que él considera los hechos que marcaron su existencia.  En su rememoración, va narrando diversos momentos tanto de alegría como de tristeza.  El protagonista, un indigente, habla sobre la muerte de su padre y cómo fue que a los 25 años de edad, tras ser expulsado de su casa, conoció a una mujer en la banca de un parque.  Esta mujer ejercía la prostitución, pero se siente halagada de que un joven muestre interés por su persona, a la vez, que se conduele de que él no tenga donde vivir, por lo cual lo invita a pasar la noche en su casa.  En la narrativa afloran la soledad, la dificultad de expresar los verdaderos sentimientos, el reto personal que representa amar a alguien, entre otros temas.  Luego de autoanalizarse, el anciano concluye que esa mujer fue su PRIMER AMOR y, tristemente, quizá haya sido el único.
 
El montaje de PRIMER AMOR es totalmente austero, una silla sobre el escenario vacío e iluminación fija sin variación alguna.  Posteriormente, se agrega una silla más.  Digna de admiración es la memoria del actor Jo Broderick para aprenderse todos los parlamentos, al haber traducido él mismo el texto, de algún modo, lo hace propio y se deja ver la compenetración que ha logrado con el personaje.  Manuel Ojuela realiza su labor de dirección escénica en forma encomiable, logrando que con unos cuantos movimientos su actor capte el interés del público.
 
En contraposición del excelente trabajo de Jo Broderick y de Manuel Ojuela, el montaje de PRIMER AMOR no resulta memorable a causa de dos elementos, uno audible y el otro visual.  A pesar de conocer el idioma español a la perfección, Jo Broderick no ha podido eliminar su acento extranjero y, por momentos, pareciera un maestro que al remarcar cada sílaba pretende hacer comprender a sus alumnos la relevancia de cada una de éstas.  En cuanto a lo visual, por más imaginación que tenga el espectador, es muy difícil imaginar a un indigente bien vestido, si bien la combinación de colores en su vestuario no es la adecuada, sería casi imposible que alguien sin dinero usara un pantalón de mezclilla fina, de tono claro, más que impoluto.  Lo común es que el indigente porte ropa luida, manchada, e incluso, harapienta.
 
De cualquier forma, PRIMER AMOR es muy recomendable.  Samuel Beckett es uno de los escritores más reconocidos del siglo XX y su texto es muy interesante y conmovedor, la labor actoral por parte de Jo Broderick y la de dirección de Manuel Ojuela son sobresalientes, además de ser una oportunidad de ver un montaje creado en otro país.
 
PRIMER AMOR
se presenta los jueves y viernes a las ocho de la noche,
los sábados a las siete de la noche  y
los domingos a las seis de la tarde
La temporada concluye el 26 de enero
en CASA DEL TIEMPO
ubicada en
Pedro Antonio de los Santos # 84
colonia San Miguel Chapultepec
> cerca del Metro Juanacatlán
La entrada es gratuita
 
¡¡¡ A P L A U S O S !!!
 
Eugenia Galeano Inclán
14 de enero de 2014
 
Para contrarrestar las agobiantes noticias que se transmiten en estos días, como el grave conflicto en Michoacán -caballeros templarios/autodefensas/gobierno- y la población que no puede tener la vida tranquila que todo ser humano merece,  las polémicas surgidas de la reforma energética y de la reforma fiscal,  las molestias ocasionadas por los plantones y las marchas de maestros inconformes,  bien vale la pena reflexionar sobre lo bueno que nos ha dejado el 2013. 
 
En el ámbito teatral fue un año en donde hubo una extensa oferta con variadas carteleras, atractivas a personas de todos los gustos.  Desde luego, hubo montajes nefastos, algunos malogrados y otros mediocres, pero nos enfocaremos hacia aquellos que enriquecen, los que son dignos de admiración y que, en un momento dado, pueden ser inolvidables. 
 
Entre las puestas en escena más destacadas, curiosamente hubo varios monólogos.  Al ser el mayor reto para el actor, el monólogo representa un gran riesgo y un arma de doble filo, se puede salir airoso pero no es nada fácil.  En esta área, dejaron huella:  EL FINAL de Samuel Beckett, bajo la dirección de Ana Graham, con la memorable actuación de Arturo Ríos, quien vino a refrendar su incontenible talento y su peculiar forma de adentrarse en un personaje determinado.   TIRADERO A CIELO ABIERTO, un proyecto surgido de un meticuloso trabajo de investigación sobre el álgido mundo de los lenones y la trata de personas, escrito por Alejandro Román y Mauricio Garmona, joven actor que, además, interpretó al personaje y asumió la carga de auto-dirigirse, dando como resultado un trabajo admirable con gran éxito.  LUNA escrita y dirigida por Xandra Orive -emotiva historia de un joven en busca de la felicidad-, con la impactante actuación de Wolfgang Bischof LA VOZ HUMANA de Jean Cocteau, bajo la dirección de Antonio Castro, con la siempre acertada y grata actuación de Karina Gidi.  MUERTE EN DIRECTO, escrita y dirigida por Guillermo Heras, con la conmovedora interpretación de Zaide Silvia Gutiérrez, a fin de festejar sus cuarenta años de actriz.  ROSE y CONFERENCIA SOBRE LA LLUVIA, ambas bajo la dirección de Sandra Félix, quien ejerció su labor en forma impecable y con precisión. ROSE es de Martín Sherman e interpretada por Amanda Schmelz, logrando conmover al público, mientras que CONFERENCIA SOBRE LA LLUVIA es de Juan Villoro e interpretada por Diego Jáuregui, consolidando su condición de primer actor y anotándose un éxito más.
 
Quedó en claro que la excelencia teatral se puede dar tanto en montajes de producción importante como en los de gran sencillez.  Como ejemplo de lo primero,  SALOMÉ de la autoría de Oscar Wilde, bajo la deslumbrante dirección de Mauricio García Lozano, con la acertada y elegante escenografía de Jorge Ballina y con las actuaciones de Irene Azuela, José Sefami, Aída López y Leonardo Ortizgris, entre otros.   Como ejemplo de lo segundo, MALINTZIN escrita y dirigida por Luis Santillán, presentada en una iglesia abandonada -el Museo Británico Americano de México-, con las actuaciones plenas de energía de Alexa Martín, Melanie Borgez, Natalia Alanis, Guiureni Fonseca, puesta en escena sin escenografía que resultó verdaderamente emotiva e impresionante.  En este mismo renglón, BOLA DE CARNE de Bernardo Gamboa y Micaela Gramajo, un dinámico montaje que muestra los derroteros que está tomando la nueva generación de creadores escénicos.
 
Richard Viqueira continuó el ascenso en su ya exitosa carrera.  Nos impactó con su labor de dirección en CARNADA de Bárbara Colio, plasmando una tremenda agilidad sobre el escenario y unas complicadas acrobacias de los actores para entrar o salir del automóvil Gran Torino azul chiclamino -prodigio escenográfico-, con las actuaciones de Héctor Holten, Luis Rábago, Everardo Arzate, Octavio Michel Grau y Adrián Aguirre.  Así mismo, de nuevo provoca y causa polémica con JAURÍA de Enrique Mijares, que versa sobre quienes ejercen la crueldad sin medida ni arrepentimiento, puesta en escena original y vertiginosa, con imágenes visualmente estéticas de peculiar plasticidad, con las interpretaciones del propio Richard, al lado de Valentina Garibay y Emmanuel Morales.
 
Para divertirse, de principio a fin, nada como LA LECHUGA de César Sierra, autor venezolano, sobre un hombre que a raíz de una mala reacción a la anestesia queda en calidad de vegetal y los hijos tratan de distribuirse la responsabilidad que a cada uno toca.  Los actores de esta tragedia narrada con peculiar humor son Miguel Conde, Alexis de Anda, José Ramón Berganza, Juan Martín Jáuregui y Paola Galina.  Por el contrario, para reflexionar, un teatro surgido de una conversación ocurrida en la vida real entre Orlando Fagin y Mikael Johansson, a través de LOS ARREPENTIDOS de Marcus Lindeen, con las extraordinarias y emotivas interpretaciones de Margarita Sanz y Alejandro Calva.   También, a modo de reflexión, en esta ocasión sobre el consumismo y la apariencia, LA INAUGURACIÓN del sueco Václav Havel, bajo la atinada dirección de David Psalmon, con las sobresalientes actuaciones de Hernán Mendoza, Nailea Norvind y Sergio Ramos.  En cuanto a reflexionar sobre relaciones y sentimientos, LOS CORDEROS, escrita y dirigida por Daniel Veronese, con la loable labor actoral por parte de Alejandro Calva, Nailea Norvind, Carlos Valencia, Arturo Barba y Andrea Guerrero.
 
En su peculiar visión teatral, Lydia Margules se anotó dos éxitos.  INVITACIÓN AL SILENCIO, una poética y original puesta en escena que Lydia creó inspirándose en textos de "Agatha" de Marguerite Duras, con la presencia actoral de Antón Araiza e Ichi Balmori y las voces en off de Aída López y Arnoldo Picazzo,  así como ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.7, 1.8, 1.9, LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS de la autoría de Verónica Musalem, con las actuaciones de Antonio Cerezo, Romina Coccio y Fabiola Vargas, un proyecto sui generis que hasta la fecha ha sido presentado en nueve versiones distintas.
 
Mención aparte merece el nuevo concepto MICROTEATRO MÉXICO que consiste en ofrecer una gama de obras de teatro cortas, en un foro alternativo -la sede de MICROTEATRO MÉXIICO-,  auspiciar la cercanía, a fin de lograr que el público y los actores establezcan una relación de mayor intimidad a la acostumbrada.  El formato básico indica que cada obra no debe durar más de quince minutos, que el espacio no sea mayor a quince metros cuadrados y que el número de espectadores no exceda de quince.  Este concepto ha ido creciendo día con día y cada vez se enriquece más.  En un mismo lugar, el espectador puede ver las obras que le permita el tiempo del que dispone.
 
En resumen, en el aspecto teatral, México resulta sin lugar a dudas primer-mundista y orgullosamente podemos afirmar que el teatro que se presenta en nuestro país puede competir e incluso aventajar al teatro que se presenta en el resto del mundo.   ¡Asista al teatro!